“La habitación” tiene una de las primeras horas más trepidante, apasionante y fantástica que se recuerdan, porqué lo tiene todo, tensión, drama, acción, emoción y sensibilidad. En esta primera hora solo tienen protagonismo tres personajes, pero el auténtico peso de la trama lo llevan la madre y el hijo. En la segunda parte todo eso cae un poco y se convierte en una película más convencional, pero no deja de ser muy interesante, dónde podemos ver un auténtico drama a través de unas cuantas escenas muy tiernas y otras más tensas y duras.
Por encima de todo, destacar las grandes interpretaciones, tanto la de Brie Larson como la del niño de nueve años, Jaco Tremblay. Es muy difícil hacer una actuación tan dura por parte de un niño, pero el joven actor lo hace de una manera totalmente convincente, elegante i que no decae en ningún momento. Por otro lado, Larson también hace una interpretación excelente y muy contundente. Joan Allen, en un rol más secundario también hace una actuación muy tierna y sensible. Todas esas buenas actuaciones se deben, en parte, porque el director del film, Lenny Abrahamson, es un gran director de actores.
Otros aspectos a destacar son, en primer lugar, el guión, que está muy bien trabajado por parte de la misma novelista Emma Donoghue. Y, en segunda lugar, la banda sonora, que no aparece con frecuencia, pero cuando lo hace son en los momentos exactos para hacer emocionar al espectador.
En definitiva, “La habitación” es una película totalmente recomendable que será uno de los films del año por su fuerza, su intriga y sus valores. Es una película pequeña, pero por las actuaciones y de la forma en que nos cuentan la historia tendrá un impacto muy grande.

Algunos dirán que Guillermo del Toro, director mexicano de 'The Shape of Water', ha plagiado la temática del corto 'The Space Between Us' (2015) o copiado alguna escena de 'Delicatessen' (1991). Tonterías. Hay muchas películas parecidas entre ellas y no por eso es plagio.
El cineasta mexicano dijo hace poco que 'The Shape of Water' es su mejor película hasta la fecha. Puede que lo sea o puede que no, pero sin duda el director mexicano nos regala una maravillosa fabula entre lo que podríamos considerar una Bella y una Bestia más actuales. La historia entre la joven muda, Elisa (que sería la Bella), y el Anfibio (que sería la Bestia) provoca una mezcla de sensaciones: emoción, dulzura, tristeza, sensualidad y esperanza.

La excelente banda sonora de Alexandre Desplat, que funciona como un leimotiv, ya nos introduce perfectamente dentro de la narración y ya nos avisa que lo que veremos será una historia mágica y fascinante. Y es verdad, pero lo que se respira a lo largo de la primera hora de película es una gran tensión que llega a un clímax brutal justa a mitad de la cinta. De hecho, la primera hora de 'The Shape of Water' es de un nivel muy alto. También ayuda la agilidad del film, con algunos toques de humor que mantienen al espectador entretenido. Después, en la segunda hora, pasamos de la máxima tensión o una especie de película romántica y fantástica y el ritmo decae un poco, aunque el aire intenso se mantiene con el personaje de Richard Strickland (Michael Shannon), el malvado. Puede que Strickland sea uno de los mejores villanos de los últimos años en el cine, bien caracterizado y crea mucha antipatía des del primer momento en qué lo ves.

Los otros personajes secundarios también están muy bien caracterizados y todos tienen definida muy bien su personalidad. A parte del personaje de Shannon, en el laboratorio también está el doctor Hoffstetler, interpretado por un sensible Michael Stuhlbarg, que es el científico que se preocupa por el bienestar del anfibio. Sin duda, este ha sido el año (2017) de Stuhlbarg, que ha hecho tres películas ('Call Me By Your Name', 'The Post' y 'The Shape of Water') y las tres han sido nominadas como mejor película en los Oscar.
Por otro lado, encontramos a Giles, el personaje sabio y temperado interpretado notablemente por Richard Jenkins, que es el que acoge a Elisa en su casa. Y también tenemos a Octavia Spencer en el papel de Zelda, la amiga inseparable y fiel de Elisa. Spencer destaca por su carácter y amabilidad, como muchos de sus personajes que ha interpretado últimamente.
Pero sin duda la mejor interpretación la hace Sally Hawkins, que puede que haga la mejor interpretación de su carrera, y nos regala una fantástica actuación sin habla solo utilizando gestos, movimientos o expresiones, como hacían antaño los intérpretes de cine mudo. La actriz británica demuestra una gran dulzura, igual que una gran fortaleza y consigue hacer unos matices extraordinarios.

