"Ronin" tiene la cualidad de contar con unas escenas de acción muy bien ejecutadas, desde los tiroteos a las persecuciones automovilísticas, empalmadas una tras otra con tal maestría y ritmo que puedes llegar a perdonarle un guión inicialmente prometedor y que hace aguas en su segunda mitad, empezando por la inverosimilitud de todo lo que ocurre. Hay personajes que sobreviven con unos pocos rasguños a accidentes de coche mortales de necesidad. Otros reciben tiros a bocajarro... pero no pasan dos minutos hasta que les ves de nuevo en acción. La arbitrariedad con la que actúan la mayoría de personajes (empezando por el profesionalísimo y paradójicamente encoñado De Niro) y la participación de algunos misteriosos secundarios tampoco ayudan a entender muy bien qué está pasando.

Pese a todo, y tomada como una película de acción pura y dura de la vieja escuela, "Ronin" se deja ver y es tremendamente entretenida. Posiblemente la última película disfrutable de la carrera de un director muy venido a menos desde los lejanos tiempos de "El mensajero del miedo", "El hombre de Alcatraz" y, mi favorita, "El tren".

Aburrídisima puesta al día del éxodo hebreo de Egipto. Y hay que hacerlo muy mal para aburrir teniendo como material una historia tan extraordinaria. El elegido para llevarla de nuevo a la pantalla es Ridley Scott, cuya filmografía de los últimos quince años está compuesta de films cada vez más espectaculares y grandilocuentes (Gladiator, El reino de los Cielos, Robin Hood, Prometheus, Black Hawk Derribado), pero donde desgraciadamente las tres dimensiones se limitan a los efectos visuales, ya que los patéticos personajes que las protagonizan son absolutamente planos. Y sus guiones, en el mejor de los casos, tremendamente previsibles.

Exodus se parece a Robin Hood, y ésta al Reino de los Cielos, y ésta a Gladiator. La misma película con los mismos personajes. Los héroes son intercambiables entre sí. Y los villanos, de un carisma cercano al de un radiador (una sola mirada de Yul Brynner fundiría a Joel Edgerton y sus gestitos de tai-chi). Puros esterotipos. Cero empatía con nadie de los que ves en pantalla. Diálogos vacíos. Sopor en las escenas donde no hay acción. Porque ahí la cosa cambia. Si por algo vale la pena aguantar este tocho de dos horas y media es por una serie de escenas maravillosas donde los genios del CGI se ganan las habichuelas. El ataque de los cocodrilos, todas las escenas de plagas y la persecución y despeñamiento del ejército egipcio antes del cruce del mar Rojo son los únicos momentos donde llegué a vibrar. Desgraciadamente no pueden remontar por sí solos una película que se hace insportable.

El 3 es por esas escenas. Por lo demás, la versión de DeMille ("Los diez mandamientos") se mantiene a años luz con todas sus limitaciones técnicas.

Película disfrutable si eres consciente de lo que vas a ver. Si uno la encara con intención de encontrarse un nuevo hito del cine de ciencia-ficción pues... se estará equivocando.

"Avatar" es un film muy de su época, es decir: todo un espectáculo gráfico y visual, pero con muy poco contenido detrás de tanto 3D. Una historia mil veces vista y extremadamente simple con intención de que el espectador no se desvíe de lo que debe ser su centro de atención: las maravillas técnicas alcanzadas en cada plano.

El cine de antaño, con sus limitaciones técnológicas, estaba obligado a volarle la cabeza al espectador mediante grandes historias y personajes muy sólidos y carismáticos. Ahora el cine de acción está en manos de programadores de CGI.

Mi nota es de 7 porque me divertí en el cine viendo la sucesión de escenas de combate y de acción. Y nada más. Quizá mis expectativas eran muy bajas. Eso sí, no he vuelto a verla y no creo que jamás llegue a comprarla para revisionarla como me ocurre con otras películas de Cameron que no me canso de ver ("Aliens", "Terminator", "True lies").

He tardado más de dieciséis años en volver a verla tras su estreno en 2003. Y me ha quedado claro que por algo sería.

El cine asiático estaba en aquella época abriéndose paso, poco a poco, al gran público, y todo lo que nos llegaba de Oriente parecía fascinar a los espectadores más metidos en el cine "de culto" que hasta entonces habían tenido acceso al cine chinorri a través de muestras organizadas en pequeñas salas o mediante la adquisición de DVDs de importación a unos precios desorbitados. Y lo cierto es que la pasión con que hablaban estos aficionados sobre estas películas, quizá influidos por los 36 o 40 euros desembolsados por film, parecía abrirte paso a un valhala fílmico nunca antes conocido.

Y a decir verdad, aquel primer visionado de Oldboy me impactó. Más bien me incomodó. El tono del relato, entre cómico y sórdido, muy típico en muchas cintas orientales. La sobreactuación, también muy habitual en este cine. Unos personajes que se comportaban de forma un tanto ilógica. Y, cómo no, las tradicionales escenas gratuitamente impactantes por su violencia (básicamente la tapa de pulpo a feira poco hecho que se come el protagonista) que seguían la línea de autores a los que ya habíamos empezado a conocer (y yo personalmente a rehuir) como el japonés Takashi Miike.

Mi sensación fue la de haber visto una película diferente, que siempre vale la pena, con alguna escena memorable (el traveling del túnel con el protagonista enfrentándose a unos gangsters) y poco más. En cambio en mi entorno e incluso en el mundillo cinéfilo en general, Oldboy fue un pepinazo. La gente parecía haber vivido una epifanía durante su visionado. Eso sí, si les preguntabas qué les había gustado de la película, todo el mundo parecía coincidir: la escena del pulpo y la escena del túnel. De acuerdo, a mi también me llamaron la atención. ¿Pero algo más? Me parece muy poco para luego encontrarme este film valorado con casi ¡un 8! en Filmaffinity. Yo le puse un 6, con la sensación de estar perdiéndome algo. Y jamás quise volver a verla.

Así que, dieciséis años después me la encuentro en televisión y decido darle una segunda oportunidad. Quizá ahora sí estaba preparado para apreciar esta obra maestra.

Tras quedarme sobado a los veinte minutos (la sobremesa no ayudó mucho), a medio camino entre el interés por la extraña situación del protagonista y la antipatía que me generaba, insistí esa misma noche para verla al completo. Definitivamente este segundo visionado me ha abierto los ojos: Oldboy es una auténtica turra.

Además de los problemas citados más arriba que había detectado años atrás, las dos famosas escenas han dejado de impactarme. La del pulpo porque ya no cuentas con el factor sorpresa. Y además es una escena totalmente gratuita e insustancial. Y el traveling en el túnel, a día de hoy, me ha parecido tremendamente pobre, con un combate pésimamente coreografíado. Por lo demás, cuenta de forma enrevesadísima una historia de venganza de lo más simplona e incoherente, sumándole muchos detalles absolutamente demenciales, como el aspecto físico de alguno de los protagonistas que no cuadra en absoluto con la edad que deberían aparentar.

Para rematar, la historia está tremendamente alargada, su última hora se hace eterna. Pero, todo un clásico en algunos directores del lejano Oriente, añadir casquería fina y cuatro ramalazos de violencia, le sirve a Park Chan-Wook para firmar una obra "de culto" entre muchísimos cinéfilos. No teneis más que citar el título y siempre habrá alguien que salte al instante con un "¡Sí! ¡La escena del pulpo!". Pues eso.

"El Lute II: mañana seré libre" es la continuación de "El Lute: camina o revienta", película basada en la historia de un popular delincuente común de la época del Tardofranquismo, Eleuterio Sánchez "El Lute", y que fue dirigida por el mismo director que su secuela, Vicente Aranda. "Camina o revienta" se centraba en las vicisitudes de El Lute, un humilde merchero al que, en los años 60, su precaria situación económica le impulsa a participar primero en pequeños hurtos que acabarán conduciéndole finalmente a colaborar en un atraco con resultado de homicidio. Como consecuencia, El Lute da con sus huesos en la cárcel para descubrir de la forma más cruda y cruel cómo se las gastaba la Policía durante el Franquismo, especialmente la Guardia Civil, así como su absoluta impunidad dentro y fuera de sus cuarteles.

"Camina o revienta" se rodó en un tono conciso e hiperrealista y se ceñía a los inicios de la biografía delictiva de Eleuterio Sánchez. El film desprendía ante todo autenticidad, tanto en los sucesos relatados como en las interpretaciones de sus actores principales (Arias y Abril por encima de todos). Una autenticidad reflejada especialmente en la desesperación y obstinación de El Lute por evitar su oscuro destino, sobre todo en una segunda mitad del film centrada en la dramática y casi suicida huida del tren que conduce a El Lute a prisión.

En cambio con "El Lute II: mañana seré libre" nos encontramos ante una de las primeras incursiones del cine español en el género de los superhéroes. Al menos ésa es la conclusión a la que llegué tras terminar de verla entre alucinado y consternado. "Mañana seré libre" retoma la historia de El Lute tras su captura al final de la primera parte. El Lute es trasladado al Penal del Puerto de Santa María, donde (y aquí hay que leer entre líneas este sorprendente guión) el Gobierno le utiliza en una serie de experimentos secretos que le convierten en un mutante de poderes extraordinarios. Cual pupilo del profesor Charles Xavier, El Lute hace gala de una fuerza, velocidad, resistencia física y psíquica y una capacidad de metarfosearse asombrosas. Ése es Eleuterio Sánchez en "El Lute II".