Los biopic son sin duda uno de los géneros cinematográficomás controversia causan. En su mayoría de veces debido a una popular confusión sobre la cuál, éstos, son entendidos como un acontecimiento de culto absoluto para los fanáticos del artista, limitando de esa forma la creatividad y visión subjetiva que cada creador pueda tener del mismo. Sin embargo, hay algunos realizadores que logran desquitarse asumiendo riesgos, impregnando su huella autoral y logrando así verdaderas obras que trascienden más allá de ensalzar o mitificar una figura, algo que desde luego, no es del agrado de todos. 'Blonde', es el claro ejemplo de ello.

La cinta, oscura e incómoda, así como explícita en algunos momentos, recopila de una forma brillantemente cruda acontecimientos que marcan un punto de inflexión en la vida de Norma Jeane, abarcando desde su cruda infancia hasta su prematura muerte, y que mantiene presente el ninguneo hacia una actriz que fue utilizada como objeto más que como persona, víctima del machismo borreguil e incesante.

Barnizada sobre un lienzo estilístico que combina junto al despliegue técnico de cambios de formato, color o vertiginosos movimientos de cámara, un barroquismo estético de excelso poderío visual, posee como incuestionable virtud la presencia de esa magnética intérprete llamada Ana de Armas encarnando un papel donde los mundanos elogios no tienen cabida.

En cuanto a la relativa importancia sobre saber en todo momento si lo que se muestra en pantalla es verídico o no, se debe tener en cuenta que el guión adapta la novela homónima de Joyce Carol Oates, que reinventa a modo de retrato ficticio la vida de Marilyn Monroe, algo que quizás nuble la mente de algunos, pero que desde luego nada resta a la que desde ya se postula como una de las grandes películas del año.

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De manera sorprendente llega a cines patrios el fenómeno que ha provocado vómitos y desmayos en miles de salas yankis, cuya rentabilidad en taquilla es proporcional a fenómenos como 'Paranormal Activity' o 'The Blair Witch Project' y que promete asentar un nuevo referente macabro en el cine de terror contemporáneo, Art the Clown. Sin duda, toda una atractiva estrategia en clave Twitter para vender la película a manadas adolescentes hormonados, parejas que busquen una excusa para meterse mano o el potencial público de Sitges. Ahora, ¿es para tanto?

La cinta recoge el testigo de su predecesora 'Terrifer', película de serie B (o Z) que servía como presentación formal para el personaje que Damien Leone había creado en sus cortometrajes previos, pero que carecía de cualquier tipo de desarrollo o profundidad narrativa más allá de mostrar la cantidad de personas estúpidas a las que era capaz de asesinar Art, lo cuál resultaba gozoso durante su primera media hora, pero terminaba por hundirse en su propia mediocridad formal conforme el metraje iba avanzando.

Seis años más tarde y con un presupuesto ligeramente superior (pero aún muy por debajo de los estándares actuales), nos encontramos con la verdadera historia de este asesino en slasher de autor que combina el mejor gore con lo sobrenatural para realizar un claro homenaje a algunas de las figuras más importantes del cine de terror como Freddy Krueger o Michael Myers.

Y, es que, 'Terrifier 2' posiblemente sea la película más bestia que un servidor recuerda haber visto en un cine convencional, donde la recreación exacerbada en plano detalle de cada uno de los crudos asesinatos que lleva a cabo su protagonista podrían encajar sin miramientos en las cintas más viscerales de la new french extremity, todo ello aderezando con un aroma añejo que perpetúa la esencia de su precursora y cuyo tratamiento narrativo resulta atractivo durante la mayor parte del filme.

Sin duda, estamos ante el nacimiento de una nueva franquicia, para lo bueno, y para lo malo

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Por lo general, la temporada de verano no suele ofrecer grandes estrenos. Priman las comedias familiares, alguna nueva entrega de la franquicia de turno e incluso este año se han atrevido en plena ola de calor a ofreceremos una historia navideña -¡grande Santiago!-. Pero menos mal que ha llegado Alex Garland ('Ex Machina', 'Aniquilación') para salvar el cotarro con la que personalmente es la mejor y más delirante película en lo que llevamos de año.

'Men' parte de una tragedia para adentrarnos en el duelo de una Jessie Buckley que decide retirarse a la campiña inglesa para encontrar la paz y la reconciliación personal. Atormentada por el reciente suceso, la cinta contrasta a través del naturalismo más esteta la sanación del personaje en un asombroso juego de imágenes y sonido, para posteriormente desembocar hacia una catarsis enardecida por el fantástico más aberrante, convirtiendo así a la cinta en toda una experiencia sensorial impregnada de enigmas e ideas radiantes acerca de conceptos como la violencia machista o la toxicidad masculina.

