Está fue la película que inauguró la maratón zombie del reciente Festival de Sitges 2010. El sufrimiento comenzó tras un enorme retraso producido por culpa de la actuación en directo de Berto Romero. Disfrazado de zombie para la ocasión, realizó un estúpido monólogo de temática zombie, se alargo hasta lo innecesario produciendo un gran retraso en las tres proyecciones que aún teníamos por delante. Una vez plasmado mi desagrado por tal personaje, entremos a vomitar sobre la película que acontece. The Dead es la peor forma de comenzar una maratón que se supone que está compuesta por películas de zombies, aunque la relación de las otras películas con estos seres era de forma indirecta.

La película está escrita y dirigida en conjunto por los hermanos Howard J. Ford y Jonathan Ford. Con una larga carrera en el campo de la publicidad, como realizador el primero y encargado de la fotografía el segundo, los hermanos Ford han producido y dirigido más de un centenar de anuncios publicitarios para marcas como Guinness, Nestle y Unilever y han trabajado para agencias como Saatachi & Saatachi y Lowe Lintas Worlwide. The Dead es su primera película. Que nadie piense que el apellido de estos publicistas, pues de momento me niego a llamarlos cineastas, tenga algo que ver con el grandioso director John Ford, aunque si llegarán a tener algún parentesco, de momento no les sirve de nada.

Como indicaba antes, The Dead fue el comienzo de una desastrosa maratón. Antes de comenzar unos promotores llegaron a la sala El Retiro para traernos carteles promocionando la película, en ese momento recordé la sinopsis que leí en la web del festival y pensé, quizás está vez no han exagerado y resulta que la película vale la pena... que equivocado estaba. El arranque es prometedor, pero tal como avanza y sin esperar mucho, la cosa empeora. La palabra para definir la película es aburrimiento, el argumento está bien pensado, pero es repetir la misma situación una y otra vez. El ritmo de la película es lento, algo que no supone ningún problema si lo requiere la historia, pero en este caso se hace insoportable. Donde hay que reconocer que hay un buen trabajo es en la fotografía, los colores, la composición de los planos, todo muy vistoso y llamativo. Aunque hay que reconocer que llega un momento que también se hace muy repetitivo. La película tiene pequeños momentos muy logrados, pero no vale la pena aguantar los 99 minutos de duración, están logrados, pero no tanto para sufrir por ellos. Que Howard J. y Jonathan Ford sigan en la publicidad de momento, veremos como evolucionan en un futuro en cine.

El séptimo cielo es uno de los máximos exponentes del melodrama, hasta la actualidad se sigue perpetuando la idea, pero pocas veces se ha conseguido tanta originalidad creativa con los destellos de genialidad que nos brinda está obra de arte. Fue uno de los grandes portentos de la etapa final del cine mudo, consolidó una de las parejas románticas más famosas, en su momento grabaron más películas juntos, pero sobre todo, consagró la vertiente melodramática en el cine.

El dúo interpretativo forjó el ideal de pareja romántica, los personajes que interpretaron son inolvidables, Janet Gaynor consiguió mostrar una sensibilidad y delicadeza que inunda la pantalla, la representación de la inocencia, bondad y fidelidad. Charles Farrell representando el papel de Chico, muestra un carácter fuerte y honesto, promoviendo la autoestima y confianza en uno mismo. Juntos son la representación de la fuerza del amor como elemento primordial en el desarrollo del individuo por encima de cualquier otro condicionante. La película también hace incapié sobre la fe, como la religión puede ser el punto de apoyo en determinadas personas, como en ciertos momentos pueden perder la fe y la duda de si su recuperación es significativa.
Los principales valores que defiende la película son el optimismo, los deseos de superación, confianza y amor por la vida. De la faceta religiosa, en la actualidad se puede leer una apología hacia la religión cristiana, pero el transfondo de las situaciones y emociones pueden suscitar una puesta en duda, pues los valores que realmente se promueven son éticos y cívicos, ajenos a los religiosos. También se denuncia la hipocresía de los ricos y del gobierno, siendo el amor el leit motiv de la historia.

