Mayflies, es el título de una miniserie para TV de dos episodios que reflexiona sobre el final de la vida. El título hace referencia a este insecto acuático, las efímeras y que como su nombre indica tienen una vida corta.

Mayflies es la historia de un grupo de jóvenes en Escocia que, cuando tienen dieciocho años forjan de forma inquebrantable su amistad a través de la música.

El primer episodio empieza con una frase clara: "dicen que los 18 años no sabes nada, pero hay cosas que sabes a los 18 que nunca más volverás a saber".

Pero la historia empieza cuando Jimmy recibe una llamada de su amigo Tully quién le pide que vaya a verle.
Entonces Tully, en presencia, le comunica a Jimmy que tiene un cáncer terminal y que quiere que le ayude a ser consciente del proceso de morir, a explorar opciones como el suicidio asistido; en definitiva a evitar una larga agonía final.

Mayflies es una reflexión profunda sobre como afrontar el final de la vida. "Que la muerte esté orgullosa de llevarnos con ella" se cuenta que le dijo Marco Antonio a Cleopatra.

Esta cita planea sobre el guion el cual se inspira de una novela del mismo título de Andrew O'Hagan y plantea una pregunta difícil: ¿tenemos derecho a controlar nuestra propia muerte?

No es una historia sólo sobre la muerte asistida sino una reflexión sobre la vida, sobre los sueños de juventud que van más allá de sus propias circunstancias, más allá de sus deseos personales, pero profundamente comprometidos con lo vivido.

La trama utiliza flashbacks del pasado de los dos protagonistas para mostrar cómo se forjó su amistad. Pero la narración de ambos episodios se centra en la forma en que Jimmy intenta ayudar a Tully y a su mujer Anna para hacer frente no sólo a la difícil situación sino a que se respete la voluntad de Tully.

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Mientras seas tu, el aquí y ahora de Carme Elias es un documental sobre la realidad vital de la actriz catalana Carme Elias a quién el verano de 2019, la diagnosticaron de Alzheimer.

El documental es un mosaico de imágenes de archivo junto con momentos de reflexión que transitan por la evolución de la enfermedad a lo largo de los cuatro años siguientes.

Una de las principales preocupaciones de la actriz que muestra el documental es su voluntad de apostar y reclamar que la dejen morir cuando ya no sea ella.

Por un lado el docuemtnal es un homenaje a la actriz, a una trayectoria viviendo apasionadamente fuera de su yo para emocionar.

Con la enfermedad neurodegenerativa que padece el yo personal se va disolviendo sin dejarle recuerdos de lo que fue la actriz. Esto ya lo expresó en el libro que escribió Cuando ya no sea yo (2023). Un libro que es un testimonio indispensable sobre el alzhéimer narrado en primera persona por una de las actrices más reconocidas de nuestro país

El documental en cambio centra la atención en la memoria que se desvanece, en la frustración por perder la palabra que tanto amó. Y ante esta carcoma de su cerebro, emerge la determinación de Carme Elias por reclamar que la dejen morir con dignidad, cuando ella sea consciente que el deterioro personal le es inaceptable.

Carme Elias anima a redactar el testamento vital o documento de últimas voluntades ya que señala que es un documento que le da tranquilidad y sobretodo control sobre su vida en esta nueva etapa que está viviendo: "una vida llena se merece un buen final y es un buen regalo de despedida tanto para los familiares como para los profesionales de la sanidad".

La directora, Claudia Pinto, venezolana afincada en España, ya rodó con Carme Elias la película La distancia más larga (2013).

El documental se inicia contando que este empezó como una película secreta y sin pretensiones, y que pronto se convirtió en un trabajo de seguimiento de vivir el presente por parte de la actriz. Un pacto de amor y amistad. Un homenaje y canto a la vocación y al milagro del arte de la interpretación.

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Nicolas Vanier es un cineasta comprometido con la conservación de la naturaleza. El Lobo es una película sencilla de argumento, pero grandiosa en paisaje y en el retrato de los nómadas criadores de renos de la república rusa de Sakha (Sajá) y en concreto de la región de Yakutsk.

Esta película en realidad es un homenaje al pueblo nómada de la etnia de los Evens de la taiga siberiana que Vanier conoció a raíz de una expedición transiberiana que hizo en la región en 1990.

El lobo es la excusa para mostrarnos un estilo de vida en armonía con la naturaleza, posible gracias a viejas tradiciones que, sin embargo, aunque deben ser respetadas, pueden actualizarse. Y este es el papel del joven Sergeï y su enamorada Nastazia.

El film se toma muchas licencias cinematográficas para que la ficción funcione, como la pareja de actores protagonista con la actriz exótica y modelo Pom Klementieff. Los lobos son ejemplares adiestrados para poder así componer los bellos cuadros escénicos que se visualizan.

