A lo largo de su vida, Lucio Fulci hizo un montón de películas exploit con cuatro euros y mucho morro, aprovechando corrientes y tendencias para conseguir una audiencia que se quedaba encandilada con los golpes de efecto, las bestialidades surrealistas y gore del inefable director. Pues bien, de toda todita toda la filmografía de Lucio Fulci, "Aquella casa al lado del cementerio" es la más redonda y digestiva cinematográficamente hablando, es decir, es la menos incongruente, la menos oportunista, la menos gratuita, la que menos vergüenza ajena da, la menos incoherente y la más potable en general. Ni siquiera "El más allá", considerada la mejor película de Fulci, posee la mesura y la armonía de nuestra querida villa acanto del cementerio. Pero tampoco nos hagamos ilusiones, que los guiones de nuestro Fulci son a prueba de bomba y en esta ocasión tampoco faltan los momentos confusos, las contradicciones manifiestas, las preguntas no resueltas ni la espectacularidad de las escenas grotescas en perjuicio del hilo argumental.
Aunque el argumento de la película posee un deje Lovecraftiano (procedente de su antecesora "Miedo en la ciudad de los muertos vivientes"), el film puede clasificarse en la división de fantasmas y casas encantadas, siendo su mayor influencia "El resplandor" de Stanley Kubrik, (que la peli de Fulci aprovecha el tirón y canta una barbaridad a truco propagandístico). En ambos casos, el protagonista principal del film es un bien inmueble (un hotel en la peli de Kubric y una mansión de Nueva Inglaterra en la de Fulci), además de contar con un niño que tiene superpoderes y telepatía mutante, una madre sobreprotectora y gritona y un padre ambiguo y obsesionado con su trabajo. Pero como es habitual en las películas de Fulci, las semejanzas son aparentes y están encaminadas a llamar la atención de un público ignorante e ingenuo, ya que el cogollo del asunto es completamente diferente. Si "El resplandor" de Kubrik es una película de fantasmas fría y etérea, la historia de miedo de Fulci es visceral y caliente, fiel a su espíritu latino, con unos fantasmas de carne y hueso que son proclives al gore sin pudor y desenfrenado. No obstante, Lucio Fulci pisa el freno en cuanto a la casquería fina para darle protagonismo a la atmósfera siniestra y opresiva de la casa y su circunstancia, primando el ambiente angustioso y tétrico a lo meramente físico y salpicante (aunque de eso también hay). Por ello, asesinatos hay pocos, pero están bien repartidos al principio, en medio y al final del film, siendo cada uno de ellos una orgía de sangre y mal gusto, pero sin perjudicar ni menospreciar el hilo argumental ni la línea artística oscura y tenebrosa.
El trío protagonista de la película, formado por Paolo Malco, Katherine McColl y el niño cabezón, gira en torno a la casa de los fiambres, y cada uno de ellos reaccionará de manera diferente, según su idiosincrasia. El profesor Boyle afrontará los misterios de la casa con curiosidad e incluso obsesión, comportándose de manera sospechosa y ambigua y generando un montón de preguntas (que por supuesto Fulci no contestará); Su santa esposa, interpretada magistralmente por Katherine McColl, tiene más miedo que un perrito chico, pero eso no le impide ser una madre leona que por su niño es capaz de todo. A esta pobre mujer la casa la aterra y lo único que quiere es salir pitando, pero como el marido es un pesado, le toca hacer de tripas corazón; y después está el niño repelente, con más gachas que el puchero de mi abuela y con una tontería encima que no se puede aguantar. Al principio el niño pasará bastante del tema de la casa, y eso que el chavea ve espíritus que le advierten que la casa es un peligro, pero como el niño tiene sus juguetes, como que le da más o menos igual. Pero claro, cuando empieza a ver a los primeros muertos y el malo de la película le enseña el cuchillo, ni juguetes ni hostias, el niño corre más que Speedy González.
Pero hablar de la casa es hablar de su sótano, y hablar de su sótano es hablar del emérito Dr. Freudstein, un médico del siglo XIX que como hacía un frío que pelaba el día que murió, lo enterraron en el salón de su casa debajo de la alfombra.
