"Volver a empezar" deja cierta sensación de que podría haber dado más de sí. Su inicio es muy bueno, con Ferrandis evocando su vida de hace 40 años en Gijón y retomando el contacto con viejos conocidos. Un par de conversiones interesantes, imágenes bellas, el "Canon" bien colocadito... hacen que uno se frote las manos ante la perspectiva de que va a ver un peliculón.

Sin embargo, poco a poco la cosa se va deshinchando: las conversaciones devienen algo pretenciosas, la trama no da demasiado más de sí, los gags con el gerente del hotel resultan más casposos que divertidos... En fin, se deshincha y no remonta.

Por suerte, la aparición de José Bódalo le da un Motivo (en mayúsculas) por el que esta película tiene sentido verse.
Me refiero, cómo no, a la larga conversación entre Antonio Ferrandis y José Bodalo en que el primero desvela el motivo por el que ha vuelto a Gijón.
De una belleza impresionante, en esa secuencia Bódalo transmite millones de sensaciones sin apenas articular palabra, convierte una pantalla de cine en algo muy próximo. Tanto, que es difícil controlar el escalofrío que recorre el cuerpo de uno observando su mirada. Qué contención, pero qué grandeza a la hora de mostrar pena, amor, frustración sin pronunciar una sílaba.

Se trata, en definitiva, de uno de esos detalles que hacen que una película perdure en la memoria, cale en los huesos. Para acordarse de que el cine no sólo se ve, también se siente y se pega a uno, cual recuerdo al que volvemos de vez en cuando para que nos abrigue.

Ya hace más de un mes que vi esta película, he visto varias más desde entonces, pero "Control" no se me va de la cabeza.

Absorbente, profunda, biográfica, me transmitió unas sensaciones que quise comparar con la audición de un disco de Joy Division y "Closer" fue el elegido. Publicado dos meses después del suicidio de Ian Curtis, el CD me evoca cada uno de los planos, cada una de las miradas, cada una de las conversaciones que me sedujeron en el visionado de la impresionante cinta.

Como si se tratara de una de sus fotografías en blanco y negro, Anton Corbijn capta la génesis del mito de Joy Division, los inicios de esos jóvenes de Manchester que decidieron cantarle a la depresión en un ambiente pre thatcheriano, oscuro, punk e influenciados por Velvet Underground, Sex Pistols, David Bowie y demás genios.

A veces contarlo todo de un personaje es un poco peñazo en una película, supongo que al director le podría hacer más ilusión dejar volar un poquito la imaginación cual realismo mágico, pero Corbijn lo borda reflejando la vida de Ian Curtis con un estilo sobrio, oscuro y profundo que tan bien ha captado de las canciones de Joy Division.
Desde su inicio de chico inadaptado en el instituto, recorremos el periplo vital de Curtis como poeta maldito influenciado por la onda de los sesenta y setenta que ya terminaban, la irrupción del amor que le llevó a casarse con apenas 19 años, los primeros pasos en la banda, la aparición en la BBC de la mano de Tony Wilson (¡qué ganas tengo de ver "24 hours party people"!), el desgaste de su enfermedad, la neurosis que le atormentaba, el dramático final.

Merece la pena destacar las grandes interpretaciones de Sam Riley (casi debutante, impresionante su parecido con Ian Curtis), así como de Samantha Morton ejerciendo de esposa y transmitiendo la angustia de una mujer que ve cómo su marido se pierde, se aleja irremediablemente y el sufrimiento que causa en esa espiral autodestructiva.
La fotografía, como no podía ser de otra manera, es absolutamente perfecta, un blanco y negro que se te engancha al alma como si la niebla y los cigarrillos de los clubes de Manchester hubieran entrado en la sala de cine.

