Sin ser ningún experto, me parece que “La tía Tula” es una de las grandes películas españolas menos conocidas o valoradas por el gran público. Se suele enmarcar dentro del llamado Nuevo Cine español, tendencia representativa de los 60 que aborda la sociedad española del momento con realismo, con autores tan importantes como Víctor Erice o Carlos Saura. En el palmarés de la cinta figura el premio a la mejor dirección en el Festival de San Sebastián, en una edición en que la Concha de Oro fue para “America, America” de Elia Kazan.

Aurora Bautista, cambiando totalmente de registro respecto a sus interpretaciones más conocidas (“Agustina de Aragón”, “Locura de amor”), consigue transformarse por completo en ese personaje tan rico y contradictorio que es Tula, con una actuación que raya lo magistral. No hay más que ver el comienzo, con los títulos de crédito, el impresionante plano de ella sentada, aguantando estoicamente la cámara.
Es el “alma matter” de la obra: su dedicación exclusiva a sus sobrinos, Tulita y Ramirín, la realización de las labores domésticas y su tirante relación con su cuñado, un fenomenal Carlos Estrada, un niño grande, torpe, de poca sutileza que tiene la desgracia de enviudar demasiado pronto, muy joven.
La química entre ambos actores es total, tanto para las escenas cotidianas como para los momentos de gran tensión dramática (bastante fuertes para la época). Al parecer la película sufrió algún recorte por parte de la censura, algo más de cuatro minutos en total.

Picazo y sus ayudantes mantienen un gran cuidado por la técnica, regalándonos preciosos encuadres, grandes planos-secuencia y una dirección de actores portentosa.Aunque es una libre adaptación y el guión es magnífico, la película le debe mucho a la novela de Unamuno.

Picazo dibuja una radiografía moral de la España de entonces brillantemente. A pesar de que algunos no hayamos vivido en esa época, se imbuye al espectador en ese período y en ese lugar, la España de provincias o, más bien, provinciana, donde los cuchicheos o el qué dirán adquieren una relevancia extraordinaria. Pero la férrea moral de Tula es inquebrantable –en este sentido me parece genial la confesión con el cura, un gran José María Prada-.

En mi opinión, es de lo mejor del cine español, cercana a lo que llamamos obra maestra.

Hablar sobre "El abrazo de la muerte" es hacerlo acerca de una de las grandes películas de cine negro. Su director, Robert Siodmak, no es ningún novato en este género. No en vano, el film contiene numerosos elementos característicos del film noir: desde la voz en off (que nos permite identificarnos con Burt Lancaster), pasando por el flash-back, la femme fatale o el (trágico) destino.
La escena inicial comienza con los dos enamorados abrazados, anticipo del sorprendente final que de igual manera les espera a ambos. Estaría casi a la altura del formidable fin de "Soy un fugitivo" de Mervyn LeRoy, sin duda una auténtica joya. A mi modo de ver, este magnifico final es uno de los mejores vistos en este género, tanto por lo inesperado (por amargo), como por estar tan condensado. Casi quita la respiración, y cuando te dispones a respirar, paff, entra ese "THE END", cortante como un cuchillo afilado.
Es sorprendente la claridad expositiva (en contraposición con películas como "Atraco Perfecto", también sobre un gran golpe). El momento clave es cuando Slim (Duryea) encuentra a Anna (De Carlo) y Steve (Lancaster) juntos, y éste ha de sacarse de la manga el ataque al furgón blindado para que no los ejecute allí mismo. Tanto este momento como el del robo es quizás lo menos logrado del film; tal vez el director articula una mera excusa para ir adentrándose en el tortuoso desenlace.
En cuanto a los actores, brilla especialmente Yvonne De Carlo en su ambiguo papel; ora nos hacer creer que ama a Steve, ora se rie de él. Burt Lancaster, quizás no raya a la altura de otras ocasiones, sin embargo hay varias expresiones en su rostro que están al alcance de pocos actores.
La ambientación está muy lograda; por ejempo ese garito. Casi dan ganas de tomar una copa en esa larguísima barra, con esa chica que está a todas horas. El número musical también es de chapó.
En definitiva, una gran película, una de las grandes del "film noir", con un grande -Burt Lancaster- y un final espectacular. Muy recomendable.

Si hay un estilo Garci, esta película es puro estilo Garci. De antemano, debo decir que personalmente, me ha gustado. Es un film que entretiene y agrada, que es de lo que se trata en esto del cine. “Las verdes praderas”, la tercera que dirigió, es una de las películas más desconocidas de su autor, y más injustamente infravaloradas. Quizá no es “buena de verdad”, pero Garci debe estar contento.

¿De qué va? Cuenta cómo transcurre un fin de semana de un matrimonio de clase media acomodada con dos hijos allá por 1979.
Como en muchas de sus películas, el tema latente es el paso del tiempo, la persecución de unos ideales, la trayectoria vital, aunque en este caso sólo se dejan ver como colofón.

Casi todo el film está revestido de un tono de comedia costumbrista en el que a través de pequeños detalles cotidianos, Garci retrata, con la precisión de un sociólogo, el núcleo familiar español de finales de los 70. A saber: la escapada al chalecito el fin de semana, el fútbol de los domingos, la odiada superioridad del jefe y el peloteo de su lugarteniente llamado a sucederle (espléndido Carlos Larrañaga), el arreglo de las chapuzas, el mito (que aquí se cumple a rajatabla) de la suegra plasta, en fin lo de ayer y casi lo de hoy.

En realidad, aparte de las innovaciones tecnológicas, las cosas importantes no han cambiado tanto. La crítica hacia la sociedad consumista que ya empezaba a despegar es evidente. Garci también demuestra que es un magnífico director de actores. La escena de la conversación a solas entre ambos es altamente representativa.

