A quienes no les gusta la película suelen tener en común que en su interior florecen sentimientos de desprecio, asco y repulsión; comunes adjetivos que utilizan para describir la película. Resulta curioso que una película que su tonalidad se mueve por esas tesituras tuviera que provocar otro tipo de sensaciones, la película cumple con su propósito, inquietar, escandalizar... una colisión directa. Por lo contrario, el hecho de que la película te guste no quiere decir que no despierte en tu interior ese tipo de sentimientos, pues algo en común que une tanto a quienes la repudian como quienes la disfrutan, es que consigue desconcertar.

El reparto está muy bien seleccionado la actuación de los actores es la ideal para la película, su dirección es muy precisa, el juego de miradas, las expresiones indolentes, la forma en la que dialogan, todo está pensado para la construcción del tono de la película, que en su conjunto final consigue provocar una serie de sensaciones que distan mucho de lo agradable.
La dirección fotográfica de Peter Suschitzky es tan sutil como desbordante. No se basa solo en conseguir tonalidades azuladas y combinaciones de colores fríos, va mucho más allá, desde sombras y luces expresivas, hasta sutiles reflejos sobre los personajes. Está pensado para crear conceptos, despertar sensaciones y construir ideas; todas relacionadas con la temática de la película, tan integradas que no destacan por encima de otros elementos. La banda sonora es inquietante y perturbadora, ecléctica en función a la película, contiene aquello que se quiere transmitir al público pero que resulta de difícil asimilación por lo abrupta que resulta la propuesta.

A parte de recibir un premio especial del jurado en Cannes, la película consiguió en los premios Genie de 1996, lo que vendría a ser el equivalente de los Oscar en Canadá, los premios a la mejor fotografía, mejor dirección, mejor montaje, mejor guión adaptado, mejor montaje sonoro y la Bobina de Oro; también consiguió una nominación en 1998 por parte de la Motion Picture Sound Editors al mejor montaje sonoro. A partir de su estreno, la película sufrió censura en gran parte del mundo, en Estados Unidos sufrió recortes y en Inglaterra directamente se prohibió su estreno. Lo curioso es que en España se pudo ver la versión íntegra, es posible que tal como están las cosas en la actualidad ni la estrenasen. Crash es una película complicada para recomendar, no porque resulte compleja para su entendimiento, aunque si lo puedan ser las re-lecturas que ofrece, es una película de la que si escarbas sacas mucho más de lo que piensas, sobre todo por la calidad cinematográfica que esconde. También es cierto que para disfrutar de muchos de los elementos de Crash tienes que conocer el recorrido de Cronenberg y tener una cierta afinidad, pero eso no es excusa para quedarse en la superficie de Crash, hay que indagar más, levanta su capó y toquetea su motor, te mancharás, pero descubrirás cosa nuevas.

Shyamalan es un cineasta con un estilo que resulta algo diferente, puede gustar mucho a pasar al absoluto desprecio, para mi gusto está absolutamente sobrevalorado. Durante el desarrollo de su carrera a demostrado talento a la hora de concebir nuevas ideas y plasmarlas en la pantalla, pero sus películas salvo contadas excepciones, han resultado ser pretenciosas y decepcionantes. Una característica de Shyamalan es que circula por las diferentes vertientes del ámbito cinematográfico. Escritor, guionista, actor y director, en ocasiones hasta participa en la producción musical. Pero por mucho talento y dedicación que pueda aportar a sus proyectos, no siempre es bueno querer abarcar todo. Es necesario dejar una buena idea en varias manos que la puedan llevar a mejor termino. Con su nuevo proyecto nombrado The Last Airbender, nos encontramos ante el peor de sus trabajos.

A pesar de su irregularidad, Shyamalan siempre consigue llamar la atención con sugerentes propuestas, como escritor puede tener gancho, como director no hay queja, pero como guionista lo suele echar todo a perder, no quiero comentar su faceta de actor y su imperiosa necesidad de prepotencia. Pero lo peor de todo es que después de sus aciertos y sus fallos a lo largo de su carrera, nos cuele esta porquería. De la serie de animación solo he visto los créditos de apertura y trozos sueltos, solo eso ya apuntaba mejor que la estupidez de Shyamalan. La primera de una trilogía, se supone que la película está destinada al publico infantil, pudiendo ser disfrutada por todos los públicos. Pero no consigue nada de eso, aburrida, mal contada, personajes insulsos, sin carisma, mal desarrollo de ideas y todo rematado con escenas inconexas. El desarrollo de la historia no mantiene ningún hilo, ni dispone de ningún clímax argumental y lo llamativo del 3D solo es un reclamo. También hay que echar mucha culpa al montaje de la película, una sucesión de escenas que parece que las hayan unido al azar, con una narrativa lamentable.