Como ya dije en un principio, aunque la película se caracteriza por su atmósfera lúgubre y acojonante, lo que más nos divierte son las escenas de hachazos y destetes, propias del exploit italiano, y de eso la película también tiene. Sin ir más lejos, "Aquella casa al lado del cementerio" tiene el record guiness de mostrar unas tetas lo más pronto posible, concretamente a los 40 segundos de empezar el film. Por otro lado, los asesinatos son los más sádicos del mundo, llegando incluso al surrealismo hilarante, como la famosa escena de la escalera, con una violencia propia del coyote y el correcaminos de lo exagerada e hiperbólica que es. No te la tomas en serio pero te descojonas de risa.
Pero uno de los pilares que sustentan la película es su maravillosa banda sonora, compuesta por Walter Rizzati, habitual de las películas de Fulci y que el tío es un fenómeno en esto de la filarmónica. El tema central del film es una magnífica composición gótica mitad clavicordio mitad organillo que te pone los pelos de punta, y el resto de temas crean el ambiente preciso para inquietarte un poquito bastante.
En fin, "Aquella casa al lado del cementerio" es una gran clásico del terror exploit y la culminación de la creatividad artística de Lucio Fulci. Si el médico te ha recomendado que veas sólo una película de Fulci, que sea ésta.

Discutir sobre la calidad intrínseca de las películas de parodias es una tarea ociosa y un debate bizantino, porque todas estas películas están cortadas por el mismo patrón y comparten los mismos defectos (que no son pocos) y virtudes (que algunas tendrán). Por ello, ni el espectador ni el crítico gafapastas pueden sorprenderse ni rasgarse las vestiduras ante subproductos de esta naturaleza, porque el que avisa no es traidor y desde el principio queda claro la clase de película por la que estás pagando una entrada.
"Spanish Movie", fiel a las películas de parodias norteamericanas, está plagado de exageraciones redundantes, bromas escatológicas, mucha sal gorda, obscenidades varias, bastante sexo implícito, escaso ingenio, mucho gamberrismo y multitud de chistes y gags que no tienen ni puñetera gracia. Pero eso es algo que resulta obvio, ya que la campaña promocional del film estaba encaminada a llamar la atención del público hispano que devora con delectación las spoof movies norteamericanas (que no son pocos y además proceden de todas las capas sociales e intelectuales del país). Por todo ello, que nadie se haga el sorprendido, que sabías a lo que venías, pájaro.
Pero primero, pongámonos en situación. Aunque los productores han intentado vendernos la moto con que "Spanish Movie" es la primera película paródica española del estilo de "Aterriza como puedas" de Jim Abrahams y los hermanos Zucker, la verdad es que el mérito de ser la primera se lo lleva otra peli, "Vivancos 3" (Albert Saguer, 2002) protagonizada por el Gran Wyoming, y que en su día recibió palos hasta en el carnet de identidad, que al público solo le faltó ir a la casa del director y pegarle con la babucha en la cara. No obstante, aquí es donde se puede ver la importancia suprema de las campañas de promoción, porque "Spanish movie" sin ser mucho mejor que "Vivancos 3", ha recibido una respuesta en taquilla muy buena, gracias a la participación mediática de un montón de caras conocidas del cine y la televisión, que promocionaron la película hasta en la carta de ajuste. También es cierto, tal como apuntaba Joaquín Reyes en una entrevista, que España actualmente está produciendo mucho cine de género y este tipo de largometrajes son los más propicios a ser parodiados. En fin, sea como fuere, aquí queda mi reconocimiento a esa película de culto infravalorada llamada "Vivancos 3" que nada tiene que envidiar a "Spanish Movie" porque las dos cojean del mismo pie.
