El buen hacer de Ridley Scott se quedo por el camino. Tal vez cansado de deslumbrar a crítica y público con sus anteriores filmes (Alien, Blade Runner o Los Duelistas), en la presente cinta parece despreocuparse del asunto.

Si bien el director británico demuestra sus cualidades para realizar un excelente despliegue en la puesta en escena y lograr una gran ambientación, del mismo modo no consigue levantar un guión frío y plano, así como un trabajo interpretativo que tampoco ayuda en exceso.

Legend se caracteriza por ser el prototipo de una fantasía, contiene todos los elementos y arquetipos de los cuentos de hadas: princesas, duendes, enanos, trasgos, unicornios, héroes que se ven arrastrados a serlos… Tiene muchos puntos en común con películas tales como Dentro del Laberinto.

Los personajes de Legend son maniqueos, trazados de forma muy superficial y que no llegan a conectar en ningún momento con el espectador; Tom Cruise caracterizado como Jack, el chico del bosque, resulta muy vacío. Que decir de Mia Sara y Tim Curry: la primera, de lo inocente, parece simple, y el segundo no se impone como Señor de la Oscuridad a pesar del sobresaliente trabajo de los maquilladores.

Hay algunos personajes que, incluso, son confusos y contradictorios, restando la poca verosimilitud que pudiera tener el film. El guión no tiene nada que consiga retener la atención del público. Se trata de una historia excesivamente sencilla que no despierta ninguna respuesta emocional.

Narrativamente, Legend, es una película muy pobre.

Sin embargo, no todo en la cinta acaba tan mal parado. El gran (y puede que único) atractivo de la película de Ridley Scott es su ambientación y paisajes. A veces parece que estemos frente a una fotografía de fascinante belleza. La puesta en escena de reviste de un halo mágico que, desafortunadamente, no se ve acompañado de algo que le de viveza.

Legend resulta recomendable para contemplarla sin sonido alguno, haciendo caso omiso de la historia. Lo único que la salva del olvido es la escenificación y el contar en sus créditos con los nombres de Tom Cruise y Ridley Scott.

Steven Shainberg, en su segunda película, nos acerca una historia de amor poco convencional. En Secretary encontramos todos los elementos de una comedia romántica al uso: chica conoce chico, se enamoran, chica pierde chico, y resurgimiento del amor. Sin embargo, lo que hace única a esta película son las condiciones en que se dan estos pasos.

La relación que se da entre los protagonistas haría que muchos alzaran la voz, pero el delicado tratamiento que le da Shainberg a esta comedia consigue que no caiga en la vulgaridad y lo morboso.

Basándose en un relato corto de Mary Gaitskill, Steven Shainberg se adentra en un mundo falto de tolerancia de la mano de unos personajes inseguros y con muchas frustraciones que sólo buscan un poco de comprensión.

La pareja formada por James Spader y Maggie Gyleenhaal no pretende servir de ejemplo ni generalización de nada; son un caso concreto con sus vicios y virtudes particulares.

Mientras que los secundarios apenas tienen importancia sirviendo sólo para comprender un poco más la psicología de los protagonistas, y James Spader simboliza una figura de guía; el peso del film recae en gran medida sobre el papel de Maggie Gyleenhaal.

Si bien el personaje de Lee se nos presenta como una chica sin confianza y que se siente terriblemente culpable, la trama avanza a la par que Lee se acepta tal como es y comienza a sentirse libre. Esto en gran parte debido a la acción de Edward (James Spader), que le muestra el camino y la pone a prueba. Un Spader que, a pesar de la fachada que quiere transmitir, no es muy diferente Gyleenhaal. Algo que en ocasiones le hace dudar más que ayudar.

Edward puede llevar a engaños porque recuerda (salvando las distancias) a James de Crash (David Cronenberg) y a John de Sexo, mentiras y cintas de video (Steven Soderbergh). Pero lo hace únicamente por las situaciones “ardientes” en las que se ven envueltos y porque les da vida James Spader, no hay semejanzas palpables entre los personajes en cuestión. Sin embargo, este hecho juega en contra de Secretary, puesto que muchos la ven con una idea equivocada y preconcebida de la misma, pudiendo perder el interés por la propuesta antes de tiempo.

La relación a la que se asiste en Secretary está plagada de sutilezas y contada con un humor negro muy de agradecer que quita hierro al asunto sin desmerecer los temas tratados. He ahí la principal baza de la cinta.

Ambos personajes (Lee y Edward) se complementan perfectamente, tanto, que llega a surgir una cierta interdependencia que es lo que desencadena las complicaciones.

Secretary es una aproximación diferente sobre el manido tema del amor que intenta suplir un ritmo narrativo algo desigual con su originalidad y con unos protagonistas que ofrecen el todo por el todo para dejarnos con un buen sabor de boca.

