Atraco a las tres no es Rufufú, ni Topkapi, ni se parece a cualquier afortunada sátira de las películas de robos perfectos, como Rififí a la americana. Ni tan sólo alcanza el guión de Los dinamiteros, a pesar de las limitaciones de este último film. Atraco a las tres es una buena realización de Forqué con un muy mal guión de Pedro Masó.
No hay que confundir el argumento, muy atractivo e incluso con grandes posibilidades de hacer una eficaz crítica social, con el guión, tan torpe como la mayoría de los de Masó, el mayor cultivador de tópicos del cine español clásico.
Las posibilidades de la historia se derrumban por el modo en que se plantea el robo, pero también por la sucesión de chistes fáciles y gags sin ingenio que recorren la película hasta convertirla en un rosario de supuestas gracias de Cassen, Gracita o López Vázquez. Torpezas como el coche mal conducido que choca o la operación del personaje de Cassen son dignas de Masó, pero no de ninguna obra maestra.
Hay aciertos parciales, momentos de gracia e incluso una crítica a los que dirigen el banco medio aceptable, pero no justificación de la situación planteada, ni de los motivos de los personajes para robar.

Opera prima de Julio Buchs que no lo parece por la madurez de la realización. Bien dirigida, con un guión digno sobre un hijo de papá(Arturo Fernández) que aprende a ser responsable y sufre el conflicto de no saber cuál de las dos mujeres enamoradas de él (Susana Campos y Angela Bravo) es la que le conviene. Su atractivo principal es la ambientación en la entonces colonia española de Guinea. Su defecto, la idealización de dicha colonia, donde no sólo no hay racismo, sino que los negros son tratados tan ejemplarmente por los blancos que parecen vivir en el paraíso.
Excelente fotografía de los espectaculares paisajes africanos, descripción de danzas negras y tala de árboles; lograda tensión dramática entre el trío de principales protagonistas. Incluso el moralista sacerdote de color cae simpático, cuando podía haber resultado ridículo.
Este film, que obtuvo el exagerado primer premio del Sindicato del Espectáculo, pertenece a una serie de agradables films románticos que rodó Arturo Fernández a principios de los sesenta (El último verano, Bahía de Palma, Sol de verano, Jandro...).

"Calabuch" es uno de los títulos menos actuales de Berlanga, con "Bienvenido, Mr. Marshall", "Novio a la vista" e incluso "Esa pareja feliz". Todos esos films pertenecen irremediablemente no sólo a una época desaparecida, sino a una visión amable e irónica de la vida que no tiene cabida en nuestra conciencia actual de la realidad. El propio Berlanga se sentía descontento al recordar esa visión idealizada de un imposible pueblecito español. Tampoco hay mucho ingenio en el guión, salvo en la divertida sátira de una cárcel en donde los presos entran y salen a su antojo.
Es inútil buscar en Calabuch una doble lectura. No es un film político (Berlanga nunca los hizo), sino una historia de humor blanco, con una crítica desmayada a la guerra fría y una descripción pintoresca de personajes que no logran convencernos. Tiene el estilo de "Pan, amor y fantasía", es decir, es un neorrealismo descafeinado.
Un sabio atómico que huye de Estados Unidos se refugia en un pueblo pesquero español y acaba resolviendo los pequeños problemas de sus habitantes, incluido ganar un concurso de fuegos artificiales. El amor, el humor fácil e incluso el patriotismo un tanto folklórico se mezclan para dar una imagen bondadosa y tierna de la gente sencilla. Pero aquí no se logra el resultado artístico de "Mi tío", de Tati o "La ladrona, su padre y el taxista", de Blasetti. En "Calabuch" todo es bastante plano y cómodo, como en una producción de Pedro Masó., aunque hay que reconocer que los diálogos son de calidad.
Queda en pie el pulso narrativo, el colorido descriptivo y la entrañable personalidad de los actores, especialmente el inolvidable Edmund Gwen. Se ha exagerado con el valor de la mayoría de las películas de Berlanga. Es un autor al que no perdona el tiempo, si exceptuamos "El verdugo".

Un excelente guion basado en un hecho real permite narrar con claridad clásica la esperpéntica historia de un oficial alemán (Hardy Krüger) que queda atrapado en la tela de araña que tejen las tensiones entre los generales que han de defender la costa de Francia. Ese oficial está destinado a una división en Normandía, pero su tío (Martin Held), general en París, le pide el anecdótico favor de que haga de espía, sin riesgo alguno, por un rato.
Ese es el punto de arranque de uno de los dramas bélicos más angustiosos que jamás haya producido el cine, pues ese rato de espionaje se convierte en una trampa trágica, una especie de callejón sin salida que obliga a un inocente a pasar por traidor ante sus propios mandos.
La película, muy bien realizada por Paul May, no hace ninguna concesión comercial. Incluso el fugaz romance que incluye con una miembro de la Resistencia (Marianne Koch) expresa la frustración que preside el destino de los personajes principales.
La idea esencial del film (idea tomada de la realidad de la II guerra mundial) consiste en el absurdo del heroísmo inútil; en un hombre de honor que tras cumplir con su deber recibe un castigo en vez de un premio. Nadie quiere el mal que recibe el protagonista, pero a su vez todos se ven impotentes para ayudarle a salvarse.
Como ocurre en "Senderos de gloria" se condena lo injusta que puede ser la guerra cuando un sincero patriota acaba perdido en el maquiavélico laberinto en el que le han invitado a entrar sus propios jefes militares.

Esta adaptación del famoso ballet de Falla cuenta con un excelente guión y una magistral dirección. Rovira Beleta consiguió un drama denso, de enérgico ritmo, con imágenes de gran plasticidad y severo realismo. La belleza y la fealdad se mezclan en esta historia de amor y terror protagonizada por una mujer (La Polaca) acosada por un gitano sin escrúpulos (Rafael de Córdoba). Es tanto el miedo que inspira ese hombre a la protagonista que no se siente protegida ni por aquel a quien ama (Antonio Gades), de manera que está dispuesta a aceptar una relación amorosa que le repugna para conjurar el peligro.
Destaca el espectacular número coreográfico de las azoteas, con el que se expresa la obsesiva angustia de la gitana a través de la multiplicación del rostro de su enemigo en todos los bailarines. E igualmente la original interpretación que hace el film de la danza del fuego, con una salvaje pelea que acaba en incendio.
La película tiene una fuerte personalidad y una narrativa cinematográfica de gran fuerza expresiva y estilo. Tanto la naturalista ambientación en un barrio pobre próximo a un puerto como las espectaculares luchas con navajas poseen un fuerte sabor a realidad. Al igual que ocurre en la vida, donde todo no es enteramente bueno o malo, Rovira Beleta contrasta la aspereza de las secuencias desagradables con una bella puesta de sol o una serena noche de luna.
A pesar de ser un musical, ni los bailes ni las danzas agobian, pues se intercalan oportunamente en el argumento, hasta el extremo de estar asistiendo más a un drama e incluso a una historia de suspense y terror que a un ballet clásico.
Sorprende el talento que manifiestan los principales intérpretes, pues su profesión no es la de actor, sino la de bailarines. En especial La Polaca hace una interpretación de una psicología atormentada absolutamente impecable.