Entrando ya en harina, los gags de "Spanish movie" son poco ingeniosos y apenas son satíricos ni paródicos (lo cual es pecado venial en una spoof movie) y se recrean en una sucesión de momentos llenos de obviedades hiperbólicas y bestialidades gamberras con escasa gracia y totalmente predecibles. Algunos críticos han afirmado que "Spanish Movie" es una mordaz crítica del panorama cinematográfico actual español, a lo cual yo digo que un mojón como una catedral: lo que hay son algunas referencias al universo iconográfico de Pedro Almodóvar y va que chuta. La película toma como hilo argumental la trama de dos películas exitosas, "Los otros" de Amenábar y "El orfanato" de Bayona, y no por casualidad, porque ambas se parecen como dos niños mellizos después de la primera comunión. Desgraciadamente, en un lamentable juego de "buen rollito" para con los directores, las críticas a ambas películas no son ni mordaces ni puñeteras ni cabronas, todo queda muy light y muy de colegas de tapas y así no se puede.
No obstante, a pesar que la película es malilla tirando a chorra, también tiene sus cosillas buenas y uno no se aburre viéndola. El humor que destila el film procede totalmente del actual contexto televisivo catalano-manchego encabezado por programas como "Muchachada Nui" o grupos como El Terrat, que con ingenio e imaginación han roto el monopolio del humor andaluz plan "Los Morancos". Otro elemento fundamental que salva a la película de la quema es su trío protagonista, Silvia Abril, Alexandra Jiménez y Carlos Areces, que llevan ellos solitos el peso de la película y que están fenomenales (teniendo en cuenta la papeleta que les ha tocado). La interpretación de Silvia Abril como la estirada y calentorra dama victoriana es genial y Carlos Areces, fiel a sus raíces chanantes, también destaca en su polémica reinterpretación de "Mar adentro". Pero mi corazón es para Alexandra Jiménez, que me ha encandilado completamente y se me cae la baba sin objetividad alguna. Además, la escena en la que está disfrazada de enfermera la tengo grabada fotográficamente en mi memoria. Por otro lado, a lo largo del film hay algunos momentos muy divertidos, como el de la "linterna" de Joselito, la pelea entre Ramira y su marido borracho o la aparición de Alatriste, pero ya te digo, lo que abundan son los gags sin gracia ni salero.
Y esto es todo. Lo mejor de "Spanish Movie" es que se define a si misma a la perfección, así que después que no me venga la gente llorando que la han estafado. Más claro agua.

Uno no le pide mucho a la vida, o por lo menos, que no le tomen el pelo más de lo suficiente. Ya sé que la vida está muy mala y hay que buscarse las lentejas de cualquier forma, pero perpetrar una película de esta catadura no tiene perdón de dios (expresión muy propia).
Ya sé que las pelis de exorcismos son "sota, caballo y rey", es decir, ya sabes lo que te vas a encontrar, pero uno al menos desea que la historia te la cuenten con un mínimo de originalidad, frescura, salero o perspectiva. Ya sabemos QUÉ nos van a contar, pero al menos esperamos que el CÓMO esté bien.
Nada de eso encontramos en "the Vatican Tapes". Aunque la idea original puede tener su interés (un departamento dentro del Vaticano dedicado a prevenir la aparición del anti-cristo) el desarrollo y la puesta en escena es lamentable, propio de un telefilm de sobremesa para coger a gusto la siesta.
Se salvan de la quema algunos momentos del film, como el del policía y las bombillas (donde sale mi adorado Michael Paré, héroe cutre-max de los años 80 y 90 de las películas de acción del videoclub, que repartía hostias como panes y se ponía pantalones vaqueros una talla menos para marcar huevera). Algún efecto especial está bien planteado y la traca final no está mal. También se plantea una mini-cuestión moral en menos de 30 segundos que está, supongo, para quedar bien ante la crítica "gafapastoide". Pero volvemos a lo mismo: esos pequeños detalles prometedores no justifican una película llena de tópicos, aburrimiento, estereotipos y momentos vistos un millón de veces.
Hemos picado y volveremos a picar, porque la palabra "exorcismo" vende. Pero que no me esperen para ver un "Exorcismo en el Vaticano II".
Por cierto, lo de los huevos es para partirse de risa.

