La compañía francesa Ubisoft lanzó en el 2007 el videojuego 'Assassin's Creed', el cual se convirtió rápidamente en uno de los más vendidos de aquel año. La monotonía de las misiones provocó que el juego acabase resultando algo repetitivo, pero el envidiable aspecto técnico del que hacía gala cautivó a muchos jugadores. En el 2009 se lanzó una segunda parte mucho más pulida y que, esta vez sí, recibió la aprobación de crítica y público, siendo uno de los títulos más queridos de la pasada generación. Dadas sus millonarias ventas, Ubisoft ha explotado la saga desde entonces con una entrega anual, lo que ha acabado perjudicando tanto a la calidad como a las ventas de la franquicia. Es por ello que el año pasado la compañía decidió darle un respiro y anunció que no lanzarían un nuevo título hasta el 2017. Sin embargo, no iban a dejar escapar la oportunidad de seguir exprimiendo su particular gallina de los huevos de oro, anunciando la producción de una película basada en la saga.

En los videojuegos nos ponemos en la piel de distintos protagonistas, los cuales acceden a los recuerdos de sus antepasados y reviven sus aventuras gracias al Animus, una tecnología revolucionaria. Los personajes que encarnamos pertenecen al credo de los Assassins, encargados de enfrentarse a los Templarios en distintos períodos históricos, tales como las cruzadas o la Revolución Francesa. Semejante argumento tenía mucho potencial para ser adaptado a la gran pantalla: una lucha de asesinos contra templarios y una mezcla entre realidad y una atractiva época histórica. Desgraciadamente, las películas basadas en videojuegos tenían unos antecedentes que no hacían presagiar nada bueno, siendo 'Silent Hill' el único caso de una adaptación fidedigna con un resultado aceptable. Sin embargo, el proyecto cobró adeptos con el anuncio de que Michael Fassbender iba a ser el protagonista principal. Él ha sido desde el primer momento el gran impulsor de la película, ejerciendo también de productor y trayendo a Justin Kurzel de director, con el que ya había coincidido en 'Macbeth'. A Fassbender le acompaña un reparto de alto calibre: Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling y Brendan Gleeson. Esto, unido a un presupuesto de 150 millones de dólares, convertía a la película en la destinada a poner fin a la maldición de las adaptaciones cinematográficas de videojuegos. Desgraciadamente, no ha acabado siendo así.

El argumento de los videojuegos es bastante sencillo, por eso es difícil de entender el porqué de una serie de toma de decisiones en el libreto de Adam Cooper, Bill Collage y Michael Lesslieque que hacen de la trama un batiburrillo narrativo en el que en ocasiones no se sabe muy bien qué es lo que está ocurriendo en pantalla, empañando y de qué manera el resultado final de la cinta.

Por otra parte, el período histórico en el que se sitúan los videojuegos siempre ha sido gran parte del atractivo de los mismos, ya que nos permiten vivir contextos muy diferentes y conocer a personajes ilustres de la época. En los videojuegos, casi toda la historia transcurre en dichos períodos históricos, reservándose el presente a momentos puntuales. En cambio, la historia de la película se desarrolla principalmente en el presente, algo comprensible desde el punto de vista económico, pero que le resta bastante atractivo al film.

Michael Fassbender asume de forma convincente un doble papel y hace todo lo posible por dotar de carisma y personalidad a ambos personajes. Sin embargo, todos los demás implicados parecen estar bastante perdidos en sus papeles y sus personajes resultan un tanto desdibujados e insulsos, sin que lleguen a provocarnos en ningún momento cualquier atisbo de empatía.

Donde no se le puede poner pegas a la película es en el esfuerzo que han puesto sus responsables por contentar a los fans del videojuego. Aquí encontraremos el salto de fe, la hoja oculta de los asesinos, las persecuciones haciendo uso del parkour... Numerosos guiños que los jugadores sabrán apreciar.

Otro de los aspectos que no se puede criticar es su aspecto técnico. Justin Kurzel, al igual que ya hizo en 'Macbeth', dota a la película de una enorme fuerza visual y se aprecia el empeño que se ha puesto en dotar de credibilidad a todo lo que acontece en el período histórico de la Santa Inquisición. Todo está planeado para que el clima visual sea espectacular, pero el film carece de ritmo y presenta una serie de dolencias narrativas que acaban hundiéndolo.