Y sigue sonando "Closer" en el reproductor y siguen viniéndome a la cabeza imágenes de la película. Ese baile semi espasmódico de Curtis en el escenario, ese asma que le ahogaba, esa angustia vital que no le dejaba vivir, esa infinita tristeza que transmitió en sus canciones, ese desgarro que canta mientras batería lo acompaña con su letanía, las guitarras distorsionan y el bajo retumba en el pecho... Os recomiendo encarecidamente esta película.

Con un convincente Bing Crosby, se nos plantea una película amable, que emana bondad y buen hacer. En ella Crosby interpreta a un cura enrollado y renovador que es destinado a una parroquia algo decadente a la que debe intentar engarzar con la comunidad en la que se encuentra.

La película en sí está bien, transmite optimismo, fuerza y amor al prójimo. Eso sí, también resulta un poco plana y previsible. Sin embargo, resulta agradable y además cuenta con la grandísima presencia de Crosby, que demuestra su gran voz en numerosas ocasiones, cantando solo o bien acompañado de Jean Heather.

En resumen, una película agradable a la que hay que exigirle lo justo, pero que no por ello deja de ser aceptable y recomendable.

Para finalizar, resulta interesante comentar que los premios Oscar entregados en marzo de 1945 premiaron esta historia de la bondad con nada más que siete estatuillas. En el de mejor película batió nada menos que a "Perdición", lo que invita a pensar en que se premió la luminosidad y el optimismo en esos días previos al fin de la Segunda Guerra Mundial.

Buena película a la que fui predispuesto a que no me gustara. Me decían que parecía un panfleto turístico, pero la verdad es que tiene más chicha de la que pensé, así que salí contento de haberla visto y qué caramba, de que salga tan bonita Barcelona.

Allen tocó techo con “Delitos y faltas” o “Manhattan”, pero los temas que en ellas trata siguen presentes en su obra, señal inequívoca que no hay dios que se aclare con esto del amor.

Con una Scarlett que se come la pantalla, Rebecca Hall como agradable sorpresa, Bardem de latin lover y Penélope un poco histérica, asistimos a un retrato en sepia de unos personajes algo irreales con visiones de la vida y del amor bastante contrapuestas.
Por orden, tenemos a Cristina (Scarlett) en una eterna búsqueda del amor perfecto, ese que nunca durará demasiado cuando lo encuentre por enésima vez; a Vicky (Hall) cuya racionalidad pugna con la razón por resquebrajarse; y finalmente, el amor completo-incompleto de Bardem y Cruz, ese ni contigo ni sin ti autodestructivo pero perfecta musa de la creatividad artística.

Hay situaciones que Woody Allen despacha con poco rigor, escenas no demasiado creíbles que hacen que te revuelvas un poco en el asiento en señal de sorda protesta. Sin embargo, su maestría y cajón de sastre sentimental hacen que el conjunto sea más que aceptable, de modo que todos terminan contentos: los espectadores por pasar un rato majo, Barcelona porque está encantada de haberse conocido y Allen por llevarse de la ciudad unos dinerillos que nunca van mal.

Julia Roberts traza un interesante dibujo de una mujer engañada por su marido que vuelve a su hogar natal, en el sur profundo de Estados Unidos (sí, sí, el de los esclavos y el algodón prácticamente), desde donde emprende una reformulación vital que lleva a toda su familia a una especie de catarsis sentimental.

Con un guión algo previsible, pero no por ello menos rumboso, asistimos a un muestrario de fórmulas sobre el amor, el compromiso y la fidelidad matrimonial. Y digo fidelidad y no lealtad, pues son matrimonios aguantados por las apariencias y cuya chispa hace tiempo que se acabó, pero que las convenciones sociales estipulan como irrompibles. Es ahí donde la película gana puntos según mi punto de vista, ya que plantea unos diálogos productivos, así como una evolución de los personajes bastante creíble.

La parte divertida de la película es que cada dos por tres sale un caballo por ahí haciendo un cameo, me da la impresión de que el lobby equino tuvo mucho que ver en la producción de la película...