Pocos géneros como la ciencia-ficción te permiten realizar análisis críticos de la actualidad y de la naturaleza humana tan guapamente con el suficiente distanciamiento como para ser salvajemente mordaces y directos y además son lo suficientemente entretenidos como para que la gente no se aburra con tanta moralina. Pues bien, "A ciegas" entra dentro de este tipo de películas, donde el mensaje existencialista y el trasfondo filosófico-humanista es más importante que la forma post-apocalíptica de infectados zomboides metafóricos. Por algo la película adapta una obra del premio nóbel portugués José Saramago (1922-2010), un gran escritor que se dedicó toda su vida a analizar y cuestionar la realidad de manera combativa y concienciada a través de un estilo narrativo tan fascinante y creativo como el realismo mágico. Por todo esto, si estás buscando una película tradicional de ciencia-ficción apocalíptica con sus preguntas y respuestas, mejor no veas "A ciegas", porque el cogollo del film es la interacción de los personajes, con sus dramas y sus miserias, siendo los elementos fantasticos meros instrumentos para el análisis y la disección de la naturaleza humana bajo condiciones extremas.
Pero tampoco te asustes, que parece que para ver la película hay que hacer un comentario de texto. Fernando Meirelles crea una obra donde el tema principal es la supervivencia del individuo como ser social bajo condiciones infrahumanas, plasmando de manera realista una atmósfera miserable e insalubre, propia de campos de exterminio, donde la ley del más fuerte acaba imponiéndose de manera irremediable. Los personajes de la película se verán obligados a realizar actos impensables en condiciones normales, como mendigar o prostituirse por comida, vivir con basura y mierda hasta el cuello e incluso pensar en el asesinato como acto de venganza y de supervivencia. Las condiciones materiales acaban imponiéndose al individuo y el fino barniz de civilización se desgasta ante situaciones concretas (en este caso, la reclusión arbitraria de unos enfermos), y cuando la civilización desaparece, lo único que queda es la naturaleza humana, en toda su gloria y en toda su podredumbre. Y mientras algunos intentan construir una comunidad igualitaria a través de la solidaridad y la compasión, otros (cabrones) se convierten en parásitos repugnantes que pretenden vivir a cuerpo de rey explotando a los más débiles. De todas formas, esto mismo ocurre en la actualidad en todo el mundo, sin necesidad de que la gente se vuelva miope perdida y muchos de nosotros somos ciegos ante estas atrocidades. Meirelles logra reproducir en imágenes esa sordidez física y espiritual que domina las relaciones humanas, aunque también pone de manifiesto la bondad y la generosidad del ser humano, que cuanto más jodido estamos, más valoramos lo que realmente importa (por ejemplo, el marido de Julianne Moore le pone los cuernos y ella se lo perdona porque comprende que el casquete ha sido un desahogo pasajero).
Y hablando de mi Julianne, la muchacha hace una interpretación soberbia llena de ternura, fuerza e incluso visceralidad (que si le tiene que cortar el cuello a un bastardo, se lo corta y punto). Las características principales de su personaje son el coraje, la generosidad y, sobre todo, el amor. Por amor a su marido fingirá la ceguera y se dejará encerrar con él. Y por amor a su nueva comunidad, pasará por un calvario para sustentar a sus compañeros. No obstante, su personaje sufre una metamorfosis cuando comprende que por mucho que se esfuerce no puede salvar a todo el mundo y a partir de aquí centra su amor en su nueva familia, un grupo reducido de seres queridos cuyos únicos lazos de unión son las penurias que han pasado juntos.
Mención especial merece la fotografía del film, muy luminosa y deslumbrante, con muchas imágenes quemadas, para simular la ceguera especial que invade a los personajes.
Resumiendo, "A ciegas" es una película para disfrutar y para reflexionar, que te sobrecogerá y removerá cosas en tu interior.

