Christopher Nolan se enfrenta en The Dark Knight Rises (El caballero oscuro: la leyenda renace) a un reto casi imposible, estar a la altura de sus predecesoras.

Batman Begins estableció las bases de lo que ha sido esta trilogía, y se puso a la altura de las obras de Batman rodadas por Tim Burton. Pero fue The Dark Knight (El caballero oscuro) la película que colocó el listón a una altura prácticamente inalcanzable.

Se observa a lo largo de todo el metraje, el intento de Nolan por superarse, haciendo de esta tercera entrega una película más grande y más costosa. La consecuencia directa no es una mejora de la calidad, sino una trama que se diluye, que se distrae, que por momentos toma desvíos que la conducen a dar rodeos innecesarios, mientras que en otros se decide por atajos que la hacen precipitarse.

Toda la trama esta supeditada a la exigencia de una épica descomunal que lleve a la trilogía a un cierre espectacular y a la altura de las circunstancias, lo que lleva a Nolan a tomar ciertas decisiones en el guión que se observan forzadas y artificiales.

Y es esta la principal debilidad de la película. Pues The Dark Knight Rises comienza con un Batman más atormentado que nunca, tanto física como psicológicamente. Vemos a un héroe frágil y decadente, vencido por las circunstancias, en definitiva, humano, muy humano (siguiendo así la propuesta de las anteriores entregas). Sin embargo, obligado por las exigencias autoimpuestas por su director, la película poco a poco va traicionándose a sí misma mediante el abandono de la verosimilitud en favor de la espectacularidad y los giros de guión (que buscando la sorpresa del público olvidan la coherencia de la narración).

La consecuencia última de todo esto, es que por primera vez, dejamos de ver un hombre para ver un superhéroe, y nos acercamos así a la infinidad de películas existentes sobre personas con poderes especiales. Algo, que al menos a mí, se me antoja menos atractivo.

De la misma manera, si anteriormente la trama se acercaba más al thriller policiaco, ahora se tiende a concentrar la atención en la acción. Lo que antes eran dilemas morales (todavía quedan algunos aquí, cierto es), ahora son hostias, lo que antes se solucionaba por el ingenio, la constancia y la voluntad, ahora se resuelve a tiro limpio (en esto se parece más a Batman Begins).

Es decir, la grandilocuencia propia del cine de Nolan sigue presente (en dosis mayores incluso), pero se nota la ausencia de una historia original y congruente. Sobran escenas donde un personaje aparece de la nada en el último suspiro para salvar a otro, donde el malo perdona la vida al bueno seguro de que la victoria no se le escapará.

Bane es un buen enemigo, pero por supuesto no es el Joker, inmenso, de la predecesora.

Dicho todo esto, The Dark Knight Rises no es una mala película. Tiene emoción, escenas espectaculares muy bien rodadas, algunos personajes atractivos (Catwoman, bien interpretada por Anne Hathaway), conserva cierta profundidad. Simplemente, no es como podía esperarse, una película especial.

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No es de extrañar que Tarantino eligiera a Big Bad Wolves entre sus películas favoritas de 2013. La utilización de la violencia, la presencia de personajes gustosos de exhibir su sadismo, la mezcla de ritmo pausado y momentos extremos, y la utilización de la música recuerdan mucho a sus propios trabajos.

Pero esta película israelí, dirigida por Aharon Keshales y Navot Papushado, tiene una personalidad propia, construida a partir de otros muchos referentes. La obra de Los Coen se encuentra muy presente es esta comedia negrísima, sobre todo en su primera mitad. Los personajes caricaturizados, la imprevisibilidad de sus acciones, una trama que se enrevesa, y el humor absurdo recuerdan a películas como Fargo o El hombre que nunca estuvo allí.

La combinación de sátira y tragedia recuerda a films de Bong Joon-ho como Memories of Murder o Mother. Pero además podemos extraer muchos elementos argumentales de La Caza de Thomas Vinterberg, Prisioneros de Denis Villeneuve o Hard Candy de David Slade.

Big Bad Wolves recoge, por tanto, innumerables referencias para construir un universo propio, bañado de humor negro y mal rollo. Ridiculiza la tragedia de sus tres personajes principales, a los cuales maltrata y de los cuales se burla. Y nos descubrimos riendo y pasándolo mal.

La producción es exquisita, con un excelente tratamiento de la música. Sus actores son efectivos y su guión inteligente. Como ejercicio de estilo es sobresaliente, y como película notable.

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En 2011 llegó una miniserie compuesta por tres capítulos independientes entre sí llamada Black Mirror.

El nexo de unión entre estas tres historias era una reflexión sobre la amenaza de las nuevas tecnologías y de los medios de comunicación. Cada una de ellas constituía una pequeña película de 40 minutos, de una calidad y una profundidad analítica y crítica admirables. Juntas, sin embargo, conformaron una visión pesimista y estremecedora del ser humano, cuya simbiosis con la tecnología lo había deshumanizado.

Este tema ha sido tratado en otras ocasiones, pero difícilmente puedo recordar un ejemplo de una verosimilitud, una cercanía y una inteligencia similares. Y con cada uno de los tres capítulos, la exhibición de talento de su creador (ayudado por diversos directores) se me antojaba más y más sorprendente.

Be Right Back es el primer capítulo de la segunda temporada. Y el nivel, de nuevo, es excelente (cierto es que las otras dos historias que la completan, White Bear y The Waldo Moment, aunque siendo interesantes, no logran hacerle sombra).

Si anteriormente Brooker se cuestionaba la deshumanización que sufrimos, preguntándose por la diferencia entre nosotros y las máquinas cuando desaparece aquello que nos hace humanos (entiéndase los sentimientos y la libertad), ahora en Be Right Back parece querer ir más allá todavía.

Ahora, a este proceso se le añade el contrario: la humanización de las máquinas. No es una humanización real, ya que sólo adoptan la apariencia y el comportamiento de una persona, nunca lo que fluye por dentro de esta.
Sin embargo, la sensación resultante en el espectador es de una terrible confusión, al sumergirse en un escenario donde es difícil diferenciar la carne del metal, los sentimientos espontáneos de los mecanismos programados.

Martha, pierde a su novio Ash en un accidente de tráfico, y se encuentra con la posibilidad (“terapéutica”) de sustituirlo (“temporalmente”) por un software que recopila toda la información que este ha dejado en las redes sociales para conformarse una personalidad muy semejante a la del difunto. De esta manera, Martha puede recuperar parcialmente a Ash, o al menos aliviar el dolor de su ausencia.
De manera rápida, casi espontánea, nos horrorizamos ante semejante panorama. Compartir tu vida, tus pensamientos, tus emociones, lo más íntimo, lo más personal con alguien que no es alguien sino algo, que no es otra cosa que un sistema informático que simula una vida.
Sin embargo, vemos que los sentimientos que este produce en Martha son reales, y nos preguntamos: ¿es entonces real la vida que esta viviendo Martha? Parece claro que al menos lo es en parte. Pero ¿donde va a parar todo lo que Martha dice o hace si su receptor en verdad no existe?

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