Barton Fink, una obra maestra que incomprensiblemente se ha diluido entre la gran cantidad de basura del cine contemporáneo. A pesar de su éxito en la crítica, inexplicablemente es muy difícil estos días encontrar esta fabulosa película de los hermanos Coen, que muestra a John Goodman en una de sus mejores interpretaciones.

Hablar de Barton Fink no es fácil, quizá por tratarse de una de las películas más estrambóticas de los hermanos. Y es que esta vez nos encontramos con un argumento que en un inicio parece sencillo, pero que se complica a medida que avanzamos en la historia: en un principio, se nos presentará a Barton Fink, un dramaturgo que probará suerte en el cine con un guión sobre el mundo de la lucha libre. En su camino se cruzan los clásicos personajes estrambóticos de los Coen, divertidos todos ellos: desde un megalómano e hiperactivo jefe de unos estudios a un escritor fracasado y borracho. Por supuesto, un argumento que en un inicio se presenta arrancando de forma algo lenta tomará forma tras un impactante giro de guión que hará que lo que al principio parecía una película decente de neonoir se transforme en una locura espectacular al nivel del mismísimo David Lynch. Entonces lucen realmente unas interpretaciones excelentes, una fotografía ejemplar, un ambiente claustrofóbico y decadente, y un oscurísimo sentido del humor inigualable.

Siendo su único defecto un arranque un tanto lento, Barton Fink logra captar la atención de forma sublime hacia la mitad del film, donde ocurre un espectacular crescendo hasta llegar a uno de los finales mejor pensados de la historia del cine, donde el sentido se diluye hasta el clímax final, que presenta en el último plano del film (literalmente) un impresionante golpe de efecto, en una escena que combina la sorpresa con la locura y el humor, dejándonos desconcertados en nuestro sillón, con una expresión de placentera incertidumbre. Imprescindible y merecerdora de los galardones concedidos.

Lo primero es lo primero: recomendaría Takeshis' a muy poca gente. Es una de esas películas que o bien se aman o bien se odian, y en este caso mucho me temo que la mayoría de gente la odiaría. Y no sin razones: vale decir que la película parte de la base de una historia que- racionalmente- no tiene ni pies ni cabeza. Esto supone un riesgo terrible para la gran mayoría de directores, que seguramente serían incapaces de sacar de tanto caos escenas brillantes. Este no es el caso de Kitano, o al menos no para las personas que admiramos su estilo, pues realmente a aquellos a los que no les agrade el estilo de Takeshi - desde "Getting any?" a "Dolls"- van a detestar profundamente esta película.

Pero bien, personalmente opino que es brillante. El argumento, al principio, parece sencillo: Beat Takeshi (es el nombre que usa Kitano cuando actúa) es un famoso actor de cine y director, engreído y desagradable. Por otro lado, un aburrido empleado de un supermercado llamado Takeshi Kitano- y que es exactamente igual que Beat, salvo por el color del pelo, teñido de rubio- tiene la fortuna o miseria de tener exactamente el mismo aspecto que Beat. Así, poco a poco Takeshi Kitano fantasea con volverse Beat Takeshi, en una confusa red de sueños dentro de sueños, donde el límite de la realidad se quiebra gradualmente hasta que el "argumento" de la película queda diluido en una extraña fantasía onírica. Vamos, la película es completamente surrealista. Sin embargo- y aunque alguna escena es demasiado larga- la obra realmente atrapa, está llena de creatividad y locura desenfrenada, con una comedia muy personal y estallidos súbitos de violencia al estilo Kitano. De este modo, el director realmente logra arrastrarnos a su mundo, situarnos dentro de ese hechizo esquizofrénico donde el dopplegeanger sueña ser algo más que la sombra de su otro yo. Que es lo mismo que decir, Takeshi Kitano al estilo de David Lynch, una combinación explosiva, para bien o para mal, depende del expectador.

Por cierto, es muy recomendable conocer algo de la obra de Kitano antes de lanzarse con Takeshis'. No sólo sería esta una terrible forma de empezar a conocer al director, sino que además se recomienda familiaridad con el mismo, para entender de esta forma algunas de las auto-parodias que Kitano realiza, sobretodo con respecto a sus obras relativamente más recientes, como Hana-Bi, Brother o Dolls.

From Hell es una película que, por si sola, está bastante bien sin llegar a ser una obra maestra. Las interpretaciones dan la talla, los diálogos están bien escritos (claro que muchos están sacados del cómic), la fotografía y la ambientación están logradas, y algunos movimientos de cámara bastante curiosos dan dinamismo a muchas escenas. Los ambientes claustrofóbicos de Whitechapel en el siglo XIX están muy bien recreados, y en ese sentido sí recuerda bastante al cómic en que se basa.

