Fue un fenómeno y un hito en el cine español, pasando incomprensiblemente por encima de la inepta censura dada su fuerte carga crítica, presentada a Cannes ganando la Palma de oro, tras lo cual se inició el escándalo y quedó prohibida, no pudiéndose estrenar aquí nada menos que hasta 1977.

Es posiblemente la cumbre del gran artista que fue Buñuel, lo que supone altísimas cotas de calidad, una obra que llega al fondo y lo destroza con su malévolo humor, poniendo en solfa de manera corrosiva la beatería cristiana, junto a sus supuestos valores como la virtud, la caridad o la pureza. Viridiana es un ser insensatamente puro y no hay nada más frágil que esto, ya que resulta presa fácil de la maldad humana.

Está filmada con ese perfeccionismo técnico que alcanzó el maestro con los años y es al mismo tiempo una de sus obra más retorcidas pero también accesible, con secuencias que aún impactan, como esos rezos que se intercalan con imágenes de los obreros trabajando a destajo que parecen ir empujando y enterrando la fe, la afamada foto en la mesa dispuestos los mendigos a la manera de La última cena o el simbólico final que pasó desapercibido al franquismo pese a esconder más bien poco la evidencia de su transgresor erotismo.

El cine de Buñuel es imperecedero y Viridiana aún no ha sido desbancada como la gran obra maestra de nuestro cine.

Curiosamente su origen fue una invitación a Buñuel de Franco para un proyecto en España (deseoso seguramente de mejorar su imagen en el exterior) y él, combativo e imbatible, decidió hacer ésta película. Genio y figura.

Desde el momento que Perla va caminando hacia su habitación con la lamparilla en la mano pasando por delante de los dos hermanos, ya se olfatea la tensión sexual e intuímos la actitud de ambos hacia ella. Aún sorprende tanta sensualidad en un título de los años 40, pero a David O. Selznick le gustaban las situaciones al límite.

Jennifer Jones se excede en gestos cuando muestra emociones fuertes, pero es fotografiada con maestría haciendo resaltar el blanco de sus ojos y dientes sobre su tez morena y lo que sí logra ésta es dar cuerpo a una criatura salvaje e inexperta que se convierte en centro de disputas y se debate entre la seguridad y la pasión.

Joseph Cotten y Gregory Peck hacen acertadamente la encarnación del bien y el mal como reflejo de la personalidad del autoritario y visceral padre (Lionel Barrymore que estaba realmente en silla de ruedas desde hacía años) y tambiém aparece Lillian Gish, toda una superviviente que empezó con Griffith décadas atrás y siguió dejándose ver en más películas otras tantas décadas después.

Como en Lo que el viento se llevó, la personalidad de Selznick es la que manda y parece que hubo otros directores que intervinieron, pero quien firma es King Vidor, gran cineasta desde el mudo, versátil y eficaz, que lleva la historia con seguridad y buen ritmo obsequiándonos con espléndidas panorámicas, bellos primeros planos y majestuosos planos generales (la encendida fotografía en color plena de rojos es magnífica).

Duelo al sol forma parte de esos contados títulos imprescindibles y si sólo se fracasa en la dirección de la Jones, es de suponer que con el tiránico Selznik emcima poco podía hacer Vidor para contener a la que por entonces era la chica del productor.

Un caso real de supuesta posesión diabólica ocurrido en el siglo XVII en Loudun, Francia (nada menos que entre las monjas de un convento) es tratado de manera racional por una vez en el cine y se opta por un enfoque realista, incluso aparecen detalles de flagelación en primer plano viéndose como se van provocando poco a poco las marcas en el cuerpo.

Las actuaciones tienen la poderosa concisión característica en el cine del norte de Europa, donde la simple mirada extraviada puede sugerir una mente perturbada / poseída sin necesidad de otros adornos, a lo que se añade una cuidada estética: bellos planos como aquél en que se ve desde arriba a las monjas tumbadas boca abajo con los brazos abiertos en el suelo, o la secuencia entre los tendederos de ropa que suena agitada por el viento, unido esto a los aleteos de las palomas.

El relato es sugerente y con cierto simbolismo, no se dirige hacia el terror ni el morbo, va más hacia un análisis del extremismo religioso, la superstición y la pérdida de la noción de la realidad.

Kawalerowicz fue un inteligente y dotado director que por ejemplo en Faraón dió una visión del antiguo Egipto que tenía más interés que todo el cine de Hollywood con el mismo tema y, aunque diez años después, Ken Russell hizo su versión de los hechos narrados en Madre Juana de Los Ángeles con The devils, el resultado fue, era de esperar, otro muy distinto.

Zeffirelli ha hecho casi siempre cine pastelero, pero hay que reconocerle el mérito de haber filmado una excepcional adaptación de Romeo y Julieta para la gran pantalla.

Está bellamente fotografiada (como no, el maestro Pasqualino de Santis) siendo un placer contemplar cada imagen: las verduras en el mercado, los brillos plateados y colores encendidos de los trajes, la oscuridad iluminada por la luz de las antorchas, con una escenografía y vestuario de Danilo Donati grandiosos. Los desconocidos protagonistas (Leonard Whiting y Olivia Hussey) son otro gran acierto, por una vez se acercan a la edad real de sus personajes en la obra de Shakespeare y de ellos la dirección saca toda la espontaneidad y naturalidad indispensables, con una cámara muy ágil que consigue configurar un romanticismo realista y apasionado.

El duelo Romeo - Tybalt (un joven Michael York) es tenso y está magistralmente coregrafiado y a todo hay que unirle la preciosa partitura de Nino Rota que cuando en las escenas finales sube el tono hace que las emociones se disparen. Fue rodada en inglés y vista pasados los años continúa siendo una obra maestra.

El proceso de humanización de un frío e imperturbable policiía de la implacable stasi encargado de vigilar la vida de un intelectual y su mujer.

Indiscutible obra maestra que cuenta una historia singular y de gran contenido, sin la afectación y efectismo al uso. A pesar de esto tampoco hay frialdad ni distanciamiento sino sobre todo admirable contención, con sutiles actuaciones y personajes densos que llegan a ser realmente seres de carne y hueso.

El final pasa directamente a estar entre los mejores que se han visto, resultando milagroso como un producto enormemente austero y conciso puede llegar a ser tan conmovedor.