El casting y la dirección de actores resulta muy floja, aunque los personajes están bien caracterizados, las actuaciones son sosas, se abusa de las miradas fijas a cámara y hay una notable inexpresividad. Con los diálogos simples, esquemáticos y básicos, parecen personajes mecánicos, sin personalidad, ni evolución. Ni los personajes animados que aparecen tienen carisma, no suscitan ningún tipo de interés, ni crean ningún vinculo emocional con el espectador ni los personajes. De lo poco que se puede salvar de la película está la banda sonora, simplona con algunos momentos llamativos, pero por lo menos hace más llevaderas algunas escenas. Luego tenemos los recursos digitales, que están bastante logrados, aunque el pequeño alarde técnico resulta ineficiente debido a lo absurdo del guión. Algunas coreografías con planos secuencia bien elaborados y la escenografía, que aunque desaprovechada, podría haber sido una entretenida película de aventuras y acción.

El Cosmonauta es un interesante proyecto que nace de una iniciativa cada vez más extendida, pero fue una de las primeras películas de nuestro país en conseguir sacar adelante un ambicioso proyecto financiado mediante crowdfunding. Quienes puedan desconocer el método, se trata de un cooperación colectiva a través de la difusión de un proyecto para conseguir financiación de otras personas u organizaciones para su realización. Con Internet hay más facilidad para difundir este tipo modelo de financiación, es la herramienta ideal para mostrar una gran variedad de iniciativas.
Una de las propuestas más interesantes de El Cosmonauta es su modo de difusión, su estreno fue multiplataforma, el 18 de Mayo del 2013 se fechó un estreno con la intención de ser simultáneo en Cines, dvd, Canal+, y también de forma gratuita en la web oficial. Los tiempos están cambiando, la forma de consumir cine también, y este tipo de iniciativas de distribución pueden abrir otros caminos que convivan con el convencional; en ese aspecto, El Cosmonauta entra dentro de un movimiento pionero a nivel nacional.

También quiere unirse a la forma de narrativa transmedia, que consiste en ampliar la experiencia de la ficción a través de diferentes disciplinas artísticas. En lugar de diseminar, en este caso, el contenido de la película por diferentes canales como cines, dvd, tv, internet, móviles, etc. La narrativa transmedia propone, a parte del contenido existente, aportar nuevo contenido por Internet, videojuegos, móviles, cómics, libros, teatro, exposiciones, etc. Y cada canal debe aportar nuevos aspectos al todo, que se complementen entre ellos ampliando lo que sería el punto de partida, en este caso, la sinopsis de El Cosmonauta.

También hubiera sido la primera película española financiada íntegramente mediante crowdfunding, con la colaboración de más de 4500 personas que aparecen en los créditos. La productora Riot Cinema Collective compuesta por tres jóvenes integrantes inició el proyecto en el 2004, al principio todo parecía muy bonito, pero fueron surgiendo baches durante el camino de conseguir una financiación integra mediante crowdfunding. La cuestión es que se creó cierta polémica con el proyecto, su presupuesto ha sido aproximadamente de unos 860.000€ y no todo gracias al crowdfunding, pues al final el mayor porcentaje de financiación se recibió por entidades privadas y dinero público. Aunque la mayor polémica que tambalea la ética que sustentaba el proyecto, fue de forma mediática. La respuesta del director de la película, a un mail que recibió solicitando empleo en su productora. Eso podría ser una estrategia para hacerse auto publicidad, pero vaya, de cualquiera de las maneras es una desfachatez y una falta de respeto horrible.