Todo el rodaje, como relata el director, se realizó en gran parte en las zonas habitadas por los Evens y en condiciones reales. Los Evens son realmente los protagonistas de la historia con los que Vanier hizo amistad.

Los pocos actores profesionales participantes también estuvieron con dos de los clanes, que facilitaron el rodaje gracias a su amistad con Vanier. De este modo se familiarizaron con su estilo de vida, tales como aprender a montar en reno, manejar el lazo o adoptar sus posturas.

Quién visualice esta película se adentra pues en viaje etnológico de la mano de una historia familiar, previsible y con toques de romántica, pero no por ello admirable en todos los sentidos.

En cierto modo podemos especular que la película de El Lobo (2009) de Vanier inspiró en 2015 la película El último lobo del también cineasta francés Jean-Jacques Annaud rodada en China, aunque con connotaciones mucho menos etnológicas que la de Vanier.

En definitiva, una pequeña joya a caballo entre la ficción y el documental, pero con una fotografía grandiosa y una historia emotiva, a la vez que épica.

Con el sustantivo fantasma en el título en inglés uno podría ya imaginarse el argumento. Sin embargo, el título original en francés aporta otra visión puesto que Vif-argent es la denominación alquímica del metal líquido "mercurio".

Como comenta el director Stéphane Batut. "el título evoca al mercurio utilizado como ingrediente activo en la alquimia, un elemento denso pero a la vez líquido capaz de fluir y tomar infinitas formas, comparable a una chispa sigilosa, algo que se enciende en la noche como ocurre con los protagonistas, Juste y Agathe en la película, además el título es también es el nombre del dios Mercurio, considerado en la mitología romana como el mensajero de los dioses que lleva las almas al más allá".

Juste es un joven que ha sido reclutado como barquero de almas al paraíso. Pero, como le dice una vieja alma "el paraíso es cuando ya no se tiene miedo a morir". Pero para Juste, este trabajo también es la oportunidad para saldar deudas pendientes con su pasado. De hacer por primera vez el amor con una mujer a la que quiso.

Vif-argent, que podríamos traducir libremente como "escurridizo" evoca la propiedad del mercurio de desplazarse como líquido pero también con forma. Es decir, la idea de un mundo después de la muerte capaz de mostrar mejor la vida que todos compartimos en su visión más cotidiana.

Es una película en la que el tiempo es circular, que puede repetirse, que cuando uno sueña puede que el otro esté ya muerto o al revés.

El cine es a menudo una forma de soñar utopías y Vif-Argent lo es. No es la historia de un fantasma "quemado" sino de un sueño líquido metido en otro sueño. Donde no es fácil percibir si quién sueña está ya fuera del sueño o es al revés.

La película llega al gran publico en España de la mano de Atlàntida Film Fest 2020 que se puede seguir desde la plataforma Filmin.

Elaborada por Funeral Natural
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Un cuento no es más que una historia sencilla con una moraleja. El cuento de los castaños lo componen tres capítulos: Mario, el carpintero tacaño, Marta, la última castañera y Germano el hijo perdido.

No es una película de acción, pero su trama se dibuja a través de cuadros en los que se ubican los personajes. Cada escena es como un cuadro del barroco holandés, con una dominancia del claroscuro y aspecto tenebroso.

Así la historia se dibuja desde la luz pero también de la composición. El personaje está sentado en una habitación vacía, sombría y su silueta se observa desde una puerta, por ejemplo. Es la forma en la que la acción es la nostalgia que le invade.

Por tanto, esta reflexión sobre la soledad, sobre la muerte, sobre la pérdida irrecuperable se escribe no tanto por sus diálogos sino por cada cuadro.

Es cuadro a cuadro, en el que los recuerdos se intercalan en el presente. Es cuadro a cuadro en el que la luz se debilita hasta desaparecer en un paisaje inexistente. Es cuadro a cuadro en el que el pasado antaño próspero se desvanece sin posibilidad de existir en el presente.

La película empieza con una tumba en la que se entierran una castañas con la hojarasca del bosque. Es la metáfora en la que se invita al espectador a adentrarse en una historia fantástica, que quizás no la crea, pero en la que hasta el último momento los personajes intentan sobrevivir: "hasta un insecto intenta vivir todo lo que puede".

Pero, El cuento de los castaños es la historia de un acto generoso en el que la muerte da nueva vida. La mezcla en la lengua de los personajes, italiano y esloveno nos adentra igualmente en esta frontera desalmada en la que las castañas ya no dan más vida a sus habitantes.

Es un cuento sobre el declive, pero en el que también morir significa que "cuando te vas, todo son ventajas".

No es una película para pasar el rato, más bien una invitación a sumergirse en una fantasía. Una propuesta mágica en la que melancolía fotográfica puede que nos regale la castaña a modo de perla, que se desprende de la cáscara espinosa gracias al torrente fluvial que caracteriza la Vida misma.

Reseña elaborada por Funeral Natural.
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