La película está muy bien realizada y cuidada. Las interpretaciones son muy buenas, mención especial a un Di Caprio, genial. La música es muy buena y el juego de planos es excelente, durante todo el film

La escena de las pastillas Lemon es excepcional, creo que ocupará un hueco en los mejores momentos de las películas de Scorsese. La repetición de tantas escenas de sexo y drogras están injustificadas. Para mi, sobran más de una. A la historia, le falta cierta reflexión, me parece demasiado simple.

El film dura tres horas, pero el ritmo de la película es adecuado, por lo que, no se hace pesada.

Conclusión: es una película notable, que recomendaría sin ninguna duda, a pesar de dos o tres "fallitos", que la alejan de tener una nota mayor. Al público que no le guste el abuso de escenas de drogas y sexo en las películas, posiblemente, no le gustará el film.

Segunda película de Pier Paolo Pasolini, que se convierte en una obra representativa del cine italiano de los sesenta. Neorrealista, basada en las duras condiciones que sufría el proletariado de la posguerra en Italia, “Mamma Romma” retrata con crudeza las vejaciones a las que se ve sometida Carmine (Anna Magnani), para sacar a su hijo adelante.

Argumento y trama se tornan escasos en una buena película, pero no brillante. La película carece de vigorosidad y emoción, permanece lineal e impasible hasta el final. El papel tan alabado de Anna Magnani no merece tantos vítores; sobreactúa en varios tramos. Silvana Corsini sí realiza un papel notable. La fotografía y la banda sonora son lo más destacado de una película que te deja frío. No convence.

NOTA: 6,5

White God es una película atípica y ambiciosa en su inicio y reiterativa y convencional en su final.

Un perro, Hagen, es el protagonista principal de esta historia (de ahí su valentía inicial). Gobernará el film. Una propuesta, desde luego, muy loable y atrevida.

La película tiene tres partes claramente diferenciadas y dos tramas principales.
El film se divide en: contextualización de la historia, desarrollo de la misma (Hagen abandonado intenta sobrevivir en la calle) y el desenlace final, lleno de distopía, excesos y emotividad.
La película está formada por dos tramas: la historia de Hagen y la vida familiar de Lili, su dueña.

Como dice el crítico Luis Martínez del diario El Mundo, White God es una fábula moral eficaz; cumple su cometido. White God también son varias películas en una: es terror, es suspense, es drama y es acción.

La primera parte del film es correcta en ritmo y claridad narrativa; la segunda mitad, la odisea de Hagen, y la tercera, se caracterizan por un exceso de metraje, sobre todo la última fase (muy reiterativa). Se podría haber economizado mucho mejor el tiempo. Una película dura y cruenta en su desarrollo, que desembocará en un final tremendamente emotivo y eso sí, convencional. La película se domestica con el paso de los minutos y es una pena, dado su atrevido planteamiento inicial.

White God también cojea en la subtrama que explica la vida familiar de Lily. Su padre está dibujado con confusión y su relación con él se transforma de una forma forzada y brusca. Quizás, Kornél Mundruczó, director del film, quiso abarcar demasiados temas. Aún así, White God se caracteriza por un acabado visual totalmente elogiable que nos regala escenas netamente sobrecogedoras, que de otra manera no podían haber sido concebidas.

Por todo ello, White God es una película diferente que merece una oportunidad, a pesar de sus imperfecciones.

NOTA: 6,7.

Probablemente lo que más funcione es su factura clásica. Es muy convincente como peli homenaje del cine clásico romántico; del cine sencillo, directo. En definitiva, de un modo de proceder más raro actualmente.

Por otro lado, es de marcado carácter humorístico e irónico. Pareciera que Kaurismaki se riera de su propia manera de confeccionar el humor, llevándolo hacia lo ridículo, a veces, y hacia al patetismo en otras. Aún así hay muchas escenas que en este sentido me han parecido fallidas. Por ello, no me ha gustado la peli. Queda pendiente si en el futuro, conociendo más a Kaurismaki, pueda entender aspectos de estas escenas o del cine nórdico en particular que arrojen luz donde hoy solo veo fallas.

Cría cuervos… es:
• Comprometida:
- Es crítica con la sociedad y el modus operandi franquista: la represión y el machismo imperante. Es una película irreverente y feminista.
- Es crítica con la vertiente militar, extensible a la élite franquista. Hipocresía.
¿Cómo realiza la crítica?
- Con símbolos (de forma encubierta) y elipsis narrativas, a través de planos muy intencionales o escenas presuntamente amables pero que encierran mucha intención detrás. Ej: el affair del padre con el uniforme militar o el juego interpretativo de las tres niñas, en las que Ana reivindica el papel igualitario de la mujer.
• Riqueza narrativa: muy imaginativa (para saltarse la censura) con elipsis y simbología encubierta; onírica (combina ficción y realidad, pasado y presente…) por lo que exige concentración al espectador.
• Intimista y psicológica: el argumento encierra la evolución dramática de Ana, tras la muerte de sus padres y las consecuencias que todo ello acarreó en su personalidad, pensamiento y acciones. La infancia como antagonía de tiempos paradisíacos e idílicos. La puesta en escena y la estética de la película son muy adecuadas y coherentes con este proceso (mucha filmación en interiores pétreos, viejos y oscuros, con la justa iluminación).
• Ana Torrent y su habilidad para transmitir con la mirada (ternura, inocencia, miedo, horror, tristeza, ansiedad, angustia u odio). Una de las interpretaciones más impactantes de la historia del cine español.

Una película valiente y elegante por su crítica y su modus operandi; y al fin y al cabo, contribuidora del cambio de conciencia social para superar la etapa franquista. Un film muy importante en la historia de España por su compromiso, su ejercicio narrativo (huidizo de la censura) y por Ana Torrent.