Siempre he pensado, al hablar con algunos amigos de esta película, y ahora al leer detenidamente todas las críticas publicadas, que tiene demasiadas interpretaciones diferentes de los espectadores. Eso, que para algunos es una cualidad o signo de maestría, para mí no es otra cosa que una mala construcción del film.
Me explicaré: Yo no me creo que Laughton intentara, a un tiempo, mostrar: una visión onírica del bien y el mal, mostrar la vida como un cuento de hadas vista desde los ojos de los niños, hablar sobre el fanatismo religioso, el obras son amores, hablar sobre la crueldad infantil, la capacidad de adaptación y sufrimiento de los niños, etc. etc. etc... (solo hay que leer una por una todas las críticas).
A mí (y es una opinión muy personal) tantísima interpretación me da a entender que el autor no ha sabido concretar y legar un mensaje suficiéntemente diáfano. ¿Alguien es capaz de ponerse de acuerdo sobre la escena final del niño?

Ojo, no quiero decir que sea una mala película... pero sí que está hecha con menos maestría de la que el tiempo ha ido poniendo a sus espaldas.

En realidad, ver "La noche del cazador" es asistir a un juego de luces y sombras; es desesperarse con una película con demasiados altibajos como para considerarla "obra maestra". Secuencias absolutamente maravillosas como la del cadáver en el río, alternan con ridículas imágenes de animalitos (recien sacados de la granja) dispuestos al borde del rio el tiempo justo para ser filmados. A eso se le ha dado el tratamiento (vete tu a saber por qué) de "onírico". Pasajes memorables como la llegada del predicador a la pequeña comunidad, alternan con disparates como el modo en el que se le escapan los niños del sótano (dejándole caer encima una lejita con unos cuantos botes). En definitiva, un film muy poco compacto.
La película, y sus prometedores veinte primeros minutos, se va desinflando de forma irremisible hacia un final desalentador.

El cine que noquea. No por brillante, audaz o impactante... sino todo lo contrario. Y uno de los ejemplos más claros en los últimos años de que la opinión de los grandes grupos de comunicación está dirigida según intereses económicos. Solo así se entienden cosas como "Personajes sólidos" del Empire o "Un thriller inteligente y estiloso que mezcla ciencia ficción, romance e intriga hitchcockiana" del Washington Post.

La primera secuencia de El Violín anuncia una obra violenta, dura y desgarradora. Uno de esos proyectos en los que para denunciar la opresión de los pueblos, no hay más remedio que mostrar, con toda crudeza, el escarnio y la vejación.
La primera secuencia de El Violín te hace aferrarte a la butaca, respirar hondo y prepararte para hacer frente a la barbarie. Pero es solo una pincelada, un recordatorio lacerante. A Vargas Quevedo no le interesa el morbo, la estridencia ni el detalle milimétrico de la violación, la tortura y la ejecución sumaria. Es curioso compararla con el ensañamiento de otro mexicano, Guillermo del Toro, a la hora de mostrarnos los desmanes y abusos del capitán del ejército franquista en su El Laberinto del Fauno. Ahí radica lo sublime de su denuncia: La tragedia es inminente, sobrevuela todo el metraje sobre los personajes… pero no es necesario mostrárnosla. En este sentido, la secuencia final en la que Plutarco es descubierto, debería quedar en los anales de la historia del cine.

Ante nosotros aparece pues, una película bellísima, llena de humanidad, contada de un modo portentoso (apoyándose en su excelente guión): La historia de supervivencia de tres generaciones de músicos (abuelo, hijo y nieto) de cualquier estado mexicano (quien sabe si Chiapas) en su lucha suicida contra el opresor.

