Resulta complicado escribir sobre esta fantástica Parásitos sin desvelar nada de la trama. Pero claramente sería contraproducente revelar lo que ocurre en esta sorprendente producción.

Baste decir que el realizador Bong Joon-Ho (The host, Snowpiercer, Okja) nos muestra dos realidades diametralmente diferentes. Un abismo entre las clases más altas y bajas de Corea del Sur (o de cualquier otro país). Personificadas en dos familias, idénticas en sus componentes (padres y dos hijos, chico y chica), que no dejan de conformar el reflejo enfermo y distorsionado de un mundo privilegiado sobre otro no afortunado que sobrevive a la miseria, y que solo se encontrarán, primero, gracias al azar y, posteriormente, a causa de una serie de argucias tan crueles como divertidas.

Porque seguimos con el juego de los espejos, de la feroz crítica social a las desigualdades, a una mirada mordaz, con un humor negrísimo, de unos personajes que solo buscan salir de las cloacas hacia ese paraíso inalcanzable que poseen esos otros reflejos acomodados. Y así, la risa terminará tornándose en horror, en una explosión de violencia que no es sino una llamada de atención (por otra parte, tan típica del cine de Joon-Ho).

Gran Palma de Oro en el Festival de Cannes, el filme busca constantemente sorprender al espectador, que no sabrá el camino que puede seguir la narración. Gestionando además el ritmo y el tono de la producción, que siempre ha sido una de las obsesiones del realizador coreano, consiguiéndolo con tanto oficio como maestría en la puesta de escena.

Respecto a las interpretaciones del elenco (Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Jo Yeo-Jeong, Choi Woo-Sik, Park So-Dam, Jung Ji-So), en esta ocasión no puedo valorarlas, al haber visto la película (lamentablemente) en su versión doblada.

Así que: sí, elimina prejuicios por el hecho de que sea una producción coreana, y no dejes de disfrutar de esta asombrosa producción; y, ya de paso, puedes recuperar parte de la filmografía anterior del director (Snowpiercer, The host), muy recomendable.

Lo mejor: la cantidad de discusiones (sociales, éticas, morales) que puede provocar la visualización del filme, maravilloso.

Lo peor: por decir algo, quizás la duración de la película (que para nada resulta larga).

https://www.bollacos.com/parasitos-lucha-de-clases/

Esta preciosa historia nos muestra lo que significa ser mujer, especialmente en un entorno tan complicado como el de finales del S XVIII. Una de las cosas que más me han gustado de esta recomendable producción es cómo nos enseña la solidaridad entre personas que eran claramente tratadas como inferiores al otro sexo, que se veían expuestas al escarnio y desprecio de la sociedad ante todo aquello que no estaba bien visto.

Si la condición de mujer no fuera suficiente para discriminar a las dos protagonistas, ambas descubrirán además que comparten unos sentimientos más que prohibidos en aquella época.

Porque, en el fondo, en Retrato de una mujer en llamas, la realizadora Céline Sciamma nos narra una bella historia de amor. Una atracción que surgirá entre una mujer atrapada, que se ve forzada a someterse a un destino impuesto, hacia el que intenta resistirse, pero al que se verá sin duda abocada. Y otra, una artista que llega a su casa para pintar a escondidas su retrato, una pintora a la que siempre se le va a negar el reconocimiento por el mero hecho de pertenecer al sexo femenino.

Así, esta Retrato de una mujer en llamas (qué título más fantástico) se convierte en una verdadera película romántica, la que sigue el verdadero significado que se le dio al término, y que no era otro que narrar una relación amorosa imposible ante los impedimentos que encontraba a su alrededor, especialmente de la sociedad.

Las protagonistas (Noémie Merlant y Adèle Haenel) están espléndidas y realizan unas interpretaciones contenidas, con una naturalidad que aporta veracidad a sus personajes.

Curioso también el tratamiento del tema de la idealización de la persona amada, que aquí se traduce en lienzos que no conseguirán la semblanza perfecta de su modelo hasta que realmente se conoce su esencia.

La inclusión del proceso artístico de la creación de un lienzo, más esos paisajes agrestes (incluso la playa parece siempre amenazar a estas mujeres) son el envoltorio perfecto para esta gran oda a la feminidad y la libertad.

Lo mejor: todo lo que critica, es fundamental la crítica social en el séptimo arte, que además puede hacerse contando una bella historia como ésta

Lo peor: al principio cuesta empatizar y meterse en la película por la frialdad de sus personajes, de las costumbres formales de la época y hasta del paisaje

https://www.bollacos.com/retrato-de-una-mujer-en-llamas-objeto-de-deseo/

Hoy se estrena The Farewell, una producción creada por la realizadora estadounidense de origen chino Lulu Wang. Y este dato es importante porque uno de los temas que trata este remarcable filme es el desarraigo. Ese sentimiento de nostalgia, de no pertenencia, cuando se reside en un lugar diferente a aquel donde se encuentran no sólo nuestras raíces, sino también la familia.

