Kenneth Branagh regresa al universo de Agatha Christie como actor y director en este remake de la espectacular e interesante versión rodada en 1978 por John Guillermin, para realizar una puntillosa y fiel reconstrucción de los hechos narrados en la novela original, tomándose la única licencia creativa para desarrollar y enriquecer la personalidad del peculiar detective belga, Hercule Poirot, en un denso prólogo que transcurre en el frente de Bélgica en la Gran Guerra, la de 1914, rodado en blanco y negro e inspirado, tanto en los "Senderos de gloria" de Kubrik (1957), como en la reciente "1917" de Sam Mendes (2019).

Tras la resolución de la trama criminal en el crucero a través del Nilo, desarrollada por Branagh con particular efectividad, en las últimas escenas del film, se retoma la historia narrada en el prólogo para brindar al espectador un tierno intento de humanización del personaje de Poirot que, inspirado por una empoderada cantante de blues a quien conoció a bordo del crucero, se decide a superar su tradicional frialdad y meticulosidad, que forma parte, junto con su impresionante bigote, de la máscara con que protege su vulnerabilidad,

Es de esperar que Branagh prosiga con esa historia de humanización y deconstrucción del emblemático detective belga, en la ya anunciada siguiente adaptación del universo de Agatha Christie, "Misterio en Venecia" ("A Haunting in Venice"), que se estrenará en Septiembre de 2023 y cuyo guion está basado en la novela "Hallowe'en Party", conocida en España como "Las manzanas", que ya gozó de una excelente adaptación televisiva en la imprescindible serie Poirot (1989-2013), magistralmente interpretada por David Suchet.

Tras haber explorado el mundo de las sectas diabólicas en "Hereditary" (2018) y del terror a plena luz del día en "Midsommar" (2019), Ari Aster distorsiona las convenciones del género en el que se encumbró con estas dos brillantes aportaciones y efectúa un ejercicio de libertad creativa con este film que se aparta voluntariamente de las convenciones y etiquetas del género de terror, arrastrando al espectador, que queda desprovisto de asideros culturales, a un alucinante viaje al fondo de la mente de su protagonista, una interpretación magistral de Joaquín Phoenix, con quien viajaremos en una pesadilla surrealista a su pavorosa realidad, ya sea física o imaginada, sin poder diferenciar entre ambas, hasta que descubramos horrorizados, ya en el final del metraje, la razón y orígen de su esquizofrenia.

Un brillante ejercicio de estilo que consolida a Ari Aster como un creador único y brillante con un universo propio visual y conceptual que será un placer ir descubriendo en sus futuras aportaciones.

La maestría de Rob Marshall para el musical, como ya dejara demostrado en "Chicago", "Nine", "Into the Woods" o "El regreso de Mary Poppins" brilla con luz propia en este remake del film de animación de 1989, haciendo que sea una de las mejores adaptaciones en "Live action" de antiguos éxitos Disney de los últimos tiempos.

El secreto de Rob Marshall se llama Halle Bailey que enamora desde su primera aparición, derrochando encanto y fuerza emocional, llenando la pantalla y robando todas las escenas en las que aparece, excepto las que rueda junto a Javier Bardem, en el papel de su padre, el rey Triton, que también tiene una participación magnética. Una desatada Melissa McCarthy, les da a ambos el contrapunto en el papel de la envidiosa bruja con tentáculos, Úrsula.

Las canciones adicionales de Lin Manuel Miranda, no consiguen estar a la altura de la magistral partitura compuesta por Alan Menken para el film animado, si bien cumplen en su función de definir personajes y situaciones.

El ritmo del filme no decae en ningún momento y la CGI cumple adecuadamente para reflejar la inmensidad, el misterio, la belleza y la profundidad de los océanos.

A nivel argumental también el film ofrece cambios que actualizan y fortalecen el mensaje del original enriqueciéndolo, aquí el amor no surge de forma unidimensional al primer golpe de vista, sino que deviene de la observación y la toma de conciencia de haber encontrado a otro ser con una sensibilidad semejante.

En esta misma línea resulta revelador el último mensaje del rey Tritón a su hija: "Nunca entregues a nadie tu voz", que le da al film una nueva e interesante dimensión de la que carecía el original.

Por fin el cine puede exponer una adaptación de la inmortal novela de Alexandre Dumas publicada en 1844, digna del genio de su autor.

A falta del visionado de la segunda parte que se estrenará el próximo mes de diciembre, esta primera parte ya ha superado el principal problema de casi todas las adaptaciones anteriores que consideraban el argumento como un relato de aventuras dirigido a niños y, por consiguiente, cuajado de infantilismos o susceptible de ser tomado con ironía, enfatizando componentes bufonescos y paródicos inexistentes en la historia original, como hiciera Richard Lester en su díptico rodado en España entre 1973 y 1974, o la propia cinematografía francesa en las versiones de André Hunnebelle de 1953 o de Bernard Borderie de 1961.

También resultan cuestionables la primera versión sonora de 1935 por su alejamiento del guion original, o la versión rodada por los estudios Disney en 1993, que contó con un excelente reparto y un guion infumable, o la versión de Peter Hyams en 2001, con su despliegue de artes marciales en la Francia del S.XVII, y por último, para rizar el rizo, la modernización de Paul W.S. Anderson en 2011 que convirtió el clásico texto de Dumas en un impersonal y aparatoso videojuego de acción de infausto recuerdo.

