Una secuencia que podría resumir la película sería la de Norah Jones apurando su pastel de arándanos mientras la cámara con un lento travelling desde el lateral de la cafetería, nos muestra su cara llena de lágrimas, con el alma herida por la infidelidad mientras, Jude Law la observa tras la barra de su café con la mirada llena de ternura.
En esta historia de relatos entrelazados, todos sus personajes sufren por el desamor, la soledad y el maltrago vivido por las interacciones pasajeras con personas afines que deambulan por el mundo.
La película cuenta con unas interpretaciones excepccionales de actores de primera línea, ahí estan los Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman, David Strathairn y por supuesto la cantautora, Norah Jones. La neoyorkina aporta una candidez y naturalidad que inundan la pantalla de frescura.
Wong Kar-Wai escribe y dirige está road movie de los sentimientos, con altibajos dramáticos llenos de azucar y ternura a partes iguales donde el estilista realizador hongkones nos enseña de nuevo su peculiar visión de contar elegantes e intimistas historias de personajes solitarios con la fuerza de su poderio visual en la cámara.
Me ha encantado su brillante BSO, cargada de temas de la propia Jones y otros autores de blues y jazz americanos. Todas estas canciones llenas de clase y elegancia.

En definitiva, una muy recomendable película, introspectiva y sencilla donde un gran autor como Wong Kar-Wai nos habla de la necesidad de fricción entre personajes que necesitan curar heridas abiertas.

Tras disfrutar de las mieles del rotundo éxito de su anterior trabajo, Gravity (2013), donde conquistó toda clase de premios y la taquilla de medio mundo, para el mexicano Alfonso Cuarón, se le abrían un abanico de posibilidades a la hora de abordar su nuevo proyecto. Contaría además, con el apoyo de productores y toda clase de asociados para lanzar su nueva película con total convencimiento de garantizarse de otro bombazo firmado por el mexicano.
Pero él contra todo pronóstico, jugó a lo opuesto, se alejó de grandes presupuestos y fastuosos rodajes "made in" Hollywood, para, situar la acción de la obra en su país de origen, filmando su película más íntima y personal, Roma.

En contraste con su anterior trabajo, Cuarón deja atrás las peripecias técnicas y movimientos rotativos de cámara de Gravity, para acometer una labor más sencilla, sobria, y de una pulcritud formal, dignas de mi admiración.
Cuenta con una artesanía y puesta en escena muy clásica, por momentos parece haber sido filmada por Bergman o el mismo Buñuel, en su etapa mexicana de Los Olvidados. Con el añadido de toque social de denuncia y de sencillez de los dramas del neorrealismo italiano.
Cuarón maestro en los movimientos de cámara virtuosos y excelsos, aquí limita su ostentación a planos más sostenidos y a cuadros inmóviles en varios momentos, ofreciendo un intimismo y sobriedad en el desarrollo personal de sus personajes.
Filmada con cámaras digitales, en 65 milímetros, y en un portentoso blanco y negro, muy adecuado para el contexto histórico que se nos presenta y aportando a la imagen mucha nitidez y mayor limpieza, al contrario de las últimas propuestas visuales de directores como Christopher Nolan o Paul Thomas Anderson, que apostaron por una fotografía más sombría, muy granulada y rica en texturas. En mí opinión la pulcritud en sus tonos blancos, la profundidad de campo y su óptica expandida hacen de ella, la mejor fotografía del año en cine.

La trama nos traslada a Ciudad de México en 1970, ciudad donde nació el realizador mexicano y donde vivió la etapa más trascendental en la vida de muchos de nosotros, nuestra infancia.
En está ocasión con ROMA, pasamos de la la claustrofobia, soledad y sufrimiento de la pareja protagonizada por Bullock y Clooney en Gravity, a la magnitud y la gran profundidad de campo en impresionantes escenarios al aire libre, donde la titánica Ciudad de México juega un papel principal. Mas aún en los años que se nos muestra, durante plena revolución estudiantil y años turbulentos de protestas, durante el fatídico y sangriento "Halconazo".