Por lo demás, From Hell como adaptación del cómic original no está del todo mal. Naturalmente, se trata de una versión comprimida y reinterpretada de la obra de Alan Moore. Para comenzar, la diferencia más notable es que en el cómic de Moore, Jack es el protagonista, mientras que en la película el protagonismo se traslada completamente a Abberdine, que en el cómic también era uno de los personajes principales, pero ciertamente no el protagonista. De ésta forma, la visión de la historia cambia completamente, y no sabemos quien es el asesino hasta el último tercio de la película, una medida efectista estilo Hollywood que, sin embargo, no está mal ejecutada si olvidamos el infinitamente superior cómic de Moore. Simplemente, en la película no les ha quedado mal. Lo segundo, el personaje de Abberdine - que realmente existió y no se parecía nada a Johnny Depp- ha sido fusionado con otro de los personajes del cómic para crear a esa especie de detective psíquico. Así mismo, muchos roles han sido modificados, pasando a Elizabet Stride el vicio que en el cómic tenía Mary Kelley, por ejemplo.

Pero dejando de lado como tan alegremente se han pasado por el forro la mitad del cómic, esencialmente la historia es la misma, pero tocada más superficialmente. A pesar de todo, algunos de los mejores diálogos y escenas del cómic siguen presentes, lo cual siempre hace que la película tenga algo de interés para los que leímos la obra de Moore y Campbell. Por supuesto, no esperemos ver en la película más que unas pocas pinceladas de todas aquellas escenas absolutamente locas del cómic, después de todo la comercialidad prima sobre la fidelidad a la obra. Y para los que no han leído la obra original, la película sigue estando bien. A mí personalmente no me decepcionó, porque francamente no esperaba una adaptación fiel y profunda de la obra de Moore, sino una versión descafeinada pero no exenta de cierto nivel de espectacularidad visual y buenas actuaciones.

A pesar de que Fallen Angels no es una de las películas más conocidas del cada vez más amado (y detestado) director honkonés, es sin duda una de las mejores, tanto por la vía argumental como la estética. Siguiendo la estela de la admirada Chungking Express, Wong Kar-Wai vuelve a repetir la misma estructura de su anterior obra: de nuevo nos vemos trasladados al Hong Kong contemporáneo, si bien a diferencia de Chungking Express, los ambientes de Fallen Angels resultan mucho más agobiantes, oscuros y decadentes, así como los personajes, merecedores del título de "ángeles caídos".

Pero de nuevo vuelve la estructura de explicar dos historias, la protagonizada por el asesino a sueldo que como la primera historia de Chungking Express tiene una orientación claramente dramático, y la que gira en torno al joven sordomudo enamorado, que a pesar de su oscuridad está llena de humor (mayoritariamente negro).

Ambas historias tienen una atmósfera increíblemente poética, y casi dejan ir un aura a cuento de hadas oscuro, cosa a la que ayuda también la extraña sensación de irrealidad lograda por el director al utilizar ciertos efectos visuales que hipnotizan al espectador, creando una estética opresiva pero mágica que logra asombrar y a la vez desarrollarse con naturalidad, sin parecer forzada, a pesar de que el increíble trabajo de fotografía de Christopher Doyle está patente en todo momento. La banda sonora, mezclando diferentes tipos de ritmos realmente envolventes, acaba de redondear la fabulosa estética nocturna, que ayuda a la historia- terriblemente nostálgica, cuidada hasta el más mínimo detalle- a desarrollarse dentro de un marco tan bien cuidado. Destacables también certas escenas fuertemente eróticas, donde sin mostrarse nada, se insinúa todo de una forma muy sutil, con una sensualidad ardiente pero sin dejar que la fuerza acabe decayendo en formas estereotipizadas.

A pesar de todo, esta es también una película polémica, donde un arriesgado estilo de dirección- que llega a tener planos fijos de casi tres minutos donde no hay ningún tipo de diálogo (aunque se diga mucho, gracias al excelente trabajo de los actores)- puede no gustar a mucha gente, que podrá pensar que el ritmo lento de narración no va a juego con unas historias tan llenas de violencia. Sin embargo, cabe decir que bajo otra óptica, este argumento hubiera tenido un resultado completamente distinto, y el intento de Wong Kar-Wai de narrar una historia de acción honkonesa bajo este punto de vista siempre es elogiable por su atrevimiento.

"Un perro andaluz" es una de las primeras obras de Luis Buñuel, y considerada además uno de los mejores ejemplos de surrealismo cinematográfico que se han hecho. A pesar de que toda la película es excelente, una de las mejores escenas- que fue la que escandalizó al París de los años veinte- es también una de las más conocidas: al inicio de la película, Luis Buñuel se acerca a una mujer y con un cuchillo le cercena el ojo mientras una nube pasa a través de la luna llena. El primer plano del corte es angustiosamente realista, especialmente sorprendente dada la limitación de medios de la época, y también una perfecta introducción a la locura de imágenes que aparecerá a continuación.

"Un perro andaluz" es un proyecto que surgió al mezclarse los sueños de Dalí con los de Buñuel. Pero el resultado, más que un sueño, es una perturbadora pesadilla, una retorcida galería de sucesos sin sentido, imágenes absurdas y una impecable capacidad para dejar al espectador sumido en un sentimiento de espantosa irrealidad. A través de la película- que no llega a los veinte minutos- podremos ver todo tipo de imágenes que abarcan cientos de interpretaciones (posiblemente todas incorrectas) y ver lo que realmente es representar un sueño o pesadilla en una película: nada de estúpidos filtros borrosos y diálogos levemente ilógicos, sino un verdadero caos de imágenes y sensaciones perturbadoras.