“Forest of the gods”, de Aligmantas Puipa és un film que evidencia la intromisión de los poderes totalitarios para adaptar la realidad histórica a sus fines propagandísticos.
Basada en la obra autobiográfica de Balys Sruoga, un profesor, poeta y dramaturgo, que fue encerrado en el campo de concentración alemán de Stutthof, uno más de la amplia red represiva de los nazis, que narra su experiencia en el horror de este tipo de campos. Narrada en flash back la realidad del campo con el proceso posterior de elaboración de las memorias de Sruoga bajo el régimen soviético, la acción paralela entre el próximo pasado nazi y el posterior proceso de memorización y de recreación literaria, el director Aligmayas Puipa lo resuelve contraponiendo las imágenes de la experiencia en el campo, con el ensayo de una obra teatral sobre la misma, dirigida por el propio Sruoga, hecho que se ve obstaculizado por la autoridad soviética, que pretende que sea subrayada la crueldad alemana y se haga el discurso adaptado a los postulados propagandísticos que le van dictando. Uno de los ejemplos que ilustran este hecho es una escena en la que los actores de teatro ensayan un ahorcamiento. El supervisor soviético les sugiere mayor dramatismo y énfasis en el momento de dictar la orden, a lo que Sruoga replica: “No había dramatismo en este tipo de órdenes. Era un hecho cotidiano y las dictaban en el mismo tono con el que ordenaban archivar unos papeles”.
Esta lucha entre la verdad y el intento de manipulación política es el leit motiv del film, resuelto con frialdad y una reiteración de flash back, que rompen el ritmo y pueden llevar a algún tipo de confusión al espectador.
De todos modos es una película honesta, fría y un poco inhóspita para el espectador, que retrata la cruel cotidianidad de la injustificable maquinaria represiva nazi y la posterior manipulación propagandística de este horror. Para mi es un buen film.

Últimamente el cine alemán nos presenta unas propuestas de enorme interés humano y cinematográfico. Con pocos medios y una probada eficacia, desarrollan unos productos de profunda inteligencia y excelente factura y en la mayoría de los casos proponen la reflexión de su propia y reciente historia, en unas catarsis que en nuestras latitudes ya quisiéramos, a propósito de nuestros recientes despropósitos históricos.
En “La vida de los otros”, subsiste este psicoanálisis, esta introspección a las tripas de las miserias más recientes, para hacer una profunda meditación sobre los resortes del poder, la sumisión a su terror psicológico, en las formas más sutiles de la delación, la prostitución, para hacer un canto a los valores del ser humano, en las formas del sentimiento, la inteligencia y la empatía.
Lo hace con una puesta en escena soberbia, sencilla, con una excelente ambientación a base de tonos oscuros, que subrayan el sórdido ambiente de opresión política que retrata la película y unas impecables interpretaciones, en las que destaca la de Ulric Mühe.
El resultado puede ser una metáfora ( posiblemente algo optimista) sobre la propia auto emancipación de la RDA en los años inmediatos a la caída del muro y al derrumbe del totalitarismo, en la figura ( contradictoria y a veces poco creíble) del implacable capitán de la policía secreta (la Stasi) y su gradual y lenta caída del caballo, cual San Pablo camino de Damasco, a medida que asiste a la esperanzadora intimidad de unos seres mucho más puros que la sordidez que defiende cotidianamente.
Un film excelente, totalmente recomendable, que en la mezcolanza agridulce de sus mensajes, nos deja el buen sabor de la esperanza en la progresiva y posible bondad de los seres humanos en medio de la jungla de corrupciones que no cesan.

Siento una cierta debilidad por este tipo de historias, en los que aparece el ser humano, con sus sentimientos, emociones, amores y prejuicios, sumergido en una vorágine que le supera y le hace aflorar lo mejor y lo peor de si mismo.
"Indigènes" es una historia de este tipo: La carne de cañón. Aquellos sujetos que han sido catalogados como el furgón de cola de un metafórico tren militar, aparecen como personas que sueñan y se enamoran, que quieren ascender en el escalafón de la vida y, especialmente, que no desean morir. Es evidente que también son personas, a pesar de sus orígenes.
Rachid Bouchareb nos retrata una escuadra de infantería formada por un grupo de magrebíes reclutados por el ejército francés en la segunda guerra mundial.
Las grandes exigencias al sacrificio no se corresponden con un trato adecuado. Se palpa el chovinismo y el eterno discurso a la defensa de valores patrios y nacionalistas que a esas gentes les son ajenos. Defienden unos terrenos que no son los suyos y donde encuentran rechazos e incomprensiones, entre breves excepciones de retazos de amor entre gentes tan sencillas como ellos mismos.
El film bebe de los clásicos bélicos, en especial "El Puente" de Vicky y algo de Fuller (algunas escenas del final recuerdan el "Salvad al soldado Ryan" de Spielberg) y está rodado con energía y buen oficio, con excelente resolución de las escenas de combates, donde prima el realismo y la pulcritud en el asesoramiento de la praxis militar.
Un buen film, totalmente recomendable, rodado con buen pulso y correctamente interpretado, que nos aporta un reultado muy creible. Constituye un excelente homenaje a los Mohamed y también a los Martínez, que se sacrificaron por una patria que no era la suya y cuya aportación, muy a menudo, ha sido silenciada por los que escriben la Historia, a pesar de que sus tumbas siguen cerca de donde libraron sus combates y sus nombres escritos en ellas.

