Mi tío de Jacques Tati es una comedia sofisticada que satiriza la alta clase social y está basada en un hombre sin trabajo que se dedica a llevar a la escuela y traer después a su sobrino a la moderna casa de su hermana. Dirigida con un ritmo vigoroso y con un estilo de humor que se burla de lo estrafalario y lo novedoso, es una obra que ofreció algo nuevo en su momento pero que no llega a divertir al espectador, ya que su crítica se basa en un humor absurdo y con gags tontos que se apoyan en demasiadas ocasiones en sonidos desagradables para hacer reír al espectador, concluyendo un film que se visiona sin pena ni gloria para el público.
La fotografía en color es lumínica y alusiva al estar repleta de matices estéticamente curiosos y modernistas para la época que llaman la atención del espectador y rematan una labor vistosa. La música es melódica y evocadora en sus sonidos clásicos y franceses que dan ritmo y encanto al film, aunque como parte negativa los sonidos del film en ocasiones llegan a ser desagradables y exagerados para buscar la risa fácil. Los planos y movimientos de cámara consuman una buena labor técnica mediante el uso de los generales, seguimiento, planos-contraplanos y reconocimiento que se centran más en la acción que en las interpretaciones.
Las actuaciones son insustanciales y carentes del más básico humor. Como protagonista Jacques Tati hila una poco jocosa interpretación y en el mismo sentido son los acompañamientos de Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie y Lucien Frégis entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos a cada personaje según su profesión como si fuera una obra de teatro y tiene unos decorados el film que son atractivos y algo arriesgados para la época por su original modernismos en un momento en que se premiaba más el clasicismo en los films.
El guion, escrito por su director junto con Jacques Lagrange y Jean L'Hôte, se centra en ironizar sobre la riqueza y el modernismo de la época, así como el cambio que este produce en la clase alta, pero su humor es prácticamente nulo en lo que se dispone y no consigue sacarme ninguna risa, tan solo la cara de incredulidad hacia múltiples intentos vanos de ser hilarante y fino en su propuesta. Esto se lleva a cabo con una narrativa algo extravagante y casi nula en el personaje principal, siendo el resto irónica e insidiosa al mostrar la falsedad de la clase alta.
En definitiva, la considero una obra carente del humor más básico, la cual quiere agradar a base de la sátira sobre lo moderno y que sin embargo no consigue cautivar al público, ya que su humor absurdo no es hilarante ni pasable en ninguna de sus intenciones. Algo recomendable por su dirección, fotografía, música, planos, vestuarios y decorados que hacen de Mi tío, un film que aun sin ser jocoso en lo que se propone obtuvo el oscar a la mejor película extrajera esa año.

Suburra, de Stefano Sollima, es un thriller basado en la corrupción política que hay en Roma en sus diferentes estratos sociales, tanto en políticos, mafia, empresarios y clero para ofrecer al espectador un producto que lo dejará sin aliento.
Rara vez un film basado en la mafia que es tomado en serio decepciona al público, y Suburra no es ni por asomo una excepción. Su director Stefano Sollima se marca un tanto con un notable film que va creando poco a poco gran tensión a medida que avanza la película y que culmina en un magnífico final, que deja clara la corrupción y la violencia que vive Italia incluso en nuestros días. Deja con ello tras de sí, la sensación turbadora de estar viendo una cinta que plasma con mucho acierto la corrupción en Italia desde los diferentes estratos sociales.
La cinta también posee algunos detalles técnicos que aumentan su calidad cinematográfica. Como por ejemplo, su oscura y desconcertante fotografía que plaga el film de violencia para perturbar al público. La música ayuda a crear o mejor dicho a aumentar el ambiente turbio que se genera alrededor de su trama, gracias a sus intensas y penetrantes melodías. Y los planos y movimientos de cámara son usados de manera inteligente para inquietar al espectador y transportarlo eficientemente a la acción.
Su historia, que es con diferencia lo mejor de la cinta, presenta al comienzo distintos personajes que están entrelazados de un modo u otro, y los dota de personalidad y una oscura intención para realizar un cometido que beneficie a sus bolsillos. Además, su argumento no se toma la más mínima prisa en ir desarrollando tanto a sus personajes como su escalofriante trama que deja mella en el espectador amante de los thrillers y las cintas basadas en la mafia.
En definitiva, considero Suburra un film soberbio y bien construido que tiene mucha intención en todo lo que ofrece y se adentra con valentía en temas ásperos para las altas esferas del gobierno italiano y la mafia, y hace con ello que te hagas una idea de la corrupción y los pocos escrúpulos que existe incluso hoy día en Italia. Por tanto, es una película totalmente recomendable de ver por ser uno de esos films que te dejan desconcertado tras su visionado y hace que su trama sea recordada incluso con el paso de los años.