En definitiva, 'Assassin's Creed' puede que sea la mejor adaptación cinematográfica de un videojuego jamás realizada, pero todo el empeño puesto en trasladar el mundo de la saga a la gran pantalla resulta en vano, pues lo que nos encontramos es una cinta espectacular visualmente, pero carente de ritmo y con numerosas dolencias narrativas. Una buena adaptación, pero una mala película.

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J.A. Bayona regresa a la gran pantalla con ‘Un monstruo viene a verme’, película basada en el libro homónimo de Patrick Ness.

La idea original de la historia es de Siobhan Dowd, escritora británica fallecida en 2007 por un cáncer de mama. Antes de su muerte tenía planeado escribir una novela cuyo comienzo y personajes tenía ya ideados. Sin embargo, el proyecto quedó incompleto y fue Patrick Ness el encargado de retomarlo. Él mismo ha declarado que quería hacer algo distinto a lo que tenía en mente la autora inicial, dado que opinaba que la mejor manera de rendirle homenaje era escribir un libro que a ella le hubiese gustado y no intentar imitar lo que ella hubiese hecho. Por su parte, Jim Kay se dedicó a ilustrarlo. El libro resultó un auténtico éxito; Ness ganó el Carnegie Medal por el guión y Kay el Greenaway Medal por la ilustración, convirtiéndose así en el único libro cuyo autor e ilustrador han ganado ambos premios. Patrick Ness firma también el guión de la película, lo que ha provocado en que el film resulte muy fidedigno a la novela en la que se basa.

Por su parte, J.A. Bayona se convirtió en un director de éxito con ‘El orfanato’, su ópera prima estrenada hace nueve años, llegando a recaudar casi 80 millones de dólares a nivel mundial y alzándose con 7 Goyas, incluido el de Mejor Director Novel. Su siguiente película, ‘Lo imposible’, basada en una historia del tsunami que destrozó gran parte de la costa del sudeste asiático en 2004, le trajo el reconocimiento internacional, contando esta vez con un presupuesto abultado y actores de la talla de Naomi Watts y Ewan McGregor, y por la que ganó el Goya a Mejor Director. Con este recorrido y palmarés detrás, es lógico que se tuviesen muchas expectativas en el siguiente trabajo de Bayona, actualmente enfrascado en la preproducción de ‘Jurassic World II’, y creo que se puede afirmar que no ha defraudado en absoluto.

La trama gira en torno a Connor, un chico de doce años que sufre acoso escolar y cuya madre padece cáncer. Una noche, Connor se despierta apenas pasadas las doce y vislumbra, a través de la ventana de su habitación, que un viejo árbol situado frente a su casa toma vida convirtiéndose en un monstruo. Pero el monstruo no resulta como esperaba y quiere algo de él: la verdad.

Difícil dar con un director más adecuado que Bayona para esta película que, al igual que el libro, contiene una alta carga emotiva, ya que ha demostrado en sus anteriores cintas que es capaz de jugar con dicho elemento como pocos directores actuales. Precisamente, la crítica que más se ha escuchado hacia el film radica en el “bullying” emocional que supone verlo. Sin embargo, considero que esta vez el motivo de la crítica es infundado, pues dicha carga emocional es necesaria teniendo en cuenta lo que está tratando (el cáncer de una madre, el abandono de un padre, el acoso escolar, el uso de la imaginación para escapar de todo ello…) y teniendo en cuenta el punto de vista de quien lo está sufriendo.

Uno de los aspectos a destacar es la impecable factura técnica del film; todo está muy cuidado y, según veía las escenas, no podía evitar pensar que todo era exactamente como me lo había imaginado al leer el libro. Otro de los aciertos es la magnífica forma en la que están narradas las historias que le cuenta al monstruo a Connor, siendo éstas una de mis partes favoritas de la película. A esto se suma una lograda labor actoral por parte de todos los implicados, destacando a una Sigourney Weaver que se come la pantalla cada vez que aparece en ella.