El apartado técnico de El séptimo cielo es muy alto, en su momento altamente innovador, con algunos encuadres impresionantes, como la agónica subida de Chico por las escaleras, un tipo de plano que años después tuvo su resonancia en grandes aportaciones de cineastas como Alfred Hitchcock. También se utilizaron travellings muy elaborados y creativos en su época, la primera vez que los dos personajes suben hasta la guardilla donde vive Chico, la cámara los acompaña sin corte alguno, creando un efecto muy llamativo. También destacar la iluminación, el uso de luces y sombras, la reminiscencia a la hora de utilizar la luz como elemento expresivo, mucho más allá de connotaciones religiosas, para resaltar la intensidad del amor hasta altas cotas expresivas fuera de cualquier justificación meramente poética. Toda la película está cargada de grandes frases y conceptos con una fuerte carga emocional, por lo mismo también ofrece el contrapunto al dramatismo con escenas cómicas muy elaboradas. La película es un cúmulo de sensaciones que in crescendo alcanzan un éxtasis enternecedor, con un desenlace que transciende más allá de la propia realidad, por encima de cualquier creencia o convencionalismo, eleva las emociones hasta el séptimo cielo.

Brian De Palma es un cineasta cuyo nombre resuena con diversas consideraciones hacia su trabajo, siempre a estado muy menospreciado, sobre todo en Estados Unidos, aunque en ocasiones también lo han sobre valorado. Lo que no se puede negar es que su carrera es irregular, es un cineasta con un estilo peculiar que dispone de algunos trabajos que se han hecho un hueco en la historia del cine y por los que será recordado, aunque no sabemos si eternamente.

Brian De Palma es reconocido de forma extraña, arrastra una serie de fracasos comerciales reflejados tanto por la crítica especializada como por la recaudación en taquilla; de todos modos sigue trabajando y siempre con un porcentaje de publico a su favor. La verdad, es difícil posicionarse con este cineasta, pues en cierto modo puede ser un incomprendido con tantos aciertos como errores en sus trabajos. La cuestión es que los méritos que se le pueden atribuir hasta cierto punto son merecidos, pero también cuestionable su ética como realizador, pues su forma de trabajar es lanzando una mirada al pasado, llevarlo a su terreno y construir sus películas con lo que crea más conveniente. ¿Donde termina el homenaje y comienza el plagio? Brian De Palma no es un mal cineasta, pero aprovecha los inventos de grandes cineastas para repetirlos en unos contextos propios siendo esta su forma de asombrar. No hay nada de malo en ello, pero quizás precisamente por ello tampoco merezca mayores elogios que los que puedan proporcionar el gusto personal de cada persona.

Con Doble cuerpo se juega a las apariencias, al engaño... algo que De Palma acostumbra a desarrollar en sus películas, incluso forma parte de su trayectoria como cineasta. También está el estilo del voyerismo cinematográfico y el componente sexual dentro del genero que desarrolla. Su influencia en esta película está muy clara y también muy comentada, las dos películas de Alfred Hitchcock que se supone homenajea en Doble cuerpo saltan a la evidencia, pero fuera de comentar las similitudes argumentales, es más interesante hacerlo en como utiliza las formas que trabajaba Hitchcock para tratar los conceptos a desarrollar. Mostrar el artificio cuando se habla de las apariencias a través de los falsos fondos, la forma de mover la cámara o contextualizar el argumento hacia la inverosimilitud, pero claro, sin desmerecer a De Palma hay un abismo entre los dos cineastas. Doble cuerpo tiene sus virtudes, muchos encuadres trabajados, buenos movimientos de cámara, un trabajo de arte que destaca en muchos momentos, entre otras cosas no hay que olvidar que Brian De Palma sabe lo que se hace.

De todos modos, en mi opinión Doble cuerpo es una película mediocre que dentro de la década en la que se rodó, cuenta con los aciertos y despropósitos de los excesos. Aunque también digo que a modo personal la película no me desagrada, la verdad es que entretiene, dispone de secuencias que resultan hasta interesantes pese a que el conjunto final sea malo. Doble cuerpo tiene un popurrí variopinto, pasando por la serie B casposa del típico asesino, por el thriller erótico y desembocando en el metacine, todo adornado con el suspense para un final tan tramposo como efectivo. Esta es una de esas películas en las que piensas, ¿está mal hecha a propósito?. La película se mueve por unas tesituras en las que puedes pensar que el contenido se expresa a través de una forma consecuente con el argumento, pero... ¿siempre intencionado? Está película es una horterada simpática que para no odiarla, tienes que partir de la base de que no se la puede tomar en serio, pues es mejor pensar que no hay pretensiones ocultas más allá de una gamberrada cinematográfica con la que se puede llegar a pasar un rato divertido, pues la película es un autentico disparate.