Garland demuestra que las palabras no son tan necesarias cuando las imágenes hablan, consiguiendo la trascendentalidad por medio de largas secuencias donde una prácticamente ausencia de diálogos despierta la verdadera razón de ser de un filme absolutamente brillante en sus formas, y que además exige al espectador una visión abierta para su disfrute. Una combinación tan importante como necesaria en estos tiempo donde las plataformas nos avasallan de contenidos tan mecanizados como vacuos.


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La mirada con la que un director dota a su creación está siempre de manera directamente relacionada con el momento vital en que este se encuentra. De modo que, una película como 'Candilejas' jamás tendría el mismo significado dentro de la obra de Chaplin de no haber sido realizada en 1952, autoconsciente de que su tiempo ya había pasado y culminando así uno de los legados con más trascendencia en la historia del cine.

Guardando las distancias, el polémico director francoargetino Gaspar Noé sufrió un derrame cerebral hace 2 años que dice haberle cambiado la perspectiva acerca de la vida y la muerte. A partir de esa nueva visión, y partiendo sobre ciemientos similares al de uno de sus filmes de cabecera -y también de un servidor- como es 'Amour' (2012) del maestro austriaco Michael Haneke, retrata los últimos días de una pareja de octogenarios de la forma más cruda posible, dispuesto a rompernos por dentro una vez más, eso sí, está vez sin sexo, violencia y (apenas) drogas.

Para adentrarnos en la rutina de la vejez, el enfant terrible nos propone un juego de imágenes que ya experimentó en su mediometraje 'Lux Æterna' (2019) a través de la proyección simultanea de dos sucesos con cámaras distintas sobre una pantalla partida, provocando de esta forma unas rimas entre secuencias análogas de una belleza plástica y narrativa visual excelsa. Esto podría verse como un mero capricho estético, pero la realidad es que en su mayor parte constituye un factor fundamental en el desarrollo de la cinta y la concatenación de secuencias, favoreciendo la libertad de improvisación que el cineasta impregna en sus intérpretes, el totémico director del giallo Dario Argento y la actriz de la Nouvelle Vague Françoise Lebrun.

Siendo posiblemente la obra más "accesible" de un director al que rara vez se le atribuye este calificativo, no por ello se muestra menos exigente con el espectador, ya que requiere de paciencia y dedicación durante su extendido metraje, donde el simple ocaso de sus personajes deambulando sobre la pantalla proboca por momentos el mayor de los desasiegos dentro de ese hiperrealismo descarnado. Una madura -en todos los sentidos- y terrenal pieza de autor que coloca a Noé no solo como uno de los cineastas modernos más interesantes y personales, sino capaz de demostrar la capacidad que tiene de reinventar su estilo sin perder su verdadera esencia.

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Cuando una nueva adaptación pop llega a la 'pequeña pantalla' parece inevitable que el fanatismo la siga como si de una plaga peor que el cordyceps se tratase. Hordas de gente se crea perfiles con el único fin de calificar de manera sobrevalorada y bajo su aparente inapelable criterio devoto, producciones a las que llevan rezando por su estreno durante años mientras el resto de mortales, posiblemente con una visión más imparcial, parecemos contemplar de forma esclarecedora la verdadera realidad que, con cierta decepción, no resulta ser esa ansiada panacea que venden.

Dicho lo cual, este episodio piloto posee sus virtudes, concretamente en ese arranque hacia el apocalipsis. Un brillante prólogo donde, si bien se sirve de sus precedentes para crear el más apoteósico de los escenarios, también posee una narrativa inteligentemente atractiva que logra combinar una atmosfera de incertidumbre con tour de force mientras nos vincula de manera afectiva con el personaje de Nico Parker y cultiva algunas de las aristas de personalidad de Pedro Pascal.

Por esto mismo, es frustrante cuando su segunda mitad no consigue estar a la altura, donde desde su fotografía, más cruda y menos inspirada, a su lenta presentación de personajes o su abrupta forma de revelar acontecimientos importantes lastran un poco esas ganas de continuar con la historia dentro de una semana.

Sin duda habrá que darle tiempo y pausa para ver si de verdad termina por llegar aquello que muchos ya intentan dilucidar.

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