En ROMA se nos presenta un mosaico de la realidad vivida por unas personas que no están tan distantes de nuestra actual sociedad.
Conoceremos a un personaje vital en la vida del director como fue su cuidadorara, su nana como cuenta el propio Cuarón, la empleada doméstica que se encargo de que no les faltase de nada en ningún momento a él y sus hermanos, y que marcó en gran medida el devenir de toda su familia, en especial de él y sus hermanos.
Para ese papel, el de Cleo, Cuarón seleccionó a una actriz no profesional hasta ese momento, como era Yalitza Aparicio, ahora después de su actuación no creo que le falten papeles dentro de la industria del cine, es de mencionar su capacidad frente a la cámara sin haber tenido instrucción previa en materia actoral, y no conocer referencia alguna antes de ese papel.
Le acompañan de igual manera, muy plausible, Marina de Tavira, en el papel de madre de la familia, actriz de importancia en el panorama latinoamericano y Nancy Garcia, en su primer papel en la gran pantalla al igual que Yalitza. Es de remarcar que ambas mujeres son de origen mixteco, etnia minoritaria y arraigada de México, solo permanecen pequeñas colonias actuales en regiones como Oaxaca, de donde son oriundas ambas actrices.
En la película se utiliza ese dialecto, de igual forma que el castellano, en las conversaciones entre ambas empleadas del hogar se puede presenciar. Me parece un hecho bastante destacable, en la industria cinematográfica que vivimos hoy en día, y un factor necesario y bonita decisión por parte del equipo de rodaje de ROMA.
Funciona a la perfección como declaración de amor ante esas mujeres claves en la vida del propio Cuarón y que funciona de igual manera para que se identifique cualquier persona con empatía y sensibilidad hacia los suyos y hacia el prójimo.

Elegante, primorosamente filmada y con genuinas interpretaciones por parte de actores semidesconocidos y personajes salidos de la mente de un creador, que bucea en su memoria para entregarnos una soberbia epopeya de lo sencillo, el poder de los sentimientos y la razón de nuestra existencia.

En forma de conclusión, quiero decir que para mi el visionado de esta película y la posterior elaboración de esta reseña, han sido muy especiales para un servidor. Ya que, he interiorizado como muy mía la película y su rodaje en la actual Ciudad de México, puesto que, he vivido 6 meses en un pueblecito periférico de la capital, en una casa humilde de una familia mexicana, y que es la de mí pareja.
He aprendido mucho de la humildad de sus gentes y de la riqueza humanística de su pueblo, entre sus gentes, he observado a personas del pueblo mixteco y pude comprobar como siguen siendo una minoría bastante desplazada y olvidada por una sociedad, que parece querer renegar de sus raíces y que no valoran en muchos casos, la riqueza que aporta tener; otras costumbres, otra lengua y otra formas de ver el mundo, coexistiendo en un mismo lugar.

Para LAURA. La persona que cambió mi vida

Una profunda mirada animal, un rostro hiperterrito y una diva, en este caso Nawja o si lo queremos Lila Cassen. Y por supuesto, una idea precursora a la altura de los adontecimientos, la de un artista con una mirada única y genuina, la del principal estandarte del nuevo cine que se está haciendo en nuestro país. Carlos Vermut.

El director madrileño se ampara en esta ocasión el melodrama, aunque haga las veces de un crispado envoltorio de género para generar su fuerte carga emocional y hacerse valer de sus armas dramáticas. Porque a su director, lo que realmente le interesa contarnos es, como transita su peculiar universo bizarro, de atmósferas oscuras, oníricas y de humor absurdo y sardónico dentro de una historia dramática-psicológica muy profunda.
Entre lo poético y lo abyecto, Vermut avanza en su cine, cada vez más maduro, de formas más clásicas incluso, pero siempre con una mirada original, que camina a contracorriente, y que finalmente consigue atraparnos.

Película que me recordó en algunos momentos y secuencias a "Todo Sobre Mi Madre" de Almodovar o "Perfect Blue" del fallecido Satoshi Kon, gente le busco similitudes con "Persona"de Ingmar Bergman o con el cine de Paul Thomas Anderson, ahí le veo menos el emparejamiento, creo que va bastante por otros derroteros la cosa.