Vergüenza ajena es lo único que se me ocurre para expresar lo que sentí al ver esta película. Aún trato de comprender el motivo por el que alguien tenga interés en distribuir esto, debe existir algún plan oculto de pretensión económica, pues no me lo explico. Desconozco el tipo de subvención que han recibido para esta película, pero me creo que se hayan embolsado un buen porcentaje y que hayan presentado está película para justificar gastos. Resulta incluso molesto que al supuesto responsable de este bodrio, se le pase por la cabeza que ha realizado una película que define con sus propias palabras como:

"Surreal y macabra"
"Proyecto de terror juvenil, menos ortodoxo de lo que puede parecer a priori"

Antonio Trashorras debuta en el largometraje con El callejón, espero que no siga por ese camino. La verdad, muy rentable habrá salido la broma y muy bien recompensadas tienen que haber quedado algunas personas, pues el resultado es un insulto al cine. Lo peor de todo es lo que indigna la palabrería que utiliza este personaje en algunas entrevistas, donde ha llegado a decir que su cine de referencia, así como él mismo a la hora de concebir cine, se adentran en el terreno de las sensaciones. Según Trashorras, algo que puede ser criticado por parte de los puristas del análisis, siendo difícil de defender desde el academicismo. Es despreciable que unas palabras con cierta carga de prepotencia envueltas de egocentrismo provengan del realizador de un producto sin ningún tipo de sentido expresivo.

No quiero perder mucho más tiempo comentando esta película, se trata de una producción en la que solo participan tres personajes principales, la elección del reparto tendría que haber sido muy minuciosa, pero no fue así. Por parte de la cadena televisiva Antena 3 tenemos a la joven actriz Ana de Armas, muy guapa si no actúa más allá de sus límites, agradable a la vista si no habla, pero con una actuación que hizo reír a la sala en los momentos que tenía que expresar pánico. Diego Cadavid en el papel de psicópata seductor, bueno, solo puedo decir que resulta vergonzoso. Leonor Varela, creo que también es una actriz de las actuales series televisivas que no presentan ningún tipo de interés por mi parte. No estoy arremetiendo contra los actores, tampoco tienen la culpa, es la dirección de actores y el proceso de casting quienes merecen un tirón de orejas. La dirección artística ha recreado un escenario que iría muy bien para una obra teatral o una partida de rol en vivo, pero plasmado en la gran pantalla resulta como mínimo inverosímil. El montaje es muy malo, hace galas de unos tecnicismos simplones sin ningún tipo de sentido narrativo, aunque toda la película está llena de carencias, no llegan ni a despropósitos.

Desde Uruguay nos llega una cinta de terror con la propuesta de añadir algo de innovación dentro del género. Este año en el festival de Sitges han proyectado dos películas que su particularidad es el estar rodadas prácticamente en un solo plano secuencia, al igual que la película El arca rusa, en el año 2002. La casa muda es una de ellas, con la pequeña pretensión de ser la primera película de terror rodada en plano secuencia. Desconozco si es la primera, lo que importa es lo arriesgado de la apuesta, en este caso se puede decir que la idea es atractiva, pero el resultado final no. De ahí no hay que quitar el mérito al difícil trabajo realizado, la película está muy bien pensada y trabajada, pero a pasar de su corta duración, se hace larga y aburrida. Aunque lo peor de todo, es ver como un buen inicio se va desmoronando a mitad de película con una trama ya no solo previsible, si no, llena de un sin sentido aburrido.


La película está basada en hechos reales, con la planificación que requiere el plano secuencia y la ambientación, consiguen crear la sensación de realismo, la actuación de Florencia Colucci también está muy lograda. Pero todo se deshace cuando pasada media película estás con la sensación de repetición y pensando que la situación hace rato que se tornó absurda. Muchos de los planos que nos presentan están muy bien pensados y son efectistas. Se juega muy bien durante toda la película con el fuera de plano, el estilo indirecto de recrear las situaciones de tensión lo han pensado mucho, pero el giro argumental, por así decirlo, junto al desenlace de la historia, hace que las virtudes de la película queden como una anécdota. La sensación tras ver la película es de desengaño, el recuerdo al pasar el tiempo, negativo. La aparente sencillez que desprende la película era un aliciente para una predisposición absoluta de dejarse llevar, pero se consigue un efecto contrario, quizás por intentar llevarla más lejos de sus posibilidades.