"Fuego en el cuerpo" figura en la selección efectuada por varios críticos de las diez mejores películas de la década de los años 80, aunque no ocupe los primeros puestos.
Realmente, no son pocos los méritos a destacar, que permanecen inalterables veinte años después de su estreno.
Un magnífico guión, que posee todas las características del mejor cine negro, y que además de intrigar, no deja de sorprender conforme avanza la película.
Unas estupendas interpretaciones, de Kathleen Turner y William Hurt, que consiguen involucrar al espectador en su juego desde el principio, haciendo casi perceptible el intenso calor al que alude el título.
Merece la pena destacar igualmente la banda sonora, que contribuye notablemente al desarrollo de la historia, acompañándola con la intensidad requerida en cada momento.
Para disfrutarla con unos cubitos de hielo...

Aún desconociendo si los hechos que se narran en la película tienen alguna base de realidad, los distintos elementos que se mezclan en la misma me han causado una impresión muy favorable. Madeinusa nos ofrece un peculiar retrato de las tradiciones, religiosas, y no tanto, que se producen en una aldea remota de la cordillera andina cuando llega el Tiempo santo. A pesar de que el ritmo es muy pausado, tanto que efectivamente a veces nos da la sensación de estar ante un documental, el interés no decae en ningún momento, ya que se intuye durante todo el metraje que la aparente calma va a estallar por donde menos se espera. Los protagonistas, habitantes de Mayayaycuna, se dejan llevar por sus instintos y sus creencias, sin cuestionar en ningún momento lo que llevan haciendo durante toda su vida, sin saber ni siquiera el significado de sus extraños nombres. Así, entre la miseria y la opresión en la que se hallan sumidos, de la que no se escatima ningún detalle al espectador, son capaces de olvidarse de todo y disfrutar de los placeres a su manera cuando llega el momento. De esta forma se nos ofrece un peculiar mosaico de personajes, de cuyas vidas difícilmente podríamos tener conocimiento de no ser por lo que la película nos muestra, y con los que apenas llegamos a identificarnos, sin que por ello nos resulten increíbles, ya que incluso los más excéntricos son presentados con la mayor naturalidad.
La escasez de diálogos se compensa con miradas muy inquietantes, canciones ancestrales, y gran cantidad de imágenes que intentan mostrar la vida cotidiana del pueblo con una profusión de detalles tanto en la decoración como en el vestuario que dan lugar a auténticas estampas locales de inmensa vistosidad. Destacaría especialmente la figura del relojero de la plaza del pueblo, simplemente desconcertante, y recomendaría la película a cualquier espectador interesado en disfrutar, con mucha calma, y sin prejuicios, una propuesta verdaderamente sorprendente.

A pesar de las distancias en el tiempo y en el espacio, Love and honor consiguió atraparme desde los primeros minutos y mantener mi interés hasta el final. Me pareció una bonita historia muy bien narrada,descrita y fotografiada con mucha elegancia, que nos muestra las distintas relaciones que se establecían el el mundo feudal de los samurais, la fidelidad entre señores y criados, el respeto y amor entre los esposos, la relación con los parientes más alejados, el sentido del deber de los samurais con su señor, haciendo hincapié en los sentimientos de los personajes y en la importancia de asumir con dignidad el lugar que la sociedad les había deparado.

Si el valor de una película puede medirse no solo a través de sus méritos artísticos o de calidad cinematográfica, sino también por las emociones que sigue despertando una y otra vez en el espectador, Ojos negros es un magnífico ejemplo de cómo conseguir ambos objetivos, ya que se trata de una película que a la vez que te atrapa visualmente, gracias a una selección de cuidadísimas imágenes que nos transportan a los variados escenarios donde tiene lugar la acción, provoca además desde el principio la simpatía y el afecto por las palabras y las vivencias del entrañable Romano Patroni, del que Marcello Mastroianni se apodera literalmente desde la primera secuencia, en una interpretación que merecidamente le valió la Palma de Oro al mejor actor en Cannes en 1987.
A través de los recuerdos del protagonista, en los que la felicidad y la melancolía se van cediendo el paso sucesivamente, tenemos la oportunidad de conocer los episodios más relevantes de la nada desaprovechada existencia de este pintoresco italiano, que se beneficia de su peculiar sentido del humor para sobrellevar los avatares de su vida familiar cotidiana, pero que también es capaz de dejarse atrapar por los sentimientos, y dejarlo todo para intentar recuperar al amor de su vida en un accidentado viaje que a pesar de ser un cúmulo de obstáculos y distracciones, no consigue en ningún momento que abandone su empeño por localizar a la mujer sin la que su existencia no tiene sentido.
Con el paso del tiempo, después de haber recorrido, con mayor o menor fortuna, todas las etapas de su vida, los recuerdos de Romano son tres: las nanas con las que su madre le acunaba, los ojos de Elisa en la primera noche, y las brumas de Rusia.

Otros días vendrán viene precedida por las favorables críticas obtenidas en su día por la inquietante La vida de nadie.
Nuevamente, el espectador se sitúa en una posición privilegiada ya que es el único que conoce la verdad que se esconde en el fondo de la trama.
Esta es sin lugar a dudas la gran baza de la película, que consigue mantener el interés y cierta dosis de intriga a la espera de que se produzca el desenlace.
Mientras llega ese desenlace, el desarrollo de la película alcanza un nivel bastante desigual: Se aprecian demasiadas casualidades en demasiado poco tiempo.
El personaje de Cecilia Roth, mujer divorciada, con hija, de 40 años, atormentada, bebedora ocasional y aficionada a mantener relaciones bastante truculentas con hombres que conoce en el chat, a pesar de estar bien interpretado, está cargado de estereotipos de teleserie, lo que al final conforma un panorama con el que resulta muy difícil identificarse, a pesar de que por lo visto pretendía ser un reflejo de la realidad.
En cuanto al padre, es para echarle de comer aparte, y cuando aparece da la sensación de que su única función es servir de soporte a unos cuantos golpes de efecto que por otra parte no resultan nada eficaces.
Es verdad que la magia de las flores de loto se percibe en ocasiones, fundamentalmente de la mano de Resines, brillante en un papel que por su calidad recuerda al personaje de La Buena estrella, con el que transmite toda la sinceridad y vulnerabilidad que era necesaria. Gracias a él percibimos la realidad de la tragedia, tal vez de la predestinación, pero también la importancia del olvido y la necesidad de salir adelante porque ya no hay vuelta atrás. Gracias a él, igualmente, el final de la película deja un sabor agradable y se suma a la lista de los aciertos.
En resumen, un guión muy ambicioso y arriesgado al que desmerece un planteamiento desacertado y unos personajes que tampoco colaboran, lo que termina exigiendo que pongamos mucho de nuestra parte para que la magia de esta historia nos pueda atrapar.