Creo que no es una opinión muy compartida, pero a mí me parece la mejor película de Woody Allen. Tiene, en sus justas dosis, todo lo que debe tener, los elementos característicos que han ido definiendo su filmografía: el humor negro, el existencialismo, el miedo a la muerte, la comedia romántica, el patetismo. Después de todo, probablemente, el propio título indica que se van a deconstruir todos sus elementos habituales, y así es. Y lo hace tan bien que ni siquiera creo que haga falta ver más películas de Allen para entender cuáles son los elementos con los que suele jugar y disfrutar más de ésta; es decir, me parece buena película para quien quiera empezar a conocer su obra.

Esta película no es sólo revolucionaria para la época en la que se estrenó; es revolucionaria para la actualidad. Al fin y al cabo, es de eso de lo que trata: de revolución, es decir, de subvertir el sistema establecido para tratar de resolver las injusticias por las que una parte de la población está condenada a la miseria. Pero eso no es tan fácil. Las propias personas oprimidas no pueden ponerse de acuerdo: los mexicanos y los blancos por un lado, los hombres y las mujeres por otro, se enfrentan entre sí por sus prioridades. Las opciones son claras: pueden seguir peleándose entre ellos por las migajas que les dan los patrones, o pueden unirse para adquirir suficiente fuerza para exigir a los patrones que se cumplan los derechos de todos ellos. Un fenómeno que ocurre muy a menudo, por desgracia. Bueno, es que de hecho está basada en hechos reales y algunos personajes básicamente se interpretan a sí mismos. Esta película, como es lógico, no fue muy bien recibida en los Estados Unidos de la caza de brujas anticomunista: el director Herbert J. Biberman fue encarcelado; buena parte del elenco no llegó a pisar la cárcel pero sí fueron incluidos en la infame lista negra de Hollywood. Y de este elenco, especial atención a Rosaura Revueltas, porque su papel como Esperanza Quintero es brillante; se me quedó grabada la frase “no quiero a nadie debajo de mí, ya estoy bastante abajo”.

El miedo a la muerte es un tema recurrente en Bergman y, a modo de lo que quizá pueda ser considerada una catarsis, le ha servido para crear obras maestras como ésta. Y es que no es sólo el miedo a la muerte, sino todo lo que rodea a este miedo: la pérdida de la familia, el debate sobre la existencia de Dios, el ánimo de trascender y dejar un legado, el deseo de dar marcha atrás en el tiempo para volver a aquellas fresas salvajes de la infancia. El conseguir juntar todas estas vertientes y perspectivas del mismo tema en una sola película de manera fluida, sin que parezca en ningún momento artificial, es un mérito al alcance de pocos.

No sé de quién es el mérito de esta película, si de Oliver Stone o de Tarantino, dadas las luchas que tuvieron por ello; así que directamente no entraré en discutirlo y diré que, sea de quien sea, me parece muy buena. Es una metacrítica de la violencia que resulta violenta. No es sutil. Salta de género en género muy bruscamente, y para ello usa recursos relativamente originales, pero nada elaborados: no hace falta un análisis muy sesudo para deducir lo que la película trata de explicar. Sin embargo, para mi gusto, esto no son defectos: funciona estupendamente tal y como es.

No he leído la obra en la que se basa, así que, limitándome a valorarla como película y no como adaptación, me parece realmente buena. La puesta en escena cautiva, un ambiente bien reflejado con ciertos toques de fantasía. Es cierto que usa algunas recetas fáciles: algunos de los personajes no tienen grises morales, sólo son muy buenos o muy malos porque es el papel que deben cumplir en la película; no me parece, sin embargo, que esto suponga un lastre. Las actuaciones son casi todas muy buenas, destacando, como creo que coincidimos todo el mundo, la de Michael Clarke Duncan.