El delirio de un cinéfilo. La magistral lección de un erudito, que homenajea el cine de género en un inteligente mosaico, cargado de ironía, humor, maniqueísmo y violencia –gratuita o no-
¡Que gozada, que magnífica metáfora la de reunir a toda una colección de malos oficiales, histriónicos, casi todos sacados de la realidad histórica, para encerrarlos en un cine de barrio y pegarles fuego, mientras se proyecta una grotesca y burda versión nazi de una exaltación de un héroe, satirizando “Sargento York"!.
El holocausto se invierte. La caricatura se vuelve mordaz y alcanza niveles de paroxismo. La tarantiniana mezcla de humor negro y violencia desborda al espectador. El ritmo es trepidante y te deja pegado a la butaca en diferentes "tempos", que evocan estilos varios del cine de acción. Todo un homenaje a ellos.
Maniqueísmo y violencia: una combinación infalible.
La cinefilia está presente y la erudición se manifiesta en tono ácido, recreando el ambiente de la UFA y el mundo del cine europeo de los años 30/40. Muy bueno y sutil el gag de enviar un comando inglés a boicotear un estreno cinematográfico al que asisten los jerarcas nazis. ¡El susodicho no es otra cosa que un crítico de cine!
La Historia, con mayúscula, no importa. La realidad no tiene límites, como la imaginación.
Se pueden quemar toneladas de celuloide, e incluso la propia Historia, si con ellos se logran icinerar los fantasmas propios y los compartidos, invirtiendo los términos de la realidad. Una excelente metáfora y una delirante fantasía, fruto de una fértil e inteligente mente: la de un Tarantino en magnífica forma.

"Me gusta tu lado oscuro", le dice el bandido Ben Wade (Russell Crowe) al honrado y, hasta aquel momento, pusilánime ranchero, cuando éste pierde la paciencia y le muestra su ira.
Y por ahí va el film: La tenacidad del bueno y honrado contra la frialdad cínica del asesino psicópata, que en un alarde de juegos malabares psicológicos, hacen que los extremos se toquen y se tuerzan las voluntades. No hay tanta distancia entre las contradicciones del honrado y cabal y las del asesino. La realización se basa en evidenciar estos contrastes de manera, incluso, desmesurada. Personalmente creo que los matices de los clásicos western psicológicos, como "Sólo ante el peligro", o asimismo el antecedente del que nos ocupa, de Delmer Daves, de 1957 ("3:10 to Yuma") eran de una calidad intelectual bastante más sólida. Solían basar mucho más la tensión por el paso del tiempo y las dudas de los protagonistas a medida que se iba acercando la hora de la verdad y desarrollando los contradictorios hechos con cierta sutileza, más dirigida al intelecto del espectador y no tanto a sus tripas. En la nueva versión se prescinde de sutilezas y se ofrece una explícita manifestación de violencia y brutalidad, a base de cabalgadas y tiroteos imposibles. Berthold Brecht enseñó a llegar al espectador por la vía de la exageración, creando un cierto distanciamiento, para lograr objetivos didácticos. No creo que James Mangold haya bebido de esas fuentes, pero recuerda la vieja técnica del alemán: Una historia moralizante y maniquea, distanciada del espectador, si bien con todos los ingredientes que pueden hacer de un western un film épico y espectacular, con sus espacios abiertos, las cabalgadas, los tiroteos, y una extrema violencia.
Personalmente me quedo con el clima claustrofóbico y la inteligente utilización del tiempo para crear la adecuada tensión de la versión de 1957, a pesar de entender que son dos films muy distintos y con pretensiones diferentes.
De no haber visto la primera, diría que se ha elaborado un western moderno, con la profusión de violencia que se le exige hoy al género, espectacular y excelentemente bien trabajado, con muy buenas interpretaciones y profusión de medios. Habiendo visto la antigua versión, si he de recordar en el futuro un "3:10 to Yuma", creo que me he de quedar con la primera.