Entretenida comedia de época sobre el conocido tema de La cenicienta. Espectáculo realizado para lucimiento de su actriz protagonista, Drew Barrymore que se mueve como pez en el agua vestida de época y le da naturalidad a su personaje. Tampoco falta la madrastra, el príncipe azul y Leonardo Da Vinci, que le da el punto histórico a una historia un poco cursi, pero bastante entretenida cuyo máximo secreto se encuentra en la maravillosa recreación de la época. Recomendable para los pequeños, que disfrutaran como nunca de una historia llena de valores y también para los grandes, que pasarán un rato de lo más entretenido con esta película. Y es que los grandes clásicos (como la cenicienta) nunca pasarán de moda y por eso se da el esperado éxito de esta agradable comedia romántica.

Este cortejo fúnebre de rosas es una de las historias más crueles rodadas, una reflexión sobre el abandono y la soledad de la condición humana, llevada hasta unos extremos difíciles de ver en una película en la actualidad. Por lo que sorprende, además de por su maravillosa fotografía en blanco y negro, es por su novedad, una forma de hacer cine radical con un montaje repleto de flashbacks, en el que los propios actores son entrevistados y con un uso de la cámara que depende del tipo de intensidad de escena se hace más rápido o más lento. El final, que el director representa poco a poco a lo largo de todo el metraje, acaba totalmente de una forma devastadora, es una representación de la filosofía de Freud que deja asombrosado por la veracidad de la historia.

Una historia de celos, sangre, odio y amores imposibles. Otro acierto es la veracidad de todos los personajes, no parecen actuar, son así e incluso los actores se sienten identificados con los personajes que interpretan.

El poder corrosivo del amor en unos personajes travestidos, con sus máscaras debajo de otras máscaras, que esconden su verdadera forma, sus deseos repremidos y sus traumas del pasado.

Un exorcismo del alma humana, un letargo que presenta una realidad pulp a finales de los setenta y cuya trascendencia llega hasta nuestros días.

No extraña que realizadores tan célebres como Kubrick o Tarantino se hayan inspirado en esta película a la hora de rodar algunas de sus más conocidas escenas.

Una de mis películas preferidas, pieza de culto y una obra del psiconalisis y del cine social que no deja indiferente a nadie.

La vida de un grupo de arroceras es el punto de partida de esta emblemática película neorrealista. El duro trabajo en el río es desempeñado sólo por mujeres entre las que se encuentran las protagonistas de este drama rural: Silvana, una atractiva ingenua joven soñadora, y Francesca, otra hermosa joven que huye de los problemas y del delincuente que tiene por novio. A partir de esto, las tensiones que se viven durante los cuarenta días que dura la cosecha hacen tambalear la relación de las chicas que se encuentran con las complicaciones de la vida en el campo y también con la miseria general de la época.

Silvana embutida en sus medias rotas negras en el agua sin duda se ha convertido en una de las imágenes más recordadas del cine italiano al igual que su sensual forma de bailar (espectacular e inolvidable Silvana Mangano).

Durante la cinta se mantiene el interés por los distintas intrigas que van apareciendo. La violencia alcanza gran expresionismo en algunas secuencias, la tensión psicológica entre las dos mujeres va in crescendo, a esto se añade la intriga de un policiaco desde el comienzo y la tensión sexual desbordante que bebe directamente del mejor Buñuel (la escena en el que la protagonista es atacada con un palo es inolvidable) a la vez que se denuncia, las condiciones de trabajo en general, y las de las mujeres en especial , ya que muchas son cosechadoras sin contrato que han de ganarse el sueldo a base de mayor esfuerzo. El espectador acude como un temporero ante la sucesión de los acontecimientos.

Tanto esfuerzo, para el final, conseguir unos kilos de arroz con el que poder sobrevivir hasta el siguiente año de cosecha. Y todo al servicio de la reflexión sobre el humano, de sus sueños y ambiciones, en una época en la que llenar el estómago para muchos era lo más importante.

Tengo que reconocer que no esperaba mucho de esta nueva película de Todd Solondz. Había visto la notable y muy conseguida "Welcome to the dollhouse" y la más mediocre, desde mi punto de vista, "Happiness". Para mi "Palíndromos" no se parece en nada al resto del cine de Solondz. No he visto una película parecida a esta. No cae en la facilidad de crear un ambiente de pretensión ni dramatismo a la hora de abordar un tema tan tabú como el aborto. El director no pretende dar lecciones de moralidad y para ello cuenta la historia como nunca antes se había contado. Muta a su niña, Aviva Victor, obligada a abortar siendo una adolescente para que recorra un camino desesperado en busca de su bebé. Su viaje al interior del mundo la lleva a tomar el aspecto de ocho niñas que con sus miradas explican todo lo que supone el reto de un embarazo para cualquier mujer. Ironiza sobre las religiones con la casa de la familia Sunshine y no tiene piedad a la hora de abordar un final atípico en el que no concluye nada solo deja una brillante pista sobre todo el mensaje que transmite la película. Una de las mejores películas que he visto nunca con una melodía que haría ablandar el corazón a cualquiera. Palíndromos es tristemente una película incomprendida por la gran mayoría, única, brillante, magistral y rara. La muerte de Dawn al principio (su entierro) solo es un nexo que encierra buena parte de la metáfora de la película. No es una película sobre pedófilos, es un ensayo sobre el ser humano, sobre la sociedad y sobre la doble moral que existe en el mundo contemporáneo. Recomendada para quien quiera ver algo atípico, real y estimulante. Incomprensible la escasa distribución que ha tenido en España.

La británica mirada de Ken Russell se cierne sobre la sociedad americana y su palpitante moral de todo a cien. Russell analiza las disfunciones del american way of life como años más tarde haría de manera más sútil y elegante Stanley Kubrick en su obra póstuma.

"China blue", despreciada por la crítica, es un objeto de culto, de serie b, que reúne una interesante mirada acerca del lado salvaje del americano medio. Una modélica mujer metida a puta, un hombre que no folla, con una mujer descontenta y en mitad de la función un reverendo "salvador" y depravado interpretado por Anthony Perkins en su enésima parodia de Norman Bates.

Estos personajes se mueven entra la claridad de su día a día y el atrayente y sugestivo mundo que representa China Blue. Un palacete de relax, de mentira, de colores chillones en mitad de oscuros callejones.

Ken Russell siempre ha hecho lo que le ha dado la gana sin interesarse por el éxito masivo ( algunos de sus trabajos tienen nula o escasa distribución) En los 90 realizó otra mirada acerca de la prostitución, "Puta", de una manera más seria, menos personal, pero totalmente fascinante. Su etapa setentera y ochentera no tiene pérdida: personajes atormentados, extremos, parodias desenfrenadas de la serie b, revisiones de clásicos literarios y musicales, en definitiva, reinvenciones de un imaginario inglés que palpita bajo cada una de sus obras.