La cita obligada de cada año con el neurótico neoyorkino nos adentra esta vez al interior de Coney Island donde nos narra las desventuras amorosas de Ginny, una camarera casi cuarentona infelizmente casada y sin sueños por la vida que se redescubre a si misma cuando inicia una aventura amorosa con un joven salvavidas.

Los que conocemos y amamos el cine de Woody Allen sabemos que a estas alturas difícilmente nos va a sorprender con los temas que trata en sus guiones, en Wonder Wheel encontramos algunos conceptos sobre el amor, la madurez, la infidelidad e incluso el destino que ya había tocado con anterioridad; sin embargo, es en sus disfuncionales personajes y en como siempre sus clarividentes diálogos donde encuentra frecuentemente una nueva perspectiva.

Wonder Wheel está contada con mucho oficio por parte del veterano cineasta haciendo gala de sus virtudes como narrador, mientras los personajes van poco a poco siendo desnudados por su creador haciéndonos partícipes de sus emociones y pensamientos, logrando una conexión del espectador con la historia como pocos autores consiguen. Woody sabe enamorar, someter y luego regalarnos una pequeña idea de la vida de la forma más natural posible, en su último largometraje no es la excepción.

El elenco es sobresaliente, Timberlake está muy digno en un papel que le va como anillo al dedo, Belushi y Temple son dos secundarios a considerar en la próxima temporada de premios, ambos están excelentes. Ya luego esta Kate Winslet que consigue su mejor interpretación en muchos años, su Ginny es un personaje hermoso, complejo y trágico por partes iguales.

Ya por último no quisiera dejar de mencionar la magia de Vittorio Storaro, lo que hace este señor con esos tonos cálidos y fríos es puro talento, la forma en que por momentos un lado de la pantalla posee una iluminación opuesta a la del otro de la imagen, y luego la cámara se pasea pero sigue conservando la misma intensidad, también como el tono de la fotografía va cambiando lentamente trabajando con el juego de luces de esa rueda de la fortuna, es simplemente magistral.

Wonder Wheel es la mejor película de Allen desde “Blue Jasmine”, carece de originalidad pero que lo compensa con la orquesta del resto de sus elementos que lo hacen ser un filme intachable, genialmente narrado, interpretado y ejecutado en la imagen.

Loving Vincent rápidamente marca una pauta en el mundo de la animación pues se trata de la primera película en usar la pintura sobre oleo como fotograma para reproducir imágenes en movimiento, así pues son aproximadamente 56,800 fotogramas que han sido pintados conservando la esencia y estilo artístico que formarían la carrera de Vincent Van Gogh, por este motivo Loving Vincent es una experiencia visual única que mezcla la pintura y el cine para sentar un nuevo precedente en la técnica de la animación, y el viaje es sin duda bello y placentero.

Pero las cualidades de Loving Vincent no se terminan en su aspecto estético (que no deja de ser muy aplaudible) sino que también se desmarca como un biopic trascendente acerca del ilustre pintor, el cual poco tiene que ver con la interesante “Lust for life”; aquel retrato de Van Gogh realizado por Vincente Minnelli y protagonizado por Kirk Douglas, pues aquí la perspectiva es totalmente distinta, siendo los testimonios de las personas que vivían a su alrededor los que trazan el rompecabezas acerca del artista y su misteriosa muerte, haciendo que el trazo sea más complejo y detallista, conjugado con una narrativa que tiene como principal arma a un flashback que se evoca en pantalla en un hermoso blanco y negro para hacer contraste entre los tiempos narrativos.

La directora Dorota Kobiela no oculta su cariño por el pintor, pues Loving Vincent es una doble carta de amor a Van Gogh, la primera es la que homenajea su trabajo usando la misma técnica que en sus pinturas mientras que en la segunda ya en el guion reivindica una figura controvertida dejándonos en el plato tanto al artista como al hombre, el genio detrás de esas obras maestras, como al presunto maniático que atento contra su vida, y esta doble carta de verdad que emociona por ambos lados.

Humana, poética, sincera, nostálgica, Loving Vincent es claramente el filme animado del año, una joyita que juega con la imagen como con la narrativa para convertirse en un biopic diferente y trascendente.

Que cojones tiene Darren Aronofsky.

