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Críticas de opera 0
8 de julio de 2008
7 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
En una España imaginaria, estilizada (cualidad necesaria en toda obra artística trabajada intelectualmente), en la que se mezclan sueño, pompa vienesa, carnaval veneciano y farsa, Josef von Sternberg narra una historia de perdición amorosa, de degradación y locura.
Desde su inicio, en unas calles abarrotadas por el inicio del carnaval que acentuará el carácter de farsa y de irrealidad de lo que sucederá durante el metraje, Sternberg se muestra pletórico, eléctrico, original, mágico en sus soluciones narrativas. La utilización de la banda sonora es muy inteligente (tonos trágicos para la inicial aparición de la guardia civil, temas españoles que acentuan el fatalismo festivo de la historia), la fotografía da relieve onírico al escenario y los actores realizan su labor con extraña perfección.
La labor artística de Sternberg alcanza aquí uno de sus puntos culminantes, incluyendo matices, elementos desconcertantes, acertando en la interacción entre escenario-acción, modulando el tono de su obra desde lo cómico-bufonesco a lo trágico, regalándonos un final de perfección inexplicable... Una auténtica obra maestra que hereda las virtudes del cine mudo en cuanto a su expresividad (gesticulación de los actores, decorado, climatología, humo...) y muestra a Dietrich en toda su grandeza artística.
Desde su inicio, en unas calles abarrotadas por el inicio del carnaval que acentuará el carácter de farsa y de irrealidad de lo que sucederá durante el metraje, Sternberg se muestra pletórico, eléctrico, original, mágico en sus soluciones narrativas. La utilización de la banda sonora es muy inteligente (tonos trágicos para la inicial aparición de la guardia civil, temas españoles que acentuan el fatalismo festivo de la historia), la fotografía da relieve onírico al escenario y los actores realizan su labor con extraña perfección.
La labor artística de Sternberg alcanza aquí uno de sus puntos culminantes, incluyendo matices, elementos desconcertantes, acertando en la interacción entre escenario-acción, modulando el tono de su obra desde lo cómico-bufonesco a lo trágico, regalándonos un final de perfección inexplicable... Una auténtica obra maestra que hereda las virtudes del cine mudo en cuanto a su expresividad (gesticulación de los actores, decorado, climatología, humo...) y muestra a Dietrich en toda su grandeza artística.
14 de enero de 2008
6 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El póker de la muerte narra una serie de asesinatos que tienen lugar después de una oscura partida de cartas.
Original Western a ratos notable, por lo general bien narrado ( escueto y tenebroso inicio, en general las muertes son un ejemplo de tenebrosa concisión ), interesante por su atractiva puesta en escena y sus actores. Adolece empero de defectos que le impiden aspirar a más: La narración tiene lagunas, se acerca por momentos al esperpento fácilmente efectista. La descripción de algunos personajes es demasiado superficial, carece de matices. Focaliza en exceso el mensaje de la película en la violencia, en personajes cuyas violentas motivaciones son de dudoso orígen, de nuevo por la falta de matices. La música de Maurice Jarre pasa desapercibida durante el metraje, y la canción inicial es más propia de modas coyunturales que de un intento serio de ambientar o dotar de más significado a la película.
A pesar de poseer calidad se circunscribe, en mi opnión, dentro de una tendencia muy presente en los sesenta y setenta ( precedente o influencia del western italiano ) consistente en reducir al western a una especie de género caricaturesco, de juego superficial de rufianes, en el que la violencia fácil y personajes más propios de tebeo campan a sus anchas careciendo de cualquier rasgo de humanidad que les dote de complejidad.
El western siempre fue (además de violencia) aventura, naturaleza, amor, honor, leyenda, reflexiones a veces más primarias y a veces más profundas, muerte, inocencia, nacimiento de la vida, redención personal... El póker de la muerte es, a ratos una buena, notable, incluso fugazmente excelente obra, y es en otros superficial, efectista y plana.
Original Western a ratos notable, por lo general bien narrado ( escueto y tenebroso inicio, en general las muertes son un ejemplo de tenebrosa concisión ), interesante por su atractiva puesta en escena y sus actores. Adolece empero de defectos que le impiden aspirar a más: La narración tiene lagunas, se acerca por momentos al esperpento fácilmente efectista. La descripción de algunos personajes es demasiado superficial, carece de matices. Focaliza en exceso el mensaje de la película en la violencia, en personajes cuyas violentas motivaciones son de dudoso orígen, de nuevo por la falta de matices. La música de Maurice Jarre pasa desapercibida durante el metraje, y la canción inicial es más propia de modas coyunturales que de un intento serio de ambientar o dotar de más significado a la película.
A pesar de poseer calidad se circunscribe, en mi opnión, dentro de una tendencia muy presente en los sesenta y setenta ( precedente o influencia del western italiano ) consistente en reducir al western a una especie de género caricaturesco, de juego superficial de rufianes, en el que la violencia fácil y personajes más propios de tebeo campan a sus anchas careciendo de cualquier rasgo de humanidad que les dote de complejidad.
El western siempre fue (además de violencia) aventura, naturaleza, amor, honor, leyenda, reflexiones a veces más primarias y a veces más profundas, muerte, inocencia, nacimiento de la vida, redención personal... El póker de la muerte es, a ratos una buena, notable, incluso fugazmente excelente obra, y es en otros superficial, efectista y plana.
Desconocidos
24 de diciembre de 2008
5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El bajo presupuesto, para ser superado como dificultad, requiere por parte del director de un filme talento, imaginación y pasión. Joseph H.Lewis poseía estas características.
Acostumbrado a moverse en la serie B, Lewis nos muestra una sencilla historia exhibiendo un gran dominio de la técnica cinematográfica (ideas como la presentación de cada pistolero que llega a la ciudad y la manera de avisar de su llegada por parte de una lugareña, la violencia de los momentos de acción, las sombras proyectadas en la cárcel como metáfora de la situación del protagonista, diversos movimientos de cámara que dotan de dinamismo a una historia carente de ello...), con buenos actores (en especial Scott), pero carente de la brillantez de otras de sus obras en el cine negro (vg; Gun Crazy, Agente Especial).
Western dinámico (a pesar de lo estático de su planteamiento incial), bien dirigido, sorprendente por momentos, Una calle sin ley adolece de falta de profundidad en algunos de sus puntos argumentales, defecto que le impide situarse en el terreno de la excelencia.
Acostumbrado a moverse en la serie B, Lewis nos muestra una sencilla historia exhibiendo un gran dominio de la técnica cinematográfica (ideas como la presentación de cada pistolero que llega a la ciudad y la manera de avisar de su llegada por parte de una lugareña, la violencia de los momentos de acción, las sombras proyectadas en la cárcel como metáfora de la situación del protagonista, diversos movimientos de cámara que dotan de dinamismo a una historia carente de ello...), con buenos actores (en especial Scott), pero carente de la brillantez de otras de sus obras en el cine negro (vg; Gun Crazy, Agente Especial).
Western dinámico (a pesar de lo estático de su planteamiento incial), bien dirigido, sorprendente por momentos, Una calle sin ley adolece de falta de profundidad en algunos de sus puntos argumentales, defecto que le impide situarse en el terreno de la excelencia.
8 de julio de 2008
18 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Orfeo de Jean Cocteau es, a mi parecer, un filme endeble, que tiene su mayor interés si se observa como expresión de la personalidad de Cocteau.
Cierto es que posee una originalidad atrayente, un tratamiento artístico de la historia que merece mi respeto, pero no puedo evitar creer que existe en el fondo por parte de Cocteau cierta falta de comprensión del medio cinematográfico.
Cocteau aplica ciertas corrientes artísticas de vanguardia tendentes a mostrar abstractamente una historia que no lo necesita pues ya es abstracta desde su concepción. La historia de Orfeo ya es compleja en su simplicidad (sabiduría de los clásicos) y no necesita nuevas redundantes relecturas que desorienten al espectador.
Orfeo es una obra de cierta valía en sus soluciones plástico-escenográficas(efectos visuales y planteamiento estético de algunas escenas), pero es un auténtico fracaso desde el punto de vista de su planteamiento dramático-cinematográfico (descripción de personajes pobre en su mayoría, determinadas escenas mal construídas o directamente carentes de interés...).
Cierto es que posee una originalidad atrayente, un tratamiento artístico de la historia que merece mi respeto, pero no puedo evitar creer que existe en el fondo por parte de Cocteau cierta falta de comprensión del medio cinematográfico.
Cocteau aplica ciertas corrientes artísticas de vanguardia tendentes a mostrar abstractamente una historia que no lo necesita pues ya es abstracta desde su concepción. La historia de Orfeo ya es compleja en su simplicidad (sabiduría de los clásicos) y no necesita nuevas redundantes relecturas que desorienten al espectador.
Orfeo es una obra de cierta valía en sus soluciones plástico-escenográficas(efectos visuales y planteamiento estético de algunas escenas), pero es un auténtico fracaso desde el punto de vista de su planteamiento dramático-cinematográfico (descripción de personajes pobre en su mayoría, determinadas escenas mal construídas o directamente carentes de interés...).
3 de septiembre de 2010
11 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Leyendo el libro sobre Nicholas Ray escrito por Jean Wagner (Cátedra, 1994) volvió a asaltarme la sensación de que determinadas obras como Rebelde sin causa se benefician en exceso de interpretaciones metafísicas que tienden al debate extracinematográfico consistente en el análisis meramente temático o la búsqueda desesperada de mimetismos, rasgos de autor.
La excesiva proliferación de este tipo de análisis deja huérfano al diletante cinematográfico de verdaderos análisis sobre el contenido de las obras; puesta en escena, guión, fotografía, interpretaciones...
Rebelde sin causa es un filme sustentado en un sorprendentemente mediocre guión (confeccionado por el discreto guionista Stewart Stern) que, de manera pretenciosa, intenta crear un solemne melodrama desde situaciones, personajes y desarrollo artificiales y poco trabajados desde la base, dando la impresión de que su único fin es la transmisión de un determinado mensaje o tesis. Grandilocuente, convencida de su importancia, Rebelde sin causa fue resultado de una concepción despreciativa del espectador exponiendo un mensaje demasiado evidente, poco sutil, plano, que es subrayado hasta la saciedad.
La excesiva proliferación de este tipo de análisis deja huérfano al diletante cinematográfico de verdaderos análisis sobre el contenido de las obras; puesta en escena, guión, fotografía, interpretaciones...
Rebelde sin causa es un filme sustentado en un sorprendentemente mediocre guión (confeccionado por el discreto guionista Stewart Stern) que, de manera pretenciosa, intenta crear un solemne melodrama desde situaciones, personajes y desarrollo artificiales y poco trabajados desde la base, dando la impresión de que su único fin es la transmisión de un determinado mensaje o tesis. Grandilocuente, convencida de su importancia, Rebelde sin causa fue resultado de una concepción despreciativa del espectador exponiendo un mensaje demasiado evidente, poco sutil, plano, que es subrayado hasta la saciedad.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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