Ya he citado anteriormente que la película apenas se diferencia de la novela, si bien existen ciertos detalles que se han eliminado o añadido. Un elemento del libro que no se encuentra en la película es el personaje de Lily , lo cual no me supone ningún problema puesto que su aportación a la trama era prácticamente nula. Sin embargo, se añade una escena que no aparece en las páginas de la obra de Patrick Ness y que es precisamente la escena final de la película. No solo considero que se la podían haber ahorrado, sino que además le niega a la película el soberbio final que hubiese tenido de haber finalizado igual que el libro.

Cabe señalar que la película ha resultado un éxito en taquilla, convirtiéndose en el mejor estreno español del año y en el noveno mejor estreno de la historia del cine español.

En definitiva, ‘Un monstruo viene a verme’ es una buena película que cuenta con una historia preciosa y que no esconde en ningún momento su objetivo de que el espectador conecte con la parte emocional de la trama. Gustará a quienes ya hayan disfrutado con la novela o con las anteriores películas de su director.

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27 años después (ay, la ironía) de la miniserie de televisión, llega a las pantallas esta nueva adaptación de la novela homónima de Stephen King.

En un principio, el proyecto recibió críticas por parte del público por considerarse que el formato cinematográfico no era el ideal para plasmar todos los eventos que suceden en el libro y que hubiese sido preferible optar por una miniserie. La dimisión de Cary Fukunaga, en pleno auge tras su labor en ‘True Detective’, por diferencias creativas con el estudio tampoco ayudó a pensar que Warner fuese a ser capaz de sacar adelante la película. A pesar de estas dificultades iniciales, la cinta ha obtenido grandes críticas desde su estreno y ha sido un auténtico éxito en taquilla, convirtiéndose en el mejor debut histórico durante el mes de septiembre en Estados Unidos, lo que ha llevado al estudio a anunciar que ya está en preparación su secuela, con vistas a su estreno en 2019.

La película cuenta con dos partes muy diferenciadas entre sí.
Por un lado, la cinta muestra el día a día de la entrañable pandilla de amigos que es El Club de los Perdedores en el pequeño pueblo de Derry, la amistad que surge entre ellos y los diferentes obstáculos a los que han de enfrentarse, tales como matones en el instituto, padres abusivos o el descubrimiento del primer amor. En este aspecto la película es intachable, plasmando perfectamente la vida y los pormenores de este grupo de amigos con una recreación soberbia el estilo de vida de finales de los ochenta. Es aquí, cuando la película resulta más entrañable y emotiva, donde tiene más fuerza, siendo una especie de versión más oscura y adulta de ‘Cuenta Conmigo‘.
Por otro lado está todo lo relacionado con Pennywise, una criatura con aspecto de payaso que se aparece cada veintisiete años para alimentarse de los miedos de los niños.

Como ocurre en muchas novelas de Stephen King, los monstruos son lo de menos, por muy aterradores que resulten a primera vista. El verdadero terror no se esconde en Pennywise, sino que se encuentra bajo la superficie de ese pueblo aparentemente corriente en forma de padres que sobreprotegen a sus hijos, los ignoran o abusan de ellos. Una vez más, la búsqueda del terror en algo sobrenatural carece de sentido, yaciendo éste en los miedos, miserias y atormentadas vidas de los personajes.

La labor de Andrés Muschietti detrás de las cámaras es más que digna, lo que, sumado al envidiable trabajo de Chung-hoon Chung a cargo de fotografía, hace que la película luzca de maravilla y poco se puede objetar respecto a la puesta en escena.
Sin embargo, es difícil no preguntarse cómo habría sido la versión de Cary Fukunaga. En un primer momento, el estudio aludió a cuestiones presupuestarias como elemento conflictivo, sin embargo el director ha mantenido que la razón no fue ésta, sino el hecho de que Warner buscaba darle un enfoque más comercial a la película. Fukunaga pretendía dotar a la cinta de una mayor carga de terror psicológico, mientras que Warner buscaba una aproximación al terror más directa, lo que ha dado lugar a la principal crítica que se le puede achacar a la película: el abuso del susto fácil que no añade nada a la historia. A pesar de no haber logrado estar en la silla de dirección, se han mantenido ciertas ideas suyas que han resultado ser muy efectivas, tales como el aspecto victoriano del payaso.