Cine de intriga de primera calidad el que filmó Fred Zinnemann en el año 1973, basado en el best seller de Frederick Forsyth (The day of the Jackal) y adaptado al guion por Kenneth Ross para deleite de los seguidores del buen cine europeo.

Chacal es una magnífica cinta con un montaje bien trabajado que hace que el suspense vaya incrementándose poco a poco hasta llegar a un final de infarto. Poco tiene que ver esta cinta con el Chacal que rodó Michael Caton-Jones en el año 1997, y que fue protagonizada por Bruce Willis, Ricard Gere y Sidney Poitier, ya que guardando las distancias, aquella no pasaba del mero entretenimiento, y esta, protagonizada por Edward Fox y Michael Lonsdale en una estupenda obra que encantará a todos los amantes del buen cine, sobre todo el de intriga y policiaco en el que un policía sigue la pista de un escurridizo hombre que no deja de ser un asesino a sueldo, pero que atrapa la atención del espectador durante todo el metraje con sus trucos y artimañas para llegar a cumplir su objetivo.

Los inmejorables ingredientes de un libro de tanto éxito que desarrolla el personaje de un asesino de primera que es contratado para matar al presidente de la república Francesa Charles De Gaulle, es todo lo necesario para hilar una gran historia que mantiene a todo el mundo pegado al asiento, formando con ello un autentico clásico que sobrevive notablemente el paso del tiempo, aun cuando sus efectos visuales lógicamente están anticuados. Pero lo verdaderamente importante de esta película, es la tensión que va en aumento y que mantiene en vilo al espectador hasta el final.

Quizás el único fallo, es que no tienes que indagar mucho en la historia francesa para darte cuenta cuál será su final, pero quitando eso, es prácticamente una película redonda que merece la pena ser vista por todo el público en general.

En definitiva, la considero una obra digna de elogio. Un film sobresaliente que consigue mantener en vilo al público con una trama que se va calentando poco a poco hasta alcanzar un final de lo más recordable. Además, tiene el aliciente de mostrarte como va el asesino a sueldo preparando todos los detalles de su ataque y cómo evita dejar ningún cabo suelto, aunque el agente que lo persigue también se las conoce todas. Es precisamente esa dupla, la que hace que esta película sea desde mi punto de vista tan remarcable.