El director norteamericano continúa con sus obsesiones acerca de nuestra existencia con la transgresora Mother, un largometraje destinado no solo a dividir a los espectadores, sino a crear una verdadera marea de discusión sobre las metáforas que desprende el relato, para mí estamos ante la película más polémica de los últimos años.

Se nota desde un inicio la influencia que tiene el cine de Luis Buñuel en la última película del director de Black swan, para mi están claras las referencias a El ángel exterminador en su primera mitad (con humor negro surreal incluido) y por supuesto a Viridiana, exponiendo el ventajismo de la naturaleza humana, el canibalismo del hombre, Aronofsky se dedica a retratar con mucha valentía la relación Dios-Hombre a través de numerosas metáforas que van contando uno a uno los pasajes bíblicos más representativos con la mayor crueldad y cinismo posible.

Efectivamente es excesiva, por momentos exasperante, pero también creo que todo está justificado en la esquizofrenia audiovisual del director, que utiliza sus planos más reconocidos marca de la casa para seguir en cada escena a la protagonista (inmensa Jennifer Lawrence en la que es sin duda la mejor interpretación de su carrera), mientras evoca una sensación que asfixia a través de cada momento, de cada interacción con los personajes secundarios, de cada conflicto con su esposo (un cumplidor Javier Bardem, pero que es neutralizado una y otra vez por su co protagonista).

El episodio final de la historia es lo suficientemente gráfico e incómodo para que el espectador salga huyendo, nuevamente repito es excesivo y poco explicito, pero se nota que Aronofsky tiene una idea clara que reconoce el fin del trayecto de este complejo camino, probablemente muchas de estas premisas se quedaron sin materializarse en Noah, ahora cobran vida en este producto mucho más personal.

¡Mother! no es un filme fácil, si no se entra de lleno en la propuesta del director el resultado será caótico, yo he logrado entrar desde el primer minuto y me he quedado anonadado ante el circulo de salvajismo, provocación e inhumanidad al que nos somete Aronofsky, si se quiere decir un pretencioso cineasta, pero comprometido con su arte.

Regresa el universo de Star Wars con el séptimo episodio de la saga; El despertar de la fuerza, de la mano del geek del momento J.J. Abrams, quien busca traer la saga a nuevas generaciones con la misma formula que funciono hace ya casi 40 años cuando por primera vez George Lucas nos introdujo en una galaxia muy muy lejana.

J.J. Abrams es un productor muy inteligente y se nota, sabe lo que los fans odiaron en las precuelas; que no respetaban la esencia de la trilogía original, y sabe lo que estos aman del universo de Star Wars, por eso el también director de los últimos dos filmes de Star Trek no corre riesgos y va a la segura, en El despertar de la fuerza no solo evade todos los elementos buenos y malos de las precuelas, sino que además imita (no recrea) todo lo que la gente ama de las primeras películas, con esto se pone a los fans en el bolsillo y asegura la permanencia eterna de la saga, aunque con esto signifique entregar un producto donde la ausencia de la novedad es la principal característica.

El guion que firma Abrams junto a Lawrence Kasdan (responsable de los libretos de El imperio contra ataca y El regreso del Jedi) es la unión de los tópicos clásicos de la primer trilogía sin ofrecer alguna reestructuración, reinterpretación o expansión del universo, hay nuevos personajes si, pero que poseen casi las mismas personalidades (del mismo tipo, aunque eso no signifique que funcione) que los protagonistas originales, hay una historia con un argumento independiente pero de alguna forma todas las acciones que se desarrollan suenan extrañamente familiares y hasta se sienten predecibles. Si, lo cierto es que la mayoría de las escenas en El despertar de la fuerza es una repetición tras repetición de algo ya visto anteriormente.

Los mejores momentos del filme tienen dos protagonistas claros, primero BB-8 o el robot balón, un relevo perfecto de los personajes androides, posee el valor y determinación de R2 D2 pero también tiene sus momentos cómicos como C3PO, y por otro lado esta Han Solo (Harrison Ford en su salsa) que devuelve la nostalgia y que protagoniza además las secuencias más épicas del filme, cuando aparece en escena hay una clara subida de nivel. No dejare de mencionar a los dos nuevos protagonistas, Rey y Finn, ambos desprendiendo buena química, ella capaz de demostrar que puede ser una buena heroína y el bastante gracioso, dos personajes interesantes que seguramente irán evolucionando de mejor forma.