La película es todo un festín visual, ese juego de espejos y de fuertes personalidades en contraste. Con dos protagonistas Nawja Nimri (Lucía y el sexo) y Eva Llorach (Magical Girl), que están magníficas y radiantes cuales divas de la canción.
Y luego, están dos secundarias que son también la antítesis la una de la otra, la joven y portentosa Natalia Molina (Techo yComida) y una actriz de gran recorrido como Carme Elias (La Flor de Mi Secreto)
Se trata en mi opinión, de un film más sereno que "Magical Girl" o "Diamond Flash" los dos anteriores largometrajes del director madrileño.
Si en los anteriores trabajos daba rienda suelta a su bis cómica grotesca y con desarrollo más vivo, aquí se vale de una puesta en escena cuidadisima, del rigor narrativo y dramático y de una pulcritud inesperada en el antiguo historietista madrileño.
Tiene en su desarrollo secuencias precisas y largas, cargadas de hipnotismo y suntuosidad, no exentas eso sí de mordiente y el punch habitual del director.
A continuación detallo alguno de los puntos fuertes de sus tres personajes protagonistas femeninas, las tres actrices talentosas y muy bien perfiladas dentro de sus personajes.

NATALIA MOLINA: impacta por su destructor personaje y atesora un poder ciclónico en cada una de sus acciones. Una nini realmente satánica.
EVA LLORACH: la auténtica estrella y revelación de la película, su historia es de las que dejan calado en el recuerdo. Un goya se merecería esta señora.
NAWJA: creando el personaje en su propia piel de artista multidisciplinar. Hipnótica a la par de fría y comedida en su interpretación.

Segunda de las tres obras del polaco Andrej Wajda realizo sobre el pueblo polaco y las vivencias de las familias de clase obrera en su particular guerra contra el gobierno polaco en el año 1980.
Se trata de una pelicula valiente y honesta, con una visión humanista de las distintas clases sociales en Polonia.
Film alentador y positivista sobre la lucha de los mas débiles por salir adelante. Que exalta la lucha del individuo y el grupo unidos por encima de las tiranias de muchos estados en este mundo. Película necesaria e histórica.

Y después de la aplaudida y multipremiada "Ida" (2013) de Pawel Pawlikowski, llegó el 2018 y con él, "Cold War", título desolador y críptico muy bien ajustado para la vorágine que se desatará en la obra. La expectación era muy alta, y para mi gusto, es capaz incluso de superar las expectativas previas.
Cold War es a mi humilde opinión, lo mejor estrenado este año en salas. Con una fotografía en blanco y negro exquisita, y una muy lograda ambientación de la Europa de mediados de siglo.

En está historia se nos presentan 2 personajes muy intensos, abigarrados y con los que he experimentado mucha empatía. Uno de ellos, el personaje masculino es un instructor polaco de música, pianista instrumental, y el otro de ellos, una joven polaca, que deseosa de bndonar su país natal, se presenta a los castings de una comapañia de música y danza. La química que transmiten ambos y pureza sentimental es maravillosa. Los dos personajes son muy carismáticos y los actores están radiantes en sus interpretaciones.

Todo en esta película me parece emotivo, intenso y creible en todos los niveles. Habla de las dificultades de mantener una relación amorosa, cuando todo está en tu contra, y cuando ninguna de las condiciones previas ni presentes dan pie a apostar por esa pareja. Esa relación a demás, se irá trasladando por toda Europa, en distintas ciudades (comenzando por Varsovia, Moscú, Belgrado o París), ya que sus personajes por distintos motivos, son incapaces de plantar raíces en un mismo punto durante mas de 15 años

La puesta en escena de la película es espectacular, de diez, clásica formalmente y riquísima en tratamiento de los espacios, situaciones y en su uso de la luz. Filmada en formato 4:3, lo que aporta a la imagen una cercania y una forma de encuadrar todo en plano de forma muy insólita y especial, un ejercicio absolutamente hipnótico. Muy recomendable para ver en gran pantalla, saldran recompensados.

Pocos peros se le pueden poner a está delicada joya que es Cold War. Quizás solo por ponerme puntilloso, en mi gusto personal, me hubiera gustado que tuviera mayor duración. Sus 88 minutos se me hacen algo escasos ante el desarollo de esta profunda historia amorosa, que transcurre como dije anteriormente, en 15 años, entre 1949 y 1964. Especialmente se lo achaco en su melancólico y crepuscular desenlace, donde algo más de minutaje se me hubiera hecho necesario para redondear la jugada.