Lo más importante de todo es "romper" con el espíritu de la original. Esa es la premisa que están siguiendo la mayoría de los remakes (por no decir todos) de los clásicos -para bien o para mal- del cine de terror. Y de esto Rob Zombie ha demostrado saber un rato.

Siempre hay que hacer lo contrario de lo que se hizo en el film a "remakear". Si en la original el malo es la "reencarnación" del mal, que mata sin nigún motivo aparente o que no se nos muestra en absoluto; en nuestra revisión de la historia, nos inventaremos una familia excéntrica y marginal con un hijo acomplejado, sin afectos y (lo más importante) con traumas y problemas psíquicos. Normal que de mayor se dedique a matar.

Ahora vayamos a la forma de matar. Nuestro chico, en la original, se ocultaba y escondía; se jugaba en el film con las sombras. Era un terror basado en la ambientación, más psicológico que de gritos. Se creaba la atmósfera perfecta para que nos asustaramos de verdad. Nosotros, en cambio, pasamos de todo eso y buscamos un psicópata tipo "Viernes 13", mucha sangre y muchos gritos. Se acabó el jugar con el ambiente para dedicarnos a acuchillar a todo el que se nos pone por delante.

Si bien es cierto que no está entre sus mayores obras; Blake Edwards logra un producto que resulta fácil de ver, con situaciones rocambolescas concebidas para producir la risa fácil y unos personajes que llegan a ser adorables.

Con un Bruce Willis como pez en el agua en la comedia (gracias a trabajos gratamente recordados como Luz de Luna) y escudado por Kim Basinger (quien repite con Edwards) y John Larroquette entre otros, el resultado final es más que aceptable.

Es verdad que durante la última media hora el ritmo decae un tanto, dejando de lado la parte más cómica para centrarse más en la relación amorosa de los protagonistas y sus dificultades... como toda película del género, aderezada con los tópicos de turno. Aún así el resultado final es muy agradable y te deja con una gran sonrisa en la boca la veas cuantas veces quieras; algo que no consiguen muchos directores y que es muy gratificante.

Sin duda, nos encontramos ante lo que se convertirá en una obra de referencia en no demasiado tiempo. Wall-E es, por momentos, un auténtico despliegue visual y narrativo que engrandece el cine como arte. Pixar se ha superado así misma y nos deleita con esta maravilla.

Visualmente, hay poco que comentar de la cinta de Andrew Stanton, es de una impecable factura. Wall-E significa un paso más allá en la animación digital. Sorprende en cada paso que da y deja a más de uno con la boca abierta ante la belleza y realismo de sus imágenes.

El que fuera guionista de de Toy Story o Monstruos S.A. y director de Buscando a Nemo, nos sorprende esta vez con una historia de robots en donde apenas hay diálogos. Esto, que en principio echaría atrás a muchas distribuidoras aduciendo que le restaría público y las llevaría a cambiar completamente el film (como ocurrió en su día con El zapatero y la princesa, de Richard Williams), aquí se nos presenta como uno de los puntos de mayor interés.

Tanto es así, que incluso, en determinados momentos, algunas conversaciones resultan innecesarias y fuera de lugar. El que las voces sean así de prescindibles se debe, en gran parte, a la magnífica banda sonora de Thomas Newman con la inclusión de temas del musical Hello Dolly, así como al elevado grado de expresividad de los personajes.

Para darle esa expresividad a Wall-E, los responsables del film se inspiraron en el simpático Johnny Cinco de Cortocircuito. Ya no sólo en el aspecto físico, sino también en la forma de actuar y comportarse del robot. Puede que se inspirarán demasiado, pues parece una copia del mismo, pero en tamaño reducido.

Wall-E nos muestra una imagen del mundo apocalíptica, es una visión premonitoria de lo que nos aguarda el futuro. Su mensaje puede servir de toque de atención. El film habla de un mundo donde el poder político y económico son uno, hasta los gobiernos más poderosos pertenecen a las multinacionales; en lo que algunos llamarían, un proceso de macdonalización.

En la cinta, el presidente de la mayor y única empresa que domina todos los aspectos de la sociedad, es también el presidente de los EEUU, interpretado por Fred Willard (el único actor real que aparece en Wall-E). Los humanos que hay en la película se comportan como autómatas, el libre albedrío ha desaparecido en ellos. Se mueven y actúan al son que marca la multinacional.

Al respecto, es destacable también el papel de la computadora del crucero (con la voz de Sigourney Weaver en la versión original), el cual recuerda a Hal, de 2001: una odisea del espacio.

SIGUE EN SPOLIERS (pero no tiene ninguno)