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La noche del 10 de febrero de 2008, el mundo observó a una emocionada Amy Winehouse recibiendo el Grammy a la Mejor Grabación del Año por “Rehab”. Winehouse acababa de interpretar dos canciones en vivo vía satélite desde Londres, donde tuvo que permanecer después de que su visa fuera rechazada por el gobierno estadounidense, al estar en medio de un proceso de rehabilitación. En “Amy”, el documental de Asif Kapadia, la despreocupada sorpresa y alegría que la cantante parecía exhibir adquieren un tono oscuro cuando nos enteramos, detrás de escenas, de lo que Winehouse estaba pensando en realidad esa noche. Es un punto de no retorno, y marca, más que ningún otro, un quiebre en la vida de Winehouse, en donde parece existir un fatídico destino que la llevaría a la muerte a mediados de 2011.

Así presenta Kapadia la vida de Amy, fracturada en dos por el monstruo de la fama, pero permeada siempre por la depresión, los psicoactivos y una angustiante vulnerabilidad. En la primera parte, Amy es una joven británica marcada por el divorcio de sus padres, con problemas de bulimia, con deseos de independencia y, sobre todo, con una prodigiosa voz. Acompañada de sus amigos de adolescencia, se embarca en la búsqueda de una carrera como cantante de jazz.

En la segunda parte, Winehouse se convierte en un fenómeno, primero en el Reino Unido y después en todo el mundo, de la noche a la mañana. Su voz no es sólo prodigiosa, es inigualable. Y la fama viene acompañada de malas decisiones, una relación tormentosa, abuso de drogas y el nacimiento de un clásico, el álbum “Back to Black”.

Es en la primera parte donde “Amy” brilla más. A pesar de haberse embarcado en la realización del documental solo unos pocos años después de la muerte de Winehouse, Kapadia y su equipo logran recuperar y exponer una buena cantidad, muy bien seleccionada, de momentos en la vida de Winehouse pre-fama, que muestran el perfil de lo que una de sus amigas llama “la verdadera Amy”. Kapadia, además, permite a los entrevistados hablar sin necesidad de narraciones y sin mostrar sus caras, una elección que pone el foco únicamente sobre Winehouse.

En la segunda parte, el documental se torna más turbio. Lo que vemos ya no es producto de los archivos personales y familiares de los allegados de Winehouse; ahora son programas de TV, grabaciones de paparazzi, fotos desprevenidas, una Amy cubierta con vendajes ensangrentados después de un altercado en un hotel, otra Amy exhibiendo los efectos de la cocaína en pleno escenario. Es la Amy que todos vimos, y el documental se preocupa por mostrar la escala de la exposición y la burla mediática a la que se vio sometida Winehouse, aunque, ahora sin acceso a sus archivos personales, desconocemos su reacción ante ellos.

Es un punto incómodamente paradójico en la película por el que Kapadia no se preocupa: sin duda hace una crítica al circo mediático, pero si este no hubiera existido, ¿existiría su documental? El cuestionamiento a los comediantes que tomaron la figura pública de Winehouse como comidilla para sus chistes, por otra parte, parece muy simplista, más en tiempos post-Charlie Hebdo.

“Amy” enflaquece en los momentos en que cae en la fácil victimización de su sujeto. Winehouse, como nos muestran algunas escenas reveladores, era una persona inmensamente compleja. De no ser así, no tendríamos la obra musical que nos dejó. Kapadia logra, en este punto, darle una nueva dimensión a la música de Winehouse, y hacernos re-apreciarla no desde su voz o sus melodías, sino desde su escritura. “Amy” resalta, como ningún otro elemento, las letras de Winehouse, y su inmenso talento como compositora.

Es en este punto donde “Amy” excede todas las expectativas, y donde se convierte en un documental imperdible para quienes disfrutamos de su música y para quienes son relativamente nuevos en el asunto. Es imposible no tener un sentimiento de posibilidad perdida ante una breve secuencia hacia el final mostrando lo que Winehouse tenía planeado musicalmente a futuro. “Amy”, al final, funciona como un in memoriam bien realizado, pero no hay mejor manera de rendirle homenaje a Winehouse que apreciando su música.

El siglo XVIII, el Siglo de las Luces, está en furor y, mientras a través de Europa los pensadores de la Ilustración han reivindicado la razón humana, buscando reformas que defiendan la libertad del pueblo, la nobleza, en compañía de la Iglesia, sigue en el poder mediante la opresión. Pero en Dinamarca todo está a punto de cambiar, cuando Caroline, una joven princesa inglesa sea enviada a Dinamarca para convertirse en la reina del rey Christian VII, casi igual de joven a ella pero inundado de una vena artística y problemas mentales que intentará controlar Struensse, su doctor personal.

Enfrentada a un rey a quien no entiende y alejado de lo que esperaba, Caroline se ve resignada a cumplir con la que piensa es su única obligación como reina: dejar descendencia. Pero cuando Struensse llega a acompañar al rey, la reina encuentra en el doctor alguien con quién discutir las ideas de los autores de la Ilustración, y poco a poco la relación entre ambos y con el rey se hace más compleja, involucra más sentimientos, y a la vez se hace más relevante para el destino del pueblo danés.

Basada en la historia real de Dinamarca, y aparentemente ciñéndose con rigor a los hechos históricos, la danesa “A Royal Affair” es una hábil mezcla entre drama personal y drama histórico que demuestra que en la historia de la humanidad han sido tan importantes los grandes sucesos como los pequeños detalles.

“A Royal Affair” sigue en la tradición de los dramas de época que técnicamente resaltan por el hecho de recrear adecuadamente la época que representan, pero destaca entre todos, en particular, por su dirección de fotografía, que destaca a la perfección tanto los amplios paisajes daneses como los lujuriosos interiores de las mansiones de la nobleza y la oscuridad que apremia a un pueblo abandonado por la realeza.

Aunque la historia de “A Royal Affair” es lo suficientemente interesante y sorprendente para mantener la atención, sin embargo, se alarga hacia al final, en parte por el hecho de que las actuaciones y la química que debería haber entre Alicia Vikander y Mads Mikkelsen (la reina y el doctor) palidecen cada vez que sale en escena un brillante Mikkel Boe Følsgaard (el rey), quien le da vida a un complejo y llamativo personaje, ganando uno de los dos merecidos Osos de Plata del filme en el más reciente Festival de Berlín (Mejor Actor y Mejor Guión).

“A Royal Affair” será sin duda una experiencia muy satisfactoria para los adeptos a los dramas de época, aunque para el resto de nosotros puede no ser más que una muy buena lección de historia con sentimiento.

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En el mundo de Panem, construido sobre lo que alguna vez fue Norteamérica, el gobierno tiene a la población dividida en doce distritos, cada uno más pobre que el siguiente, y como un recordatorio de su poder realiza cada año un torneo televisado en el que dos jóvenes de cada distrito compiten a muerte, y sólo uno puede salir vencedor. “The Hunger Games”, basada en la novela de Suzane Collins, tiene todos los elementos de una distopía (un mundo post-apocalíptico, un gobierno déspota, un pueblo sumiso con semillas de rebeldía) y es por eso que le perjudica no explorarlos tanto como podría.

La novela de Collins está narrada en primera persona por Katniss, una joven del Distrito 12 que competirá en los Juegos. El lector sigue los pensamientos de Katniss mientras atraviesa todo el proceso desde ser elegida como participante hasta la competencia en sí, lo cual no permite ver con claridad el panorama general. Si Katniss, habitante del distrito más pobre de todos, no hace mucho más que preocuparse por llenar todos los días el plato de su mamá y su hermana, el lector se ve restringido en su conocimiento de los otros aspectos de Panem, sobre todo aquellos relacionados con el poder.

Allí está el punto más fuerte de la adaptación cinematográfica. Al cambiar de contar la historia desde el punto de vista de Katniss a aceptar miradas distintas de las situaciones aprovechando la cantidad de personajes que Katniss se encuentra en el camino, los guionistas Gary Ross y Billy Ray, con la colaboración de la misma Collins, lograron imaginar e inferir situaciones y actitudes que encajan a la perfección en el universo de Panem, e incluso modificaron muchos detalles del libro que le dan un contexto más entendible a la historia (hay que ver, por ejemplo, las conversaciones entre el presidente de Panem y el organizador de los juegos, o los sucesos en el Distrito 11, ambas situaciones ausentes en la novela).

Aún así, aunque la situación política se haga más evidente que en el libro, no se siente suficiente. Es entendible que, al ser una novela dirigido a público joven, se busque incluir otros elementos como romances y dilemas amorosos, pero las distopías dan para hacer más crítica social—faltan, eso sí, las adaptaciones de los otros dos libros de la trilogía de Collins, y hay espacio para hacerlo en el futuro: el final de esta primera parte parecería indicar que ese será el rumbo de las próximas historias.

(sigue sin spoiler)

En 1994, un grupo de exploradores expertos en cuevas recorrían el sur de Francia cuando, en un golpe de suerte ayudada de un poco de espíritu aventurero, decidieron inmiscuirse por un estrecho camino subterráneo. Lo que encontraron se convertiría en uno de los descubrimientos más importantes en la historia de la arqueología y el arte.

Los espeleólogos estaban liderados por Jean-Marie Chauvet, cuyo apellido pasó a bautizar la cueva. La cueva de Chauvet es reconocida por albergar las pinturas rupestres más antiguas conocidas, de hace 32,000 años, además de restos de huesos de animales ahora extintos como el oso de la caverna. Tras un derrumbamiento hace miles de años, la cueva se selló y las pinturas lograron conservarse hasta nuestros tiempos, con una calidad que hace parecer que hubieran sido hechas ayer.

Cada año, sólo un pequeño grupo de científicos tienen acceso a la cueva para conducir investigaciones arqueológicas, geológicas, paleontológicas y de historia del arte. No pueden estar por más de un par de horas porque los niveles de dióxido de carbono que emanan de las raíces de los árboles encima de la cueva podrían ocasionarles problemas de salud, y sólo pueden caminar por una estrecha plataforma de medio metro de ancho.

A esas condiciones tuvieron que someterse el legendario director Werner Herzog y su diminuto equipo de producción cuando el Ministerio de Cultura francés les ofreció la oportunidad única de entrar a la cueva por unos días. El resultado: uno de los mejores documentales realizados en los últimos años.

El tema de la cueva de Chauvet no parecería a primera vista ser algo capaz de llenar 90 minutos de celuloide, pero Herzog logra, con maestría, combinar los conocimientos científicos con los sentimientos que la cueva y sus alrededores evocan, y es capaz de llevarnos al pasado, de hacer que imaginemos cómo era el mundo hace 32,000 años, de intentar acercarnos a ese ser humano prehistórico con el que tenemos mucho más en común de lo que creemos.

Y lo logra sin caer en sentimentalismos, pero dándole importancia a las emociones; y se aprecia que no intente dar una sola visión sobre el pasado sino que permita que hablen las múltiples voces de los distintos tipos de arqueólogos y científicos, desde los que hacen modelos tridimensionales con todos los recovecos de la cueva, hasta los que buscan revivir lo que sentían los humanos del pasado, vistiéndose como ellos y tocando flautas hechas de huesos. [sigue sin spoiler]

El año pasado “Midnight in Paris” se convirtió en uno de los eventos del año. Estrenada en la primera mitad de 2011, la fantasía parisina de Woody Allen cautivó a crítica y audiencia por igual, rompió récords de taquilla para una película del director y fue recordada durante todo el año, hasta coronarse con una nominación al Oscar a la Mejor Película. Para muchos significó el regreso del director, una leyenda del cine norteamericano que había perdido adeptos con su filmografía más reciente. Este año, con “To Rome with Love”, Woody Allen sigue probándose como un errático realizador con más fallas que aciertos, aunque sería necio esperar tanto más de alguien que desde hace veinte años dirige y escribe una película al año y que, para bien y para mal, se ha convertido en el director más prolífico del cine estadounidense.

“To Rome with Love”, la cuadragésimo cuarta película del director, sigue a cuatro relaciones en Roma que cambian al llegar un nuevo elemento. Las cuatro historias, sin embargo, parecen haber sido en algún momento buenas ideas que durante el desarrollo del guión y de la película se quedaron cortas. El relato de una pareja estable de novios norteamericanos viviendo en la capital italiana que se arriesgan a recibir a una nueva inquilina que exuda sexualidad llega a tener indicios de grandeza cuando aparece una cuarta persona en escena, una especie de conciencia colectiva con la que todos interactúan a nivel personal (de lejos lo mejor del filme), pero al final no se sabe qué hacer con la historia y se le termina de manera abrupta.

Un par de recién casados italianos que se mudan de un pueblo a la Ciudad Eterna y que están separados por un día donde encontrarán a alguien más para pasar el tiempo lejos de casa podría haber servido como una plataforma para hablar de la confianza o la necesidad de aventura en una relación, pero termina convertida en un chiste alargado con una prostituta y un actor famoso, y con un final nada satisfactorio, sobre todo después de todo lo que sucede previo a él.

(sigue sin spoiler)

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