Gillo Pontecorvo, un director italiano comprometido con la causa antifascista y perteneciente al partido comunista en Italia, empatiza en esta ocasión con la causa del Frente de Liberación Nacional argelino al mostrar su causa en la película La batalla de Argel; situando el contexto histórico en el inicio de las revueltas argelinas llevadas a cabo en la capital del país que desencadenaron en la independencia de estos con Francia, país colonialista de Argelia desde 1830 hasta 1962, cuando al fin los habitantes de este país consiguieron después de años de enfrentamientos callejeros con la policía y el ejército francés la ansiada independencia.
El guion, escrito por el mismo director junto con Franco Solinas, está basado en hechos reales y muestra la tragedia de aquellos sangrientos años sin paños calientes, mostrando todo tal cual sucedía, con las muertes de personas inocentes y no tan inocentes que eran causa del odio contenido durante tantos años. Dicha trama, es llevada a cabo con pasión y con mano experta por un director comprometido con su causa que sin ser demasiado objetivo, si plasma con esmero y sin dilación (ya que los hechos narrados habían pasado pocos años atrás), una historia desgarradora que dejo muchos muertos atrás en una sinrazón colonialista que tenía sus días contados.
La fotografía en blanco y negro, no reduce el dramatismo de unas imágenes violentas que exponen sin miedo a excederse los hechos tal cual sucedieron, siendo por tanto uno de los detalles técnicos más remarcables del film. También la música de Ennio Morricone añade inquietud y sobre todo zozobra a la trama en los momentos oportunos, gracias a una música rítmica de tambores que consigue desconcertarte cuando esa es su intención. Y por último, mencionar especialmente las interpretaciones de caras no demasiado conocidas que gracias a unas realísimas actuaciones consiguen calar en el espectador sin empatizar en absoluto.
Por lo tanto, considero La batalla de Argel una obra sobresaliente indiscutible que saca a la luz unos hechos nada populares que apenas lograban llenar los informativos de una época en la que la gente prefería vivir fuera de la realidad, o que tal vez eso es lo que querían y conseguían los medios de comunicación. Ya que los hechos irreverentes que veras en su interior, son tan reales y están tan repletos de dramatismo que te transportarán eficazmente al momento y lugar en cuestión para hacer justicia social y al menos de conocimiento de lo que ocurrió en aquellos aciagos años en la capital argelina, cuando miles de civiles y militares morían por una causa impopular y repleta de una injusticia que tenía sus días contados.

Mi vida sin mí de Isabel Coixet es un drama con toques románticos basado en una joven que descubre que va a morir de cáncer y que cambia drásticamente su actitud en la vida, ocultando además su enfermedad a familiares y seres queridos. Dirigida con un ritmo más bien lento y con el estilo profundo y característico de la directora al plasmar de nuevo los ocultos secretos humanos, es una obra intimista que mantiene al público absorto con una trama provocadora por su cruda realidad que es digna de admiración y encantará sobre todo al público exigente que busque obras particularmente profundas y nada efectistas, concluyendo con ello otro notable film de la directora que siempre quiere calar con sinceridad en el público en lo que ofrece.
La fotografía es oscura y humilde en un evocador trabajo que está estéticamente bien logrado y es idóneo en sus imágenes sombrías, logrando una decente labor visual muy acorde con la trama. La música es hipnótica aunque predominan los silencios para no desviar la atención del espectador, pero usa también según la escena sonidos intensos y turbadores en una profunda y recóndita tarea. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda tarea técnica a través del uso de la cámara en mano continua, primeros y primerísimos planos, generales, steadycam, tercera persona, subjetivos, seguimiento, detalles, avanti y retroceso que exprime lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son intachables y oportunas para la trama. Como protagonista absoluta Sarah Polley está verosímil e irreprochable en un sentido papel que no cae en el sentimentalismo barato, siendo buenos también los acompañamientos de Scott Speedman, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Leonor Watling y Deborah Harry entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones comunes en un correcto trabajo que tiene la intención de destacar pero que junto con los decorados y exteriores te transportan eficazmente in situ.
El guion, escrito por la directora y basado en un cuento de Nanci Kincaid, es muy realista e incitador por contar las últimas semanas de una joven con un cáncer terminal que decide no contar a su familia y seres queridos, y todo ello sin caer en lo lastimoso para cautivar al público que busque films sinceros y humanos que no pretendan impresionar, sino más bien contar una dura historia de forma hermosa y a la vez implacable para satisfacción de los cinéfilos exigentes. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off de la protagonista que es de lo mejor del film en sus profundas explicaciones que logran una tarea impoluta, siendo el resto natural y familiar en un lenguaje desesperanzador y desde luego de lo más real y sincero.
Concluyendo, la considero una obra inolvidable y hermosa aún dentro de su dureza y extrema realidad que pone personalidad y cuenta atrás a la muerte con mucho acierto y sin caer en lo lastimoso, ya que su protagonista cala con sinceridad en el público buscador de buenos dramas que sepan apreciar un buen cine que pretende gustar y cautivar pero sin añadiduras artificiales que lo estropeen. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa que vuelven a Mi vida sin mí, un film imprescindible dentro del cine español, la filmografía de la directora y el drama profundo que no dejará indiferente ni insatisfecho a nadie.