Por su parte, la elección de los actores no podría ser más acertada, puesto que todos están perfectos en sus papeles y aportan un gran carisma a sus personajes, logrando de este modo que nos impliquemos con ellos y lo que les sucede. Es cierto que algún personaje aparece algo desdibujado y no todos ellos tienen un desarrollo igual de trabajado, pero sí que se logra plasmar con esmero la amistad que surge entre ellos y los lazos que los unen. Mención especial merece Bill Skarsgård como el icónico Pennywise, cumpliendo con holgura tan complicado papel y sin caer en ningún momento en el ridículo.

En definitiva, ‘IT‘ es una magnífica adaptación de la novela de Stephen King, que encuentra sus puntos fuertes en la recreación de la época y el carisma de sus protagonistas, adoleciendo solo de recurrir al susto fácil con mayor frecuencia de la que hubiese sido recomendable.


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Sony Pictures anunció a finales de 2014 la producción de ‘Passengers‘, siendo Morten Tyldum el elegido por la productora para ponerse detrás de las cámaras. Meses después, a mediados de 2015, se conoció que Jennifer Lawrence y Chris Pratt serían los protagonistas de la película.

El proyecto pasó por numerosas manos antes de que Sony diese luz verde al mismo, llegando a tener en un primer momento 35 millones de dólares de presupuesto y a Reese Witherspoon y Keanu Reeves de protagonistas. Sin embargo, Sony tenía en mente una cinta más ambiciosa, para la que querían a dos de los actores más cotizados del momento al frente. Esto supuso un aumento considerable de presupuesto respecto a lo inicialmente planeado, ascendiendo el sueldo de Lawrence a 20 millones, ocho más que lo cobrado por su compañero de reparto.

La historia nos sitúa en la nave espacial Avalon, encargada de llevar en estado de hibernación a cinco mil habitantes de la Tierra al planeta Homestead II. Sin embargo, algo sale mal y dos pasajeros despiertan noventa años antes de la llegada a dicho planeta.

El principal problema de la película es que, a pesar de contar con una premisa tan potente, nunca se molesta en explotarla ni en indagar en los dilemas éticos que plantea (no desvelaré nada para no revelar el primer giro de guión, aunque no queda claro hasta qué punto es un spoiler ya que la propia productora lo desveló como parte de la sinopsis cuando anunció el proyecto). En su lugar, decide relegarlo todo al carisma de sus dos protagonistas y centrarse en la historia romántica entre ambos, cayendo en lugares comunes y desperdiciando el atractivo de su planteamiento inicial. Y no es que lo que nos cuenta resulte tedioso y carezca de interés, a mí al menos me resultó muy entretenido, pero cuesta perdonarle su falta de valentía por no haber aspirado a más.

Otro de los problemas de la película es que va de más a menos. Tiene una enigmática primera en la que se plantea lo más interesante del film, una segunda en la que se explota el aspecto más romántico, y una tercera que, aparte de sentirse algo forzada y apresurada, roza el ridículo por la inverosimilitud de lo que vemos en pantalla.

A lo que no se le pueden poner pegas es al apartado de diseño de producción, cuidado hasta el más mínimo detalle y exhibiendo, junto a unos logrados efectos visuales, un espectáculo visual. Ello, unido a la labor de sus dos protagonistas, es lo que evita que la película se hunda.

En definitiva, ‘Passengers’ no es una gran película ni será recordada en el futuro, pero sí que resulta un entretenimiento aceptable si te gusta el género y consigues perdonarle sus fallos. Una lástima que no le saque partido a su premisa inicial y se conforme con ser una agradable propuesta.

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Apenas ha empezado el 2017 y ya tenemos la primera gran película del año. Damien Chazelle ya demostró sus dotes como director en ‘Whiplash‘, aplaudida adaptación de su propio corto homónimo. Dos años después presenta ‘La La Land‘, un maravilloso film que pretende ser una oda a los olvidados musicales clásicos de Hollywood.