'The Shape of Water' tiene una historia fantástica, original y muy buena, pero estando en periodo de Guerra Fría puede que falte que no cuenten más cosa sobre este conflicto. Además, puede que a veces el guion sea un poco previsible, sobretodo el final. No por ello la película es de un nivel más bajo y no deja de ser una fábula fantástica, ya que mezcla drama, amor y fantasía a la perfección, y sus actuaciones son notables, y visualmente la película es hermosa de ver porque todos los aspectos están cuidados todos al máximo detalla porqué transmite una poética, una belleza y una sensualidad brutal.

“Concussion” nos enseña una historia real de un médico forense que descubrió una rara enfermedad en los jugadores de futbol americano, con todo lo que supuso este escándalo por la federación de este deporte. Lo más remarcable de esta película es que nos muestra una historia de un deporte, tema que no suele triunfar demasiado en el cine, pero el film dirigido por Peter Landesman tiene aspectos más allá del futbol americano que acaban por hacerla una buena película.
Lo primero que se tiene que destacar es la interpretación de Will Smith. Es una actuación muy convincente y sensible. Des de 2008 en “Seven Pounds” que no veíamos a Smith hacer un buen papel. Esto es agradable porque es un muy buen actor que, aunque destaca por ser un intérprete cómico, lo hace mucho mejor en papeles dramáticos, y el resultado lo podemos ver en esta película. Will Smith nos regala una interceptación impresionante. Por otro lado, tiene un guión lo suficientemente correcto y que decae en pocos momentos de la película. Es una trama lineal, aunque poco original y con la cual el espectador se puede perder de vez en cuando. De todas formas, es una historia muy innovadora en el cine por la temática que trata. Por último, mencionar también la banda sonora que, aunque tiene pocos momentos durante el film, aparece en las escenas adecuadas para que el espectador pueda meterse más emocionalmente dentro de la trama.
Por todos estos motivos, “Concussion” es una película bien hecha. No hablamos de una de las mejores películas del año, pero si de una película nueva por el tema que trata. Es recomendable para todos los amantes del deporte, pero también por los que no lo son tanto. Es una película entretenida con la cual el espectador se puede sumergir en la trama y sufrir con el protagonista.