Landa, un Landa sufridor y agobiado por todos, representa como nadie el prototipo de de español medio. Preocupado por su oficio, enamorado de su mujer, y deseoso de de ocupar su poco tiempo de ocio (deporte y amigos). No es el Landa sublime de “El crack” (irrepetible), pero hace una interpretación valiosísima y demuestra que con Garci forma un tándem de muchos kilates.
Especial mención merece también María Casanova, actriz fetiche de Jose Luis Garci, tan dulce y cariñosa, que se erige en una suerte de Olivia de Havilland española, menos glamourosa y más terrenal, siempre con una sonrisa.

Una buena oportunidad para contemplar tranquilamente la vida familiar allá por finales de los 70, lo que nos sigue uniendo y lo que nos separa. Emotiva, en todo caso, como el cine de Garci.

El comienzo de “Sherlock Holmes” es toda una declaración de intenciones: sin tiempo ni para los titulos de crédito, Ritchie se lanza a su particular salto al vacío: un virtuoso, excéntrico y chulo Robert Downey Jr. analiza, escudriña y redacta mentalmente un plan de ataque en pocos segundos, para ejecutarlo tal y como lo ideó. El Holmes del siglo XXI sigue siendo un genio de la lógica, pero su repertorio ofensivo se ha ampliado sutilmente: no sólo pelea a puño limpio contra todo tipo de rivales, sino que además disfruta con ello.

Todos sabemos que Robert Downey Jr. es un gran actor (¿quien no se acuerda de “Chaplin”?), aunque a veces se extralimite demasiado, pero la sorpresa en forma de reafirmación, la protagoniza Jude Law, un Watson elegante, guapo, alto y ángel de la guarda (también sabe pegar), que forma una pareja donde la química (tanto dentro como fuera de la pantalla, a las ruedas de prensa me remito) es evidente, y constituye, sin lugar a dudas, uno de los pilares del éxito de de este film sin complejos.

El espectáculo esta garantizado de principio a fin. Acción a raudales, pistas inverosímiles imposibles de seguir, un acertado humor de sosa cáustica que viene muy bien para afianzar la relación entre los dos colegas, un malo malísimo que está de nota, intrigante e inquietante, al que incluso Holmes parece sucumbir por momentos ( “la muerte no es sino el principio”, fenomenal Mark Strong, ¡cómo se parece a Andy García!, ) y, cómo no, la chica, Rachel McAadams, bella y astuta, auténticamente felina, con una particular relación de más amor que odio entre ella y su camarada Sherlock.
Todo ello, aderezado por el estilo Ritchie (al parecer le ha sentado bien, profesionalmente, la separación de Madonna), un montaje vertiginosamente dinámico, más una magnifica ambientación londinense victoriana, una excelente banda sonora a cargo de Hans Zimmer que da mucho juego y unos ágiles diálogos, aunque tan rápidos que no da tiempo a digerirlos.

Después de verla, he tenido que obviar algunas críticas de medios, y los prejuicios con que uno pueda ir al cine se revierten. Si bien queda claro que Sherlock Holmes no es un cine de arte y ensayo, sí es puro espectáculo. En este terreno sobresale.
Es más fácil criticar y atacar a este Sherlock Holmes que alabarlo. Por mi parte, creo que el precio de la entrada está bien amortizado.

Una nueva versión alegre, divertida, innovadora y terriblemente entretenida. Consigue revitalizar la figura del famoso detective, dándole un toque moderno, usando las nuevas tecnologías al servicio de la historia, como soporte, no como fin en si mismo.
Una recomendación pre-visualizacion: olvídense de estereotipos como un larguirucho Holmes con lupa, un orondo Watson y otros prejuicios del pasado. Se trata de una versión más o menos libre, actualizada, que pretende llegar a la mayor cantidad de público posible, al tiempo que acerca este personaje a las nuevas generaciones.
Los tiempos cambian. El cine también.

Centrada en el mundo de la medicina, es una reflexión sobre la profesión de médico.
Stanley Kramer, uno de los primeros productores independientes, autor de obras tan conocidas como “Adivina quien viene esta noche” o “El ídolo de barro”, afronta aquí su opera prima. Para ello se rodea de un elenco de actores fabuloso: Mitchum (el protagonista), Sinatra (el amigo leal), Havilland (la dulce esposa), Grahame (la tentación) y Lon Chaney Jr (el padre borracho).
La película abarca varios años, desde que estudian en la Universidad. Se echa en falta una mayor caracterización en los años jóvenes (no la hay), pues resultan mayores para ser alumnos de una Facultad.

Contiene numerosas escenas quirúrgicas (magníficas), novedosas en su época, tales como la extracción de un clip, operación a corazón abierto, etc, que son tratadas con exquisito buen gusto, nunca desagradables, muy creíbles y profesionales, manteniendo la emoción y el tempo cinematográfico. Pero no es, ni mucho menos, un curso de medicina.

Mitchum y Sinatra son dos estudiantes de Medicina. El primero sólo vive para ser médico, aunque lo pasa mal por la falta de recursos económicos. Sinatra es el amigo simpático que aspira a ser médico (comprando apuntes), pero también a hacer fortuna.
Olivia de Havilland es una dulce enfermera (¿hay una actriz más dulce que Olivia de Havilland en la Historia del cine?), rubísima, que ha logrado reunir unos ahorros. A mitad del film conoceremos a la sensual Gloria Grahame (siempre espléndida), bebedora, fumadora, amazona; el lado opuesto a la exquisita Olivia.

Con este reparto, una trama bien hilvanada, y con una gran cantidad de momentos de alta tensión, este largometraje no podía ser sino muy notable. De factura intachable, interesará especialmente a los profesionales de la medicina, si bien gustará a todos.
Muy recomendable.