De tal forma que las mejores versiones hasta la fecha siguen siendo la versión silente de Fred Niblo de 1921, interpretada por Douglas Fairbanks y la dinámica versión dirigida por George Sidney en 1948 con Gene Kelly en el papel protagonista, concebido con acierto como un musical sin números musicales.

En este panorama esta nueva versión tiene la virtud de partir de un guion que se ha tomado en serio el espíritu de la novela original, que es un relato de aventuras de capa y espada ambientado en la turbulenta corte francesa del siglo XVII, con unos personajes dotados de cierta complejidad psicológica en una narración muy dinámica que no elude los aspectos dramáticos cercanos a la tragedia.

La trama se mantiene fiel al espíritu de la obra original, si bien introduce subtramas para acentuar la presencia de algunos personajes o aumentar la emoción de ciertas escenas, pero el resultado final es absolutamente respetuoso con el texto de Dumas.

Su mayor acierto radica en el despliegue actoral con lo más granado del cine francés y europeo actual, desde Eva Green, que incrementa su galería de malvadas, componiendo una desatada Milady de Winter, auténtica encarnación del mal, que entra de lleno en la galería de villanas fascinantes de la historia del cine, con el permiso de sus predecesoras, Lana Turner, Faye Duneway, Mylène Demongeot, Rebecca de Mornay o Milla Jovovich, hasta Vincent Cassel, cuyo torturado Athos, resulta más oscuro y cansado que en anteriores versiones, en las que destacaron Van Heflin y Oliver Reed, pasando por la pareja real, unos convincentes Louis Garret y Vicky Krieps, cuyas brillantes apariciones en pantalla capitalizan la atención del espectador, o la espléndida pareja protagonista, un aguerrido François Civil y la encantadora Lyna Koudry en el papel de la dulce y abnegada Constance.

Quizá se echa de menos una mayor participación de la intrigante figura del cardenal Richilieu, interpretado por Eric Ruf, aspecto que probablemente quede corregido en la segunda parte del film dedicada a Milady, ya que siguen siendo memorables en la retina del espectador, las imponentes aposturas de Vincent Price y Charlton Heston en ese carismático papel.

La localización de los exteriores en escenarios reales franceses adquiere papel protagonista, Île-de-France, les Invalides, el patio del Louvre, la catedral de Meaux y los castillos de Fontainebleau, Chantilly y Compiègne, lucen espléndidos al recrear su glorioso pasado en la corte borbónica.

De la dirección de Martin Bourboulon, conviene destacar el gusto por el detalle, los colores terrosos y en sombras de la fotografía, la delicada dirección de actores y el voluntario alejamiento de las luchas de espadachines coreografiadas, como suele ser habitual, para bajar la cámara al nivel de los combatientes y hacer sentirse al espectador, inmerso en la lucha.

Por todo ello, hemos de felicitarnos por poder disfrutar de esta atractiva muestra del cine de capa y espada de corte clásico y porque, desde el seno de la cinematografía francesa, se haya hecho justicia por fin a la obra inmortal de Alexandre Dumas.

Neil Jordan nos brinda un interesante ejercicio de estilo de actualización o de respetuosa revisión del género neo-noir que bebe más de las fuentes del cine retro de los 70 del estilo de "Chinatown" (Roman Polanski, 1974) o "Adiós muñeca" (Dick Richards, 1975), e incluso de las revisiones del género que se hicieron en los albores del siglo XXI: "L.A.Confidential" (Curtis Hanson, 1997) o "La dalia negra" (Brian de Palma, 2006), que del propio cine negro de los 40, representado por la saga del propio Marlowe, detective privado creado por la pluma de Raymond Chandler e interpretado magistralmente en la pantalla grande por Humphrey Bogart en "El sueño eterno" (Howard Hawks, 1946).

Liam Neeson pasa a formar parte de la galería de Marlowes más prestigiosos del género junto a Bogart, Robert Mitchum o James Caan, con su aire envejecido y cansado, sobre el que el actor no tiene ningún problema en ironizar cada vez que le toca interpretar escenas de acción; estando muy bien secundado por una espléndida Diane Kruger que pasa a formar parte de la galería de las fascinantes "Femmes Fatales" del cine o de una mordaz Jessica Lange, musa del género desde su participación en la inolvidable "El cartero siempre llama dos veces" (Bob Rafelson, 1981).

Con este elenco de lujo y la admirable y respetuosa dirección de Jordan las pantallas vuelven a llenarse de humo de tabaco, música de jazz, calles mojadas por la lluvia, golpes y disparos, diálogos afilados, réplicas mordaces y una feroz crítica social sobre el poder establecido y la corrupción de sus estamentos más emblemáticos, así como de los mecanismos de control y manipulación de los ciudadanos.

La acción está ambientada en unos escenarios que pretenden representar la ciudad de Los Angeles en 1940, pero que intencionadamente evocan una imagen muy distinta de dicha ciudad, la creada por Ridley Scott para su film futurista, pero rabiosamente neo-noir, "Blade Runner" en 1982.

Por estas razones, la nostálgica y eficaz dirección de Jordan, el respeto escrupuloso a los códigos narrativos, la espléndida labor actoral y una ambientación magnífica, puntuada por una evocadora partitura musical, permiten garantizar el goce del espectador más allá de las reflexiones sobre la extinción de un género que parece resistirse a morir.