Además del guión, hay que destacar para completar el triángulo, la fenomenal dirección de actores y su fotografía:
Ninguno de los tres actores principales, abuelo-hijo-nieto, es actor profesional, pero se muestran mucho más creíbles ante la cámara que muchísimos de los histriónicos mitos de Hollywood. En especial Angel Tavira, el anciano que encarna al abuelo. Su Plutarco es uno de esos personajes que ya nunca te abandonan.
Y por último la fotografía de Martín Boege. Un asombroso y pausado blanco y negro, jugando a menudo con el contraluz para que solo veamos las siluetas (la de Plutarco en la burra acercándose y alejándose de los soldados es de una belleza fascinante) y que hace que durante el visionado tengas en más de una ocasión la sensación de estar ante una exposición de fotografía más que en una sala de cine.

Cine en estado puro.

Alfter hours (siempre me he preguntado si el encargado de poner su ridículo título en castellano pudo volver a dormir sin remordimientos) es una película que solo podría haber rodado Scorsese.
Veladas pugilísticas con boxeadores paranoicos, clases de billar impartidas por el más grande, poderosos integrantes de la mafia en Brooklyn… mafiosos de poca monta, peleando por cinco miserables dólares, veteranos de Vietnam insomnes, al volante de un taxi…
Uno de los directores que mejor ha sabido radiografiar la sórdida fauna nocturna, en especial la de los barrios de Nueva York, decide un día cambiar los timadores, matones, camellos, putas y sodomitas por el mundo freak que abunda en toda gran metrópoli: oficinistas hartos de su trabajo con ganas de divertirse un rato, chicas depresivas con tendencias suicidas, chicas ingenuas con peinados de los años sesenta, escultoras encantadas en su papel de esclava dominada, encargados de bar con miedo a que les desvalijen la casa, raterillos convencidos de que pagar por algo no es bueno porque alguien termina robándotelo, gays de los de mostacho y cuero morreándose y pellizcándose los pezones, punkis maravillosos bailando bongo en un club, vendedoras de helados justicieras… y mucha… muchísima pasta de escayola y papel de periódico. Todo un universo friki que para sí quisieran los directivos de la televisión que nos ha tocado sufrir.

Griffin Dune bordó el papel de su vida, y para la posteridad quedarán algunos de los momentos más delirantes de la comedia, como la secuencia del billete en el taxi, los cartelitos por toda la casa indicando donde está el cadáver, los porros de césped o el amanecer en las oficinas.

Impagable el modo en el que, a pesar de estar riéndote con una comedia, se va apoderando de ti una extraña desazón… cada vez más impaciente porque el bueno de Griffin consiga las putas llaves de casa.

Ya se ha hablado de todos los aspectos técnicos de la cinta. De la sobriedad y emotividad de la misma. De la magnífica dirección de actores, sobresaliendo por encima de todos una inconmensurable Julie Christie. Hablemos ahora de lo que “Lejos de ella” propone y ofrece:

Es el cine que de verdad te llega, el que te hace un nudo en el estómago, el que no te deja indiferente. Es el cine que te hace ser mejor persona. O al menos intentarlo. Es el cine que te hace pensar en los demás; o en ti mismo y en como serás tú y tu pareja dentro de 30 años. Es el cine que te hace plantearte muchas cosas y preguntarte muchas otras. Esas cuestiones que solo tú puedes resolver en el silencio de la noche.

No se trata de compararlo con otro tipo de cine y discernir cual es mejor o peor. En ese sentido la directora es contundente en la película, cuando la protagonista sentencia “ya nunca vamos al cine; con las multisalas poniendo la misma basura americana”. Tampoco es eso.
De lo que se trata es de aprender a valorar y respetar este tipo de cintas. Sobre todo eso… aprender a respetarlas. Porque me parece increíble que en los tiempos que corren y viviendo como vivimos en lo que se supone es un país a la cabeza del desarrollo cultural en Europa, todavía haya una corriente tan amplia que cree que este es un tipo de cine infumable para cuatro mataos intelectuales… o como alguien ha comentado, para cuatro fumaos que la ven para luego alardear con el rollo sensible. Es triste, pero aun sigue habiendo gente con este tipo de prejuicios. Hombre de dios... si ya lo dijo el mismísimo Roberto Iniesta: "Ama... ama... y ensancha el alma".