Larraín hace tiempo esta despegado del nivel medio del cine chileno (por encima, obvio). Creo que a todas luces es el máximo exponente local y sigue atreviéndose con estilos, con discursos, sin intentar dejar contentos a todos, algo fundamental para cualquier artista que se precie como tal.

En Chile el poeta ganador del Nobel es un icono en muchos niveles, pero como todos los iconos, se ha convertido en una silueta, en una estatua, en un ser levitante que flota sobre los simples mortales. Difícil entonces aterrizar esta figura solemne y romántica, sinónimo del amor y de la tierra, para entregar un personaje alejado de lo que nos enseñaron en la escuela.

La película plasma un Neruda de múltiples caras, juguetón, mujeriego, soberbio, valiente, sensible, inteligente, inmerso en una trama de cine negro ágil, sin fisuras, con un montaje rápido y una música que crea atmósfera y acentúa algunos momentos de seriedad y belleza. Destaca nuevamente el estilo visual algo sucio y avejentado de Larraín, que sin embargo consigue imágenes preciosas tanto de espacios cerrados e íntimos, como de los magníficos y usualmente desaprovechados paisajes naturales chilenos.

Los toques de surrealismo y realismo mágico se mezclan con un dosificado humor negro y ayudan a crear la película más dinámica de este director, que se consolidó con El Club y que sigue sorprendiendo para bien. El acierto es contar la historia mediante un entrañable personaje del policía interpretado por Gael García, quien refleja en sí mismo las múltiples dimensiones de lo que Ricardo Reyes Basoalto generó y sigue generando en la sociedad chilena y de todos quienes atesoren su poesía y por que no, su persona. Y es que sorprende que algunos críticos (sobre todo compatriotas) se lo hayan tomado como una jugada "antinerudiana". Nada más alejado de la realidad.

"Aquí no ha pasado nada" es un triste recordatorio de un hecho indignante ocurrido hace algunos años en Chile, un acