Rinko Kikuchi es la Kumiko del título, una joven apocada y esquiva que cree haber descifrado una especie de mapa del tesoro en una maltrecha copia en VHS de “Fargo” (Joel y Ethan Coen, 1996), lo que le lleva a tomar la decisión no especialmente sensata de dejar su vida en Japón y afrontar esa aventura en solitario. Rodada a medio camino entre Tokyo y varios pueblos del norte de Minnesota, la película de David Zellner propone una fábula que transita por lo metacinematográfico y que juega con el equívoco que se establece en ocasiones entre realidad y ficción, llevándolo hasta su último extremo. Dentro de esta fábula, Kumiko es una especie de Caperucita Roja, parapetada con una sudadera de dicho color, cuya timidez extrema unida a las barreras idiomática y conductual la sitúan en un plano cercano al autismo. Así, para esta moderna y dramática Caperucita, el lobo quizás viva solamente dentro de su cabeza.

“Kumiko, The Treasure Hunter” exalta la ternura y la calidez narrativa dentro de un contexto gélido y agreste. Así, el contraste cromático entre el rojo eterno que cubre la cabeza de Kumiko y el blanco de su rostro y del paisaje nevado circundante crea una sensación de atracción y angustia casi irreal, potenciando el componente casi alegórico y espectral. En definitiva, una experiencia cinematográfica esporádicamente preciosa.

“Listen Up Philip” (Alex Ross Perry, 2014), narra un fragmento en la vida de un escritor en los meses que rodean al lanzamiento de su segunda novela, donde se ve inmerso en una especie de cuadro ansioso con cierto delirio egomaníaco que repercute en sus relaciones más cercanas. Cargado de una retórica extrema, a veces deliciosamente irritante, que de alguna manera le acerca a las propuestas de Whit Stillman, este retrato de un egotista insoportable y a la vez encantador refleja con mucha mala baba, bastante humor negro y no poca inteligencia esa especie de nihilismo fin de siglo del post-treintañero que se sabe mejor que los demás.
Me resulta especialmente interesante como, en un acto casi asumible como justicia poética, Alex Ross Perry le sirve a su anti-héroe Philip Friedman, un Jason Schwartzman que parece rescatar dieciséis años después al Max Fischer de “Rushmore” (Wes Anderson, 1998), una figura paterna en forma de escritor idolatrado (Jonathan Pryce), que lejos de buscar el equilibro emocional del protagonista, muta a una especie de doppelganger con fines de refuerzo conductual. Hiriente, a ratos brillante, esta “Listen Up Philip” nos hace desear ver muy pronto más cosas de este joven cineasta.

Tras su relativo éxito en diversos festivales con “Attenberg”, Athina Rachel Tsangari regresa con esta relato críptico sobre el proceso ritual de iniciación de seis muchachas en una mansión aislada del resto del mundo en el archipiélago de las Cícladas, sometidas más o menos gustosamente a los designios de una figura diríase mitad materna, mitad pontificia.

En apenas treinta y cinco minutos, Tsangari entrega una obra que quizás por su naturaleza merece tener cabida más propiamente en museos y galerías de arte que en cines o televisiones. La directora griega recurre a la introducción de pequeñas animaciones intercaladas dentro de este cuento perverso y perturbador, dolorosamente bello, que cuenta entre su elenco actoral con la angelical Clémence Poésy (“Gossip Girl”, “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”).

Una ejecución finísima en la muestra de espacios, atmósferas y texturas y varios puñados rebosantes de imágenes apabullantes son las características esenciales en este mediometraje que bebe de numerosas fuentes: el surrealismo de la pareja Buñuel-Dalí, una carga poética visual simbólica que oscila entre Tarsem o el mismísimo Matthew Barney, la sensorialidad, complejidad y la querencia por el reverso oscuro de David Lynch e incluso la vistosidad y el arrebato de elegancia de Helmut Newton o Steven Meisel.

En "La Vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2 (Blue is the Warmest Color)", Abdellatif Kechiche presenta el fragmento de vida de la protagonista que se extiende desde la proto-adolescencia hasta la plena inmersión adulta de forma fluida, natural y naturalista, prestando especial atención al recorrido sentimental y sexual de Adèle con respecto a Emma (estupenda Léa Seydoux). La narración fluye sin exabruptos, vertebrada en unos primeros planos extremos, extraídos casi con microtomo, haciéndonos cercanos y sinceros partícipes del cuento de amor y dolor de la joven protagonista.

Esa sensación de fisicidad extrema, que apenas se desvanece en ese último plano en el que Kechiche nos da opción y espacio para respirar, acaso suspirar, tiene su causa principal en la hasta ahora desconocida Adèle Exarchopoulos. La joven actriz francesa sobresale por encima de cualquier otra consideración, dotando al personaje de una voluptuosidad emocional y física superlativa: cuando come, cuando ríe, cuando llora, cuando folla. Su interpretación de Adèle, hiperrealista hasta cotas a veces casi angustiosas, es la punta de un iceberg cálido, como la luz que penetra entre los cuerpos de Adele y Emma, como el azul de su título completo. Película-escultura, como las que admiran las dos protagonistas en una de sus primeras citas, rotunda y sin aristas, de una fluidez desbordante, cuya única pega que podemos atrevernos a ponerle es cierta permisividad en su metraje: sus tres horas de duración comprometen la intensidad del relato en ciertos momentos, preferentemente en su último tercio. Aun así, dolorosamente física, ultrajantemente física, maravillosamente física, “La Vie d’Adèle” realmente justifica su merecido hype, y nos deja con la sensación de que, posiblemente, nunca nadie haya rodado algo así antes.

Juntar a Darren Aronofsky, a Jennifer Lawrence y a Javier Bardem probablemente le haga sospechar a uno que no estamos ante la película más sutil del mundo.

Pero tampoco se espera uno encontrar, ¿cómo decirlo?, esto.

“Mother!” se ejecuta en dos actos. Y si Luys de Narváez hizo las variaciones sobre "Guárdame las vacas", Aronofsky hace una variación del primer acto en su segundo, en los que la tranquilidad de una pareja aislada en una casa en medio de la nada se ve perturbada por la llegada de un conjunto de personajes no esperados.

Es verdad que “Mother!” daba para un estudio más o menos interesante en clave de terror sobre los issues de pareja asociados a factores externos, pero la cosa aquí toma unos tintes patafísicos y granguiñolescos desde la primera media hora, con alegorías dizque religiosas y/o pseudoecologistas, que crecen en intensidad para terminar en puramente un esperpento.

Ecos evidentes de “La Semilla Del Diablo”, claro (de hecho, Jennifer Lawrence está incluso bien en su emulación de Mia Farrow / Rosemary Woodhouse), pero también de “Esta Casa Es Una Ruina” dan forma a esta desconcertante barrabasada. Incluso podría verse como una lectura invertida de “El Ángel Exterminador”, porque si en aquella la gente no podía salir de la casa, en “Mother!” no pueden dejar de entrar.

Y, de la misma manera, si en la película de Luis Buñuel el espectador sólo quería quedarse, de la de Aronofsky yo solo quiero huir.

Y cuanto antes.