You Can't Take it With You, realizada en 1938 por el director italo-americano Capra, es como tantas otras del inefable Frank, una joya imperecedera y un antidepresivo eficaz sin efectos secundarios. Dirigida con aparente sencillez: apenas notamos la presencia de la cámara, el film fluye ante nuestros ojos como un innegable entretenimiento.

El niño que hay dentro de mi es un apasionado del cine de Capra ya que fue ese niño el que vio por primera vez It's a Wonderful Life y lloró… Tiempo después, ya convertido en un hombre hecho y derecho, racional, crítico y reflexivo, volvió a ver la cinta y se volvió a emocionar, inevitablemente, como una lágrima que se desprende pura y acaricia tu rostro inmovilizando tu razón, en este caso mi razón.

El lunes pasado al visionar por segunda vez You Can't Take it With You una sensación similar se adueñó de mi espíritu y tras 30 minutos iniciales, quizá los más pesados, Capra ya me había despojado de toda razón e intelecto y mi espíritu ya era júbilo al ver a esa entrañable familia de “freaks” y su particular visión de la vida. No es casualidad que 70 años después la película siga viva, actual, y emocione del mismo modo que lo hiciera en el 38 ya que habla de la vida rezumando vida y humor en cada plano… En cada frase del diálogo. Recordar que es una adaptación de un Pulitzer que consiguió el Oscar a la mejor película y mejor director, además de otras 5 nominaciones y el unánime aplauso internacional de crítica y público.

Es cierto que el dinero no da la felicidad y Capra lo muestra sin tachadura alguna en un derroche de ingenio: véase el efecto de la harmónica en el personaje interpretado por Edward Arnold, la harmónica es un objeto clave en toda la obra y particularmente efectivo en el clímax final. Efectivamente el dinero no da la felicidad muy a pesar del genial Groucho: “¡Hay tantas cosas en la vida más importantes que el dinero! ¡Pero cuestan tanto!”

El trabajo de Capra es indudablemente meritorio a pesar de todo lo que se ha dicho de él y de su cine: manipulador, hipócrita e incluso propagandístico equiparable ya no solo al cine ruso de la época sino también al cine de propaganda nazi de Goebbels. No se que clase de persona era Franky ni me importa en lo más mínimo pero si se o así lo creo que el ser humano es tremendamente contradictorio e insondable.

Soy de los que van al cine a disfrutar de una obra y cuando esta obra deja de ser anónima para ser pública también deja, de alguna manera, de pertenecer a su autor sino a todo el que la contempla y yo, en este caso, la contemplo con gozo ignorando el supuesto patriotismo que la impregna y embriagándome de optimismo.

Ya que el tiempo y la palabra me apremian concluyo homenajeando a un compañero de filmaffinity y por ende a Capra: You Can't Take it With You es un dulce para el espíritu, una caricia en el corazón y un rayo de luz para la razón.

Con un sencillo argumento como transfondo Alexander Dovzhenko siembra una maravillosa película y el tiempo, testigo omnipresente, la hace madurar ofreciéndonos un fruto extraordinario para los sentidos. Tierra (Zemlya) estrenada en 1930 no solo destaca por su mensaje propagandístico, el avance tecnológico por la llegada del tractor, sino también por su profundo lirismo y es un poderoso testamento del cine mudo cuando en muchos paises ya se iniciaban las producciones sonoras.

A mi modo de ver la grandeza de Zemlya radica en el prodigioso uso de la planificación y el montaje para ofrecernos un colosal poema panteísta. Pocas veces he visto en el cine un nexo entre el hombre y la tierra tan espetacular capaz incluso de transmitir al espectador, a través del arte, la sensación de que estás oliendo aquello que ves: la Tierra.

En pleno siglo XXI, cuando la tecnología nos absorve sin compasión y por medio de lo artificioso podemos oler, tocar e incluso degustar realidades virtuales más alla de lo concebible Tierra se presenta como un paradigma natural del poder del arte y su grandeza y por ende del poder del hombre, la naturaleza y el universo.