Pero como lo que importa es la película, hay que procurar valorarla como tal, en parte dejando a un lado aspectos de su proceso de preproducción y polémicas adjuntas. Aunque, es entonces cuando se puede establecer cierta conexión, sobre todo con el resultado final. ¿Quiere esto decir que se trata de una mala película? No, en absoluto. Tiene cosas muy interesantes, pero su conjunto global no está a la altura de la pretensión que radica en la propuesta.
El Cosmonauta fue rodada en Letonia, Rusia y España, buscando de una forma bastante acertada una ambientación setentera de la antigua Unión Soviética durante la época de la carrera espacial, en un supuesto viaje a la luna. No dispone de un reparto de actores y actrices muy conocidos, pero han actuado mucho en televisión y han aparecido en papeles de películas con mucha distribución. Imagino que de ahí y la intención de buscar una distribución más amplia y comercial, se decidió rodar la película en inglés. A nivel personal creo que se trata de un error, pues dada la naturaleza base del proyecto, se tendría que haber apostado por rodar la película en ruso, esa falta de riesgo hace restar coherencia artística al conjunto.

El apartado técnico con el que se ejecuta la película está muy logrado, buena fotografía, encuadres interesantes, algún movimiento de cámara llamativo, bastantes efectos digitales que cumplen sobrados su cometido; una banda sonora efectista, aunque por momentos abusiva en la dramatización. En ese aspecto no hay quejas, incluso, potencia una puesta en escena interesante que durante el punto de partida de la película ayuda a mantener tu atención. La ensambladura de todo es lo que consigue que el resultado global termine en decepción, no por un montaje malo, el montaje está bien ejecutado y en algunos momentos con ideas muy interesantes. Pero ahí se puede apreciar como durante el camino del proceso creativo hay algo que se perdió o no quedó definido como una base solida de intenciones.

He leído opiniones que tachan la propuesta como una narrativa no lineal, pero vaya, lo he visto completamente lineal, excepto que alterna diferentes líneas temporales con una especie de mundo paralelo. Una propuesta muy interesante, pero en la práctica queda muy vacuo como conjunto global, en definitiva, me hizo pensar en Muriel de Resnais, pero de forma fallida. No revelaré nada de la película, pero me gusta que no se tenga que profundizar en información de los personajes para mostrar lo que importa, sus emociones a través de detalles, lo malo es que no se consigue transcender más allá de una barrera de apatía.
Otra característica de la película es que bajo licencias Creative Commons quieren ofrecer la posibilidad al público de montar la película a su gusto, desconozco si incluso con material adicional, siempre bajo un uso no comercial; por lo mismo creo que también se ofrece la posibilidad de ver, supongo que bajo pago, un final alternativo o distintas alternativas de montaje. De todos modos, es algo difícil de cuajar, pues tras ver El Cosmonauta no se genera el suficiente interés para querer extender la experiencia.

El efecto de Bestias del sur salvaje parece ser dispar, pasa del elogio a la desaprobación de forma muy abrupta, algo que puede traducirse como positivo en el sentido de conseguir emocionar para bien o para mal, y no quedar sumergida en la indiferencia. Sería difícil que la película pasara desapercibida, llama la atención por si sola, aparte de tener un presupuesto muy ajustado, menos de 2 millones de dólares. Cargada con ese aire independiente, desde sus primeras proyecciones y recorridos por diversos festivales no dejó de recopilar elogios, algo que puede despertar sentimiento de rechazo en muchas personas, pero dentro del panorama general del cine estadounidense, es una película que destaca dentro de las características con las que se compone.

Bestias del sur salvaje es el debut como director del joven cineasta Benh Zeitlin, firma el guión con Lucy Alibar, escritora de la historia original en la que se basa la película. Benh Zeitlin también participa en la composición de la banda sonora junto Dan Romer, una banda sonora emocionante en conjunto con las imágenes de la película. Emocionante puede ser lo que mejor defina a Bestias del sur salvaje, pues los elementos que componen la película son buenos aunque no destaquen por ser brillantes, pero se complementan tan bien que consiguen un conjunto final muy destacable. Puede acabar con la paciencia de quienes se exacerben rápido cuando intentan tocarles la fibra, pero es la gracia de la película, desde el inicio se entra en ese juego y si no te resistes a la hora de empatizar, consigue su objetivo. Es cierto que puede parecer que se abuse o se caiga en la redundancia, pero según avanza la película, su efecto hipnótico hace que te dejes llevar por el oleaje de sentimientos.