La película comienza con un espectacular número musical que tiene como escenario un atasco cualquiera de los tantos que se producen a diario en Los Ángeles. El propio Chazelle ha declarado que tuvo muchas dudas sobre si incluir o no esta secuencia como apertura de la película, ya que es independiente de la historia narrada en la misma. Finalmente, acabó apostando por ella y ha resultado ser uno de los aciertos de la misma.

Tras dicho número se nos presenta a Mia, el personaje de Emma Stone, quien tiene en dicho atasco el primer encontronazo con Sebastian, interpretado por Ryan Gosling. Mia es una de las numerosas jóvenes que todos los años acuden a Los Ángeles con el sueño de hacerse un hueco en la industria cinematográfica y triunfar como actriz. Mientras espera su oportunidad, trabaja como camarera en la cafetería de unos estudios de cine y acude múltiples audiciones, todas ellas fallidas. Sebastian, por su parte, es un pianista de jazz que sueña con devolverle al género la gloria que tuvo en el pasado, pero que se ve a sí mismo trabajando en un restaurante tocando canciones que detesta. En un determinado momento, sus caminos se vuelven a cruzar y acaban enamorándose el uno del otro.

Hasta este punto todo se muestra como una especie de bello “cuento de hadas” en el que todo es optimista y festivo, pero la película no trata solo de dos soñadores perdidos en una inmensa ciudad que se encuentran el uno al otro. Si se hubiese quedado tan solo en eso, se hubiera quedado a medio camino de la obra que acaba siendo. A Chazelle, autor también del guión, le interesa contar cómo la consecución de sus respectivos sueños (el de triunfar como actriz de Mia y el de ser el dueño de un local de jazz de Sebastian) tiene un precio, poniendo a la pareja ante un dilema.

Damien Chazelle y Justin Hurwitz llevaban siete años buscando financiación e intentando sacar adelante el proyecto, pero las productoras les exigían realizar una serie de cambios al guión con los que ellos no estaban de acuerdo a cambio de dar luz verde al proyecto con un modesto presupuesto de un millón de dólares. Tras el éxito de ‘Whiplash’ ambos gozaron de mayor prestigio y no tuvieron problemas para sacar adelante el proyecto.

Hay numerosos factores que hacen de la película el éxito que es, pero el gran artífice de todo esto es Damien Chazelle, quien con tan solo 32 años se corona como uno de los mejores directores de la actualidad. Por su parte, Justin Hurwitz compone una magnífica banda sonora con unas canciones llenas de vitalidad y que están acompañadas de unas soberbias coreografías orquestadas por Mandy Moore. A todo ello se une la colorista fotografía de Linus Sandgren, dotando a la estética de la película de un logrado efecto de fantasía y ensoñación.

En un principio, el papel de Mia iba a ser para Emma Watson, que acabó declinándolo al decantarse por otros proyectos, y el de Sebastian para Miles Teller, protagonista de la anterior película de Chazelle. Y no me quiero imaginar una realidad alternativa en la que los protagonistas no fuesen Emma Stone y Ryan Gosling, pues ambos parecen haber nacidos para interpretar a Mia y Sebastian. La química entre ellos es innegable; es algo que ya se ha podido apreciar anteriormente en películas como ‘Crazy Stupid Love‘ o ‘Gangster Squad‘. Pero es que, además, esta vez lo han dado todo para ponerse en la piel de los personajes. Ambos pasaron meses tomando cursos de canto y baile y ensayando las coreografías. Y, por si esto fuera poco, Gosling aprendió a tocar el piano y es él el que realmente toca las teclas en la película.

Entre todos crean unas escenas que tardarán en borrarse de nuestra mente: la ya citada secuencia inicial a ritmo de ‘Another Day of Sun‘, el baile de claquet de ‘A Lovely Night‘ en las colinas de Hollywood, Ryan Gosling cantando ‘City of Stars‘ en el muelle de Venice o su antológico final. Un ejemplo de síndrome de Stendhal cinematográfico.

En definitiva, ‘La La Land’ es un maravilloso musical cuyo visionado resulta una auténtica delicia. Una cálida historia de amor, una enérgica dirección, dos actores en estado de gracia, canciones repletas de vitalidad y un toque de melancolía conforman esta extraordinaria película cuya resaca resulta tan agria como dulce.

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