Como olvidar esas manzanas mojadas por la lluvia nacida de abrumadoras tormentas, como olvidar las flores acariciando al cadáver en la escena del cortejo fúnebre, como olvidar los campos mecidos por la ventisca de esa Ucrania natal de Dovzhenko, como olvidar esta preciosa película sembrada de imágenes imborrables, naturales, apasionadas.

Hay que ver Zemlya, hoy más que nunca y creer en la utopía de un nuevo renacer.

"Ladri di bicicleti" es un milagro cinematográfico rodado en 1948 por Vittorio de Sica en escenarios reales de la Roma de post-guerra y constituye una de las obras cumbre del neorrealismo italiano.

En ella descansan planos y secuencias inolvidables: El niño que camina junto al padre, uno alto y desgarbado, el otro pequeño, de entrañable gracejo al caminar y verbo al mirar. La terrorífica escena de las sábanas apiladas en la casa de empeños como un eterno caudal de pena que pende sin llorar. El niño sentado a lo alto de unas escaleras mientras el padre, aterrado, teme por su vida. La sublime escena del restaurante, triste y bella, cruda y real: el pedante niño rico relamiéndose ante Bruno, nuestro niño pobre. (Conozco el caso de una persona que tras ver la escena juró no volver a pisar un restaurante... evidentemente no lo consiguió). La primera visita de Antonio a la vidente: deja la bici, sube las escaleras... suspense del bueno resuelto con maestría. Y sin duda, el plano final, el pequeño milagro, que trataré más adelante.

La historia es sencilla pero de gran intensidad y revoluciona el plexo solar (red nerviosa que combina las fibras nerviosas del sistema nervioso simpático y parasimpático) de todo ser humano con sangre en las venas, sensible a las penas y a la injusticia. Es una obra honesta y humana que contrasta con la deshumanización de la Italia de post-guerra. De una deslumbrante fotografía que talla pobreza y una excelente música que añade tensión dramática “Ladri di bicicleti” es ante todo una verdad, una verdad imperecedera y universal.

A Antonio, un hombre casado y con hijos, le ofrecen un trabajo como "pegador" de carteles a condición de poseer una bicicleta. Desesperado recurre a su mujer y tras empeñar las sábanas reúne el dinero suficiente para comprar el velocípedo. En su primer día de trabajo le roban la bicicleta y a partir de ahí emprende una búsqueda, acompañado de su hijito Bruno, para encontrarla.

En esa inútil búsqueda padre e hijo encuentran otro tesoro: Su propia humanidad descubierta ante la mirada del otro. En ese viaje desesperado las relaciones entre ambos evolucionan, maduran, se transforman y estallan en el plano final (hijo agarrando la mano del padre) en un amalgama de sensaciones que desbordan esperanza y es entonces cuando brota la emoción en forma de lágrima en el espectador... un rayo de luz ante tantas sombras. Esa lágrima... la lágrima del ingenuo espectador es poesía humana, viva y descarnada. Vittorio de Sica, otrora humorista, consigue el milagro. Obra maestra.

Magnífica película sobre la vida/muerte, la vejez y el inexorable paso del tiempo. Bergman, creo, nos está diciendo que vivamos, que nos divirtamos,que no tengamos miedo al vacío existencial y a lo absurdo de la vida. Bergman nos está diciendo al fin y al cabo que más importante es ser "ser humano" que intelectual admirado. Muy buena

Película larga, densa, detallista, que narra estados de ánimo en tres personajes diferentes. ¿Tal vez cuatro?:El espectador. Algunos aún están durmiendo en la butaca.

Me ha gustado pero echo de menos un poquito más de acción o truculencia, algún giro endemoniado, sorpresa o susto.

Me gustan las referencias al cine clásico: Hay carteles de películas en distintos espacios y Fisher en alguna escena gusta rememorar películas de la RKO con el uso de la narrativa audiovisual. Es original en el cine americano este tipo de películas y recomiendo Memories of murder a todos aquellos que hayan disfrutado de Zodiac.

David has pecado con el metraje y sí...no me averguenza decirlo, me gustó más Seven. Inolvidable final. Nunca olvidaremos aquel desierto y la sentencia de aquel último pecado capital.