Otra razón por las que vale la pena disfrutar de la película es Hushpuppy, la niña protagonista interpretada por Quvenzhané Wallis de sólo 6 años de edad. Toda la película se desarrolla desde su punto de vista, y siendo todo como una fábula fantástica dentro del realismo crudo que muestra la película, consigue una mezcla muy atractiva.
El apartado visual es muy llamativo, el hecho de estar rodada en 16mm acentúa esa sensación de estar en un mundo o una realidad alternativa e indefinida, y en conjunto con el diseño artístico, consigue una gran puesta en escena. Hushpuppy te cautivará, pero hay mucho más, el resto de personajes que van adquiriendo protagonismo en el desarrollo de la película son muy carismáticos, consiguen hacerse un hueco y potenciar la emoción en sus relaciones y vínculos según se desarrolla la acción.

El acierto de Bestias del sur salvaje es que no pretende dar pena a nadie, parece que tenga que ser una denuncia social reiterando el drama de los personajes, pero sin alejarse de eso, es más una película con una mirada muy optimista, es un grito por celebrar la vida. Lo que si hace la película es tocar la fibra sensible mostrando la visión del mundo a través de la mirada de Hushpuppy. Está pensada para emocionar hasta hacerte vibrar los lagrimales, pero con una sonrisa en la cara, con sensación de bienestar. No creo que sea algo criticable, es la clara intención de la película, emocionar, reblandecer... y lo consigue, de forma reiterativa, pero sin hacer daño a nadie.

Lo que está claro es que te emocionarás al escuchar a Hushpuppy decir:

"Cuando esté muerta, los científicos del futuro lo descubrirán todo. Sabrán que una vez existió Hushpuppy y que vivió con su papá en La Bañera".

Toda la saga Halloween goza de más popularidad que de calidad, algo común en este tipo de sagas. Siguiendo esta norma, cada entrega baja más el nivel. Una vez llegaron a la seis entregas la cosa no daba más de si, por suerte para la productora, se acercaba el vigésimo aniversario de la película donde se inicia la saga. De este modo se creó la estratagema comercial de intentar relanzar al personaje retomando los inicios creados por John Carpenter & Debra Hill en 1978.

Halloween H20 retoma, en cierto modo, el final de la segunda parte obviando el resto de películas que hay entre medio. Para la ocasión, se negoció para que Jamie Lee Curtis volviera a interpretar el personaje con el que debutó. A partir de ahí, se siguen los patrones de la primera entrega, pero adaptados a lo que se podría llamar, el efecto Scream. A partir de 1996 se volvió a poner de moda el género o subgénero Slasher con un lavado de cara, modernizando el asunto estando dirigido, claro está, a un target en concreto. La cuestión es que el invento funcionó, de ahí que con H20 quisieran utilizar esa misma formula. Un intento de conmemorar aquellos elementos característicos de la primera entrega, pero dentro de un empaque que se corresponde al estilo de finales de los noventa. Así que, todo ocurre en el campus de una gran escuela, con adolescentes de uniforme, personaje gracioso de turno y golpes de efecto baratos. Puntos a favor, pues se mantiene la minimalista melodía principal compuesta por John Carpenter, se procura mantener un ritmo similar al de la primera entrega, así como procurar recrear un ambiente inquietante. Está la baza del reclamo comercial de Jemie Lee Curtis exorcizando sus demonios del pasado, no era necesario, pero si más llamativo. Lastima que Donald Pleasence hubiese fallecido, hubiera sido otro punto a favor, se le rinde una especie de homenaje a su personaje al inicio de la película.

Para dirigir la película se procuró que el mismo Carpenter cerrara lo que inició, pero al final, el elegido fue Steve Miner. No es una mala elección, pues en este tipo de películas tiene experiencia, es el director de la segunda y tercera parte de Viernes 13, House - una casa alucinante y Warlock, entre otras películas de diferentes estilos. En conjunto con el director de fotografía Daryn Okada y el resto de equipo técnico, se llegó a conseguir varios aciertos visuales, pero el empaque final de la película es flojo. Puede cumplir con un nivel de exigencia bajo, pero en general no consigue crear las sensaciones que se propone. Su corta duración juega a favor, aún así hay momentos aburridos y parece que la película sea más larga. Las interpretaciones son lo estándar para tal producción, de ahí que quisieran integrar el caramelo Curtis. La iluminación es correcta, la banda sonora típica (excepto por la melodía principal)... Se puede decir que la película es mediocre, mejor que las dos anteriores entregas de la saga en algunos aspectos, pero mediocre al fin y al cabo.