Por su parte las escenas de acción se van desarrollando de manera trepidante lo que no da respiro alguno, las poco más de dos horas se pasan volando y el momento climax es realmente impresionante, por muchos los últimos 30 minutos son lo mejor de El despertar de la fuerza lo que aleja un poco el aire de decepción que se había acumulado ante tanto cliché en la galaxia. Mencionar también la como siempre enérgica banda sonora de John Williams, aunque quizá las partituras nuevas no vayan a quedar grabadas en la memoria.

Abrams logra cumplir, entrega una película de la que muy difícilmente los fans se sentirán defraudados, sin embargo se hubiera querido mayor experimentación sobre todo en el guion el cual no termina por estar al nivel deseado, de haberlo estado pudimos haber estado ante una de las mejores películas de la saga, sin embargo se ha quedado algo lejos.

Uno de los personajes que sin duda ha influenciado a las generaciones modernas ha sido Steve Jobs, co fundador de empresas como Apple o Pixar, además de ser considerado un genio de la industria de la tecnología informática, por eso no es ninguna sorpresa que apenas cuatro años después de su fallecimiento llegara ya este ambicioso biopic de la mano del oscarizado Dany Boyle que busca meterse en la mente de uno de los hombres más brillantes e influyentes de los últimos tiempos.

Boyle busca crear su propia The social network y eso se nota desde el minuto uno (obviando el hecho de que el guion viene igualmente firmado por Aaron Sorkin) con un argumento y estilo muy similares al filme de Fincher, buscando de alguna forma desmitificar al personaje principal mediante una trama que muestra sus virtudes pero también sus defectos, haciendo un recorrido sintetizado de sus logros profesionales pero también conectando con su lado más oscuro y a la vez humano. ¿Cuál es el problema entonces con Steve Jobs? Que lo que funcionaba perfectamente en The social network aquí lo hace a medias, principalmente porque en aquella si bien era una película sobre Facebook, este quedaba en un segundo termino para hablarnos de temas más importantes, aquí Apple siempre esta presente en todo, incluso cuando no se habla de él, en más de una ocasión de siente como un spot muy largo de la empresa y de la figura de Jobs.

Cuando el guion busca profundizar en su lado más humano del protagonista este se queda corto, sobre todo al momento de explorar su lado paternal, se nota muy mecanizado y predecible, además que contradice todo el discurso previamente establecido, lo cual no importaría si la evolución de esta relación tuviera más matices, esto hace que sea muy complicado sentir algún sentimiento por esta parte que busca ser emotiva y que se queda muy lejos de serlo. Mucho más interesantes son las relaciones de Jobs con su equipo de trabajo, sobre todo con el personaje de Steve Wozniak que interpreta Seth Rogen, donde los ágiles diálogos de Sorkin brillan notablemente. Mucho más decepcionante es el personaje de Kate Winslet, el cual solo sirve como mera conciencia ocasional del protagonista, fuera de eso no existe algún aporte importante en la trama, lo que impide que sienta entusiasmo por la cumplidora interpretación de la actriz.

Pero hay que ser francos, los personajes secundarios quedan totalmente relegados (algo que tampoco sucedía en The social network), todo el guion esta enfocado en Jobs y esta hecho para el lucimiento de este personaje, y Michael Fassbender no lo desaprovecha, esta excelente en todo sentido, su voz, sus ademanes, su mirada.

De los aspectos técnicos hay que hablar de su montaje frenético al puro estilo del cine de Boyle, lo que hace que la película (dividida por cierto en tres actos) se pase volando, y por supuesto de su fantástica banda sonora a cargo de Daniel Pemberton, probablemente el trabajo más destacado del año en este apartado.

Steve Jobs tiene numerosos aciertos a nivel visual, sonoro e interpretativo, pero falla en su intento de ser un biopic realmente trascendental, principalmente por el hecho de que al menos lo que nos han contado en dos horas no parece lo suficientemente interesante para justificar un filme de este personaje, sintiéndose más como un homenaje muy oportunista que busca engrandecer la figura de Jobs

https://alegatorevista.wordpress.com/2015/11/24/resena-de-steve-jobs-de-danny-boyle/