"Ríe y el mundo reirá contigo. Llora, y llorarás solo". No, no es el mensaje de una galleta de la fortuna del restaurante chino de la esquina, sino el tema central de la película en cuestión, un mensaje muy recomendable que promueve el optimismo como filosofía vital pero que casi nadie hace caso, ya que vivimos agobiados con tanta paja mental que nos atormenta cotidianamente. Por ejemplo, si todos los personajes de la película hubieran seguido este proverbio, la de sufrimiento y golpes que se hubieran ahorrado los insensatos, pero nada, como el ser humano es imbécil no aprendemos en cabeza ajena y así nos va. Porque desgraciadamente los sentimientos negativos son más fuertes y escandalosos que los positivos, y a menudo nos dejamos arrastrar por ellos en una orgía de desenfreno, destrucción y mal rollo, y esto es lo que les pasa a la pareja protagonista del film, que tanto ojo por ojo y al final, todos ciegos (o mudos, mejor dicho)
"Old Boy" es una maravilla de película, tanto por sus escenas de acción trepidantes, como por su trama enrevesada y apasionante llena de sorpresas y giros de guión, por su filosofía nihilista y confucionista a partes iguales y por su soberbio desarrollo de los personajes. Park Chan-wook ha realizado una película magníficamente trágica donde nada falta y nada sobra, donde los excesos brutales y el estatismo minimalista están justificados, ya que definen la complejidad de los personajes y su intrincada y enfermiza relación. La venganza, el castigo, el amor perdido y el amor recuperado son los cuatro pilares que sustentan esta película y sobre ellos se asientan las motivaciones de los protagonistas.
La venganza es un impulso inhumano y monstruoso que es capaz de otorgarnos una fuerza ilimitada y una determinación obsesiva, pero sólo promueve los instintos más bajos y por ello a la larga es capaz de destruirnos. Cuando Oh Dae-su es liberado, en lugar de buscar a su hija y rehacer su vida con sus seres queridos, le da prioridad a su deseo de venganza, lo que marcará trágicamente su vida.
El castigo es una satisfacción mezquina y vacía que cuando se lleva a cabo lo único que deja tras de sí es un sentimiento de inutilidad y de angustia, y el único camino tras infringir castigo es castigarse a sí mismo. Cuando Oh Dae-su castiga a sus enemigos, en realidad se está dañando a sí mismo sin saberlo, ya que cada martillazo le aleja de su verdadero objetivo: obtener la paz de espíritu y recuperar el amor perdido. Porque el amor es, en última instancia, por lo que vive y sufre el ser humano, y los personajes de la trama girarán en torno a él desesperadamente en un intento de recuperarlo, no obstante, los muy infelices lo intentan por el camino equivocado, ya que alimentan ese amor perdido con mucho odio y resquemor, aferrándose a lo que fue en lugar de a lo que es.
¡Pero basta ya de filosofía! "Old boy" es, ante todo, una increíble película de acción hiperbólica directamente sacada del manga al que adapta, con infinidad de golpes, cortes, laceraciones y contusiones llenas de sangre y moratones. De entre todas las escenas de acción destaca la del pasillo, un impactante plano secuencia en el que Oh Dae-su se enfrenta a una docena de matones a martillazo limpio y que es una maravilla rítmica de coreografía. Pero claro, reducir "Old Boy" simplemente como una película de acción es como tener un tío en Graná, que ni tiene tío ni tiene na, y es obviar mucho de los matices del film que le dan sustancia.
En cuanto a los personajes, la trama gira en torno a tres de ellos: Oh Dae-su, Mido y el malo de la peli (que no digo quién es para no chafar la sorpresa). Oh Dae-su es una fuerza primigenia de belloterismo y cuyo motor es su obsesión por vengarse. Pero ante todo es un gigante con pies de barro, lleno de debilidades y flaquezas. Su gran error es ignorar el amor que aún tiene en su interior aunque al final lo descubrirá por las malas, pasando de verdugo a víctima (y de víctima a verdugo). Mido es una monería de muchacha que está destinada a cruzarse en el camino de Oh Dae-su para demostrarle que todavía es un ser humano con sus deseos y necesidades fornicables. Mido se convertirá en el pequeño oasis de humanidad de Oh Dae-su entre martillo y martillo y también su mayor debilidad. Y por último está el malo de la película, que hace lo que hace movido también por un deseo de venganza insano. Si el espectador justifica los actos de venganza de Oh Dae-su, también debería justificar las acciones del malo.
Resumiendo: si quieres ver una película diferente, llena de acción y de mensaje metafísico, no te pierdas "Old Boy". Y si le has cogido gustillo al bricolaje, también puedes ver otras películas de Park Chan-wook como "Sympathy for Mr. Vengeance" y "Sympathy for Ms. Vengeance", que por lo visto las tres forman una trilogía oficiosa cuyo tema central es la venganza.