El cine de Albert Serra ha cambiado (algo) con esta última película, “La mort de Luis XIV” que se estrenó en el pasado Festival de Cannes y tuvo una muy buena recepción por parte de la crítica y el público asistente en la proyección. De la misma forma, seguro que también recibirá alguna nominación en los premios Gaudí catalanes, en los Goya españoles y en los César franceses.
A diferencia de las otras películas del director, como “Honor de cavalleria” (2006), “El Cant dels Ocells” (2008) o “Història de la meva mort” (2013), ya no utiliza un guión tan libre con improvisaciones ni unas actrices y unos actores amateurs. Esta vez opta por un guión más estructurado, aunque sigue con alguna improvisación, y también utiliza intérpretes más profesionales, del mundo del teatro. Pero sobre todo es un gran acierto la contratación del veterano actor francés Jean-Pierre Léaud para hacer el papel principal del Rey Luis XIV. Léaud retrata a la perfección la agonía de los últimos días del Rey Sol, con una actuación brillante y simbólica, a la vez que con toques misteriosos. Y es que uno de los aspectos que no ha cambiado Serra es tratar historias de míticos personajes o que ya han existido, como hizo con el Quijote, los Reyes Magos o dio su propia versión de Drácula y de Casanova. Hace una biografía de Luis XIV, pero no una biografía cualquiera. Un rey que tuvo el poder más absoluto, pero Serra representa esta figura igualándolo al resto de los mortales, sometido a la fragilidad del cuerpo y con una degradación física de la enfermedad que lo acompañará hasta la muerte. En definitiva, se representa una agonía muy cercana que incluso llega al espectador.
Esta agonía llega al espectador por diferentes razones. En primer lugar, porque se hace un tratamiento muy crudo de la muerte, aunque también se la muestra con un comportamiento banal y es que el misterio de la muerte aún no la ha resuelto nadie y es un aspecto al que la gente le tiene respecto. En segundo lugar, hay una gran importancia del fuera de campo, ya que el espectador puede intuir ciertos aspectos que pasan fuera de las imágenes propiamente cinematográficas. Por lo tanto, es una película muy observacional, y es que a Serra siempre le ha gustado hacer un cine más de situación y no narrativo. Así, podemos ver lo visible gracias al cine, pero también podemos imaginar otras acciones que pasan sin que se nos enseñen. Y, en tercer lugar, por los planes de cámara. Algunos muy largos, que dicen mucho sin haber diálogo. Son de una cierta tensión y a la vez muy observacionales. Ver durante treinta segundos el sufrimiento del protagonista no tiene precio. Pero es un padecimiento que no se enseña demasiado en primer plano y ayuda también a esto que la historia se desarrolle solo en un único espacio, en la habitación del Rey, salvo dos o tres planos.
Por otra parte, la ausencia de banda sonora provoca una situación muy intensa y desnuda a la vez, casi sin sentimientos. Solamente en dos ocasiones podemos escuchar alguna melodía. La segunda muy acertada en forma de Réquiem cuando los curas hacen tomar el cuerpo de Cristo y el vino a Luis XIV, aviso que queda poco para que muera. No nos engañemos, el título no dice ninguna mentira, relata la muerte de un rey y la agonía de sus últimos días.
Lo que más le gusta a Albert Serra es toda la cuestión de las preproducción, todos los aspectos de diseño artístico y de vestuario. Por ello, podemos ver cómo estos elementos son tratados con el máximo detalle en “La mort de Luis XIV”. El diseño de producción, el vestuario y el maquillaje son excelentes en este film.
Pero si hay algo que apasiona al director de Banyoles es el montaje. Allí él es Dios y puede hacer lo que quiere: mezclar una escena con otra o mezclar un diálogo con otro. Esta vez, Serra tenía la idea de hacer un montaje confuso y realmente es así, porque el espectador no sabe qué período de tiempo abarca la historia que se nos está contando. De hecho, el espectador se puede imaginar que pasa durante un mes o dos, pero el director dice que la historia que se puede ver en la película transcurre en quince días. Así, podemos afirmar que existe una percepción del tiempo inestable, pero a la vez es de lo más sensual.
En definitiva, “La mort de Luis XIV” es la mejor película que ha hecho Albert Serra hasta día de hoy. En primer lugar, para humanizar a todo un Rey que en su época era uno de los hombres más poderosos del mundo. En segundo lugar, por un diálogo muy interesante, algunos realmente entrañables, especialmente en un sentido poético, pero también con cierta ironía, que podemos ver sobre todo por parte de los médicos. Y, por último, para hacer presente una historia del pasado. Hacer una historia que tenga los mismos significados es muy complicado, y Albert Serra lo ha hecho de forma auténtica y rigurosa, poniendo al mismo nivel un personaje histórico y su intimidad.

El director de “Once” (2006) y “Begin Again”(2013), John Carney, se ha vuelta a reinventar con el filme musical “Sing Street”, que tiene un formato más parecido al de “Once” pero con unas canciones mucho más roqueras y que trata un tema diferente como es el caso de la adolescencia. Eso sí, te tienen que gustar las películas con un formato más musical para que la película de Carney te pueda fascinar. A quien le guste la música, saldrá exaltado de la sala una vez haya visto el filme.
“Sing Street” tiene como tema principal la música y la creación de una banda, pero se esconden otras cuestiones muy interesantes detrás, como el amor, las relaciones y dificultades familiares y los problemas escolares. La música es la forma que tiene el protagonista para alejarse de estos problemas. Además, la película nos sitúa en la década de 1980, y con el ambiente, el vestuario y la música de grupos como “The Jam” o “The Cure”, hace que el espectador puede volver en aquella época. Y es que la música, a parte de tener canciones hechas a propósito para el filme, también tiene otras canciones de la época de los 80s y por eso es un poco nostálgica para todos los que la vivieron.
La película tiene escenas con diálogos muy intensos y a lo largo del filme domina un guion ágil y poco cargante y que de vez en cuando tiene alguna pizca de humor muy bien conseguida.
Por otro lado, las interpretaciones no son estelares, pero lo suficiente correctas. La mejor actuación es la que hace el hermano del protagonista, que es un personaje que a priori está tapado dentro de la trama, pero es el personaje que está más bien construido y tiene una gran importancia.
En definitiva, “Sing Street” es la confirmación de John Carney como director que sabe explicar a la perfección historias de amor con música y delicadeza sin perder ningún detalle. Una película notable que hace homenaje a la época de los años 80s y que nos habla de la hermandad y el amor adolescente con una gran banda sonora. La preciosa canción "Go Now" de Adam Lavine hace más perfecto el final de la película. ¡No te la puedes perder!