El punto de partida no deja de ser curioso. La abuela (Shuzhen Zhao) del clan familiar es diagnosticada con un cáncer terminal, pero la tradición china dicta que el paciente no debe enterarse. Por ello, el resto de la familia organizará una falsa boda para obtener una excusa para poder reunirse y “despedirse” de su ser querido.

La joven Billi (muy bien interpretada por Awkwafina) que reside en Nueva York, trata de revelarse ante esta tradición y plantea el debate sobre si realmente tienen derecho a esconder la verdad a su abuela.

Porque ese es otro de los temas fundamentales sobre los que trata el filme: la tradición, y el choque cultural entre las costumbres arraigadas en China y la visión de nuevas generaciones criadas en un lugar tan distinto como puede ser EEUU. Todo ello con el foco fundamental puesto siempre en la familia, en su importancia, en su papel como pilar fundamental de cada uno de nosotros.

Leyendo todo esto puedes pensar que se trata de un drama lacrimógeno, pero nada más lejos de la realidad. Wang ha sabido acercarse a todos estos temas a través del humor, con unos diálogos y escenas muy divertidas, que quitan peso a la gravedad de los temas que trata, filmando una película deliciosa, muy entretenida, divertida y que no deja de sorprendernos.

Lo mejor: el sentido del humor

Lo peor: por decir algo, la única utilización en una escena de la cámara lenta, que al contrario de aportar dramatismo resulta innecesaria

https://www.bollacos.com/the-farewell-contar-o-no-contar/

Al ver el último filme de Woody Allen uno tiene la misma sensación que la de entrar en un cómodo salón con chimenea cuando fuera hace frío y está lloviendo a cántaros. Dada su prolífica carrera y su rutina de estrenar nueva producción casi cada año, lo que ha pasado es que al final llevábamos viendo la misma película desde hace más de una década. Y sí, en esta Día de lluvia en Nueva York nada cambia, todo es familiar y conocido. Sí, todo nos suena a ya visto, pero Allen lo hace con tal elegancia, que ha conseguido crear una deliciosa comedia que merece mucho la pena disfrutar.

Ahora, su alter ego es el ubícuo Timothée Chalamet (Call me by your name), que realiza un trabajo perfecto con su personaje, entre neurótico y adorable, que consigue meterse al espectador en el bolsillo. Al que seguimos en una bonita historia de amor (y desamor), mientras acompaña a su novia, Elle Fanning (The neon demon), en su estancia en la gran manzana.

Los protagonistas, como ya es habitual en Allen, cruzarán sus caminos con una serie de personajes (muy bien interpretados por Jude Law, Liev Schreiber, Rebecca Hall, Diego Luna, Selena Gómez y Cherry Jones), que cambiarán su relación de pareja para siempre.

Divertida y dinámica, como ya es marca de la casa, una de las cosas que más destacan de esta producción son esos diálogos rápidos, acerados, irónicos y muy divertidos. Y, aunque tenga algún altibajo, el filme se pasa volando y deja tan buen sabor de boca como volver a casa tras una larga ausencia.

Allen vuelve siempre a sus temas fetiche, sí, pero aquí le acompañamos con gusto en esa disección de las relaciones, ya sean sentimentales o familiares, con su amada Nueva York de fondo. Aquí, además, se hace muy patente la nostalgia que impregna toda la producción. Nostalgia por todas las cosas que ama Allen, por otros tiempos, quizás más sencillos, por la música que siempre ha sido la segunda pasión del director y por su adorada ciudad.

Quizás no sea el ejemplo del mejor Allen (creo que esos tiempos ya pasaron), pero sí se trata de una buena película, alegre, ligera, donde reconciliarse con el amor (a una persona, pero también a su icónica ciudad), mientras se sueltan unas buenas carcajadas.

Lo mejor: Timothée Chalamet está espléndido como alter ego de Allen; los divertidos diálogos tan tópicos del realizador neoyorquino.

Lo peor: Que casi no llega a estrenarse. El final es bastante predecible, aunque funciona. El personaje de Elle Fanning, que está encantadora, es el muy tópico de la rubia tonta.

https://www.bollacos.com/dia-de-lluvia-en-nueva-york-volver-a-casa/

Sumergirse en una mente enferma, dentro de la locura, no solo personal, sino colectiva, es una de las cosas que nos muestra el realizador Todd Phillips en esta genialidad llamada Joker.

Poco parece tener que ver este fascinante film con el universo de DC Comics, y, sin embargo, es el retrato perfecto de cómo se puede formar un supervillano de la talla del archienemigo de Batman.

Y para ello acompañamos a Arthur Fleck, al que da vida un soberbio Joaquin Phoenix, en una de las mejores interpretaciones de su carrera (que ya es decir). Fleck es un marginado, un hombre que sufre una enfermedad mental y que se encuentra maltratado tanto por el sistema como por la sociedad.

Y así nos convertimos en espectadores de la creación, a fuego lento, de un psicópata, esa encarnación del mal que tan acostumbrados estamos a ver en filmes o cómics donde todo se reduce a una visión más simplista del blanco y negro.

Pero es en los grises, en toda su gama y matices, donde Todd Phillips se mueve como pez en el agua, enseñándonos en realidad un incómodo espejo donde nos pregunta: quién es realmente el responsable de que exista alguien como Joker.

Y además, de manera muy inteligente, Phillips juega con el espectador, mostrando a su personaje estrella como un ser vulnerable, enfermo, digno de lástima. Pero también como alguien que causa aversión y auténtico terror.

Parece que Phillips disfrute con la incomodidad que logra transmitir en pantalla, y eso es debido a que se trata de una señal de alarma para que despertemos, que seamos capaces de ver el mundo desde otras perspectivas y seamos conscientes de nuestros actos. Porque Phillips nos escupe a la cara la responsabilidad, otra vez, de sistema y sociedad en la transformación de un ser enfermo en un loco psicópata. Olvídense de las absurdas polémicas en torno al filme, de ninguna manera se justifica la violencia ni se expone a Joker como un modelo o héroe de los marginados. Todo lo contrario. Lo que bien nos recuerda el realizador es el peligro de justificar ciertos actos y convertir a individuos tremendamente peligrosos en ejemplos a seguir.

La interpretación de Joaquin Phoenix como Arthur/Joker daría para un temario de Máster de la Interpretación. El complejo personaje que ha sido capaz de crear, con todos esos matices de los que hablaba: su vulnerabilidad, su humanidad, la enfermedad mental y la violencia más descarnada y homicida, se funden con coherencia en un ser real profundamente atormentado.

Lo he dicho muchas veces en este blog, pero hay muy, muy pocos actores capaces de expresar tanto (se diría que un mundo) con tan solo una mirada. Aquí no puedes perderte cada uno de esos intensos y eternos momentos recogidos en los ojos de un actor sobresaliente. Hasta la composición de la característica risa del Joker es una auténtica genialidad.

Este proyecto nunca habría funcionado si no se hubiera contado con alguien con el inmenso talento de Phoenix, y eso el director lo sabía. Y complementa la labor de Phoenix con una inteligencia y sutileza que utiliza para juzgarnos a todos a través de la historia de su personaje.

Cuanto más lo pienso, más increíble me parece que el responsable de la saga Resacón en Las Vegas (no me malinterpreten, la primera parte es divertidísima y original) o Escuela de Pringaos y Salidos de cuentas haya firmado esta apabullante producción. Porque su trabajo es impecable. Además de cómo conduce al espectador justo donde él quiere, hay que destacar la puesta en escena, compuesta por planos bellísimos, composiciones perfectas, con su personaje en el centro de las mismas, jugando con perspectivas, un auténtico deleite visual.

Pero es que además Phillips firma también el guion, por lo que es doblemente responsable (con la ayuda de un magnífico Joaquin Phoenix) de la creación de una de las películas más fascinantes, inspiradas y valientes del año.

Además, el resto de elenco de actores está a la altura de la calidad de esta producción, porque no hay nadie que desentone, cada uno cumple con su papel de manera acertada, destacando la labor de Robert de Niro, Frances Conroi o Zazie Beetz.

Qué les voy a decir, que vayan a verla. Que además es un filme que les va a acompañar los siguientes días tras su visualización, porque este personaje y la cantidad de mensajes que el director consigue transmitir se niegan a abandonar tu mente fácilmente.

Lo mejor: lo que ha creado aquí Todd Phillips se acerca a la perfección. Exactamente lo mismo que ha conseguido Joaquin Phoenix con su impresionante actuación, sus miradas, cómo se mueve… Es sin duda una de las mejores interpretaciones no del año, sino de la historia del cine.

Lo peor: lo único que me sobra de este maravilloso filme es la escena en la que Joker se encuentra en el programa de televisión.

https://www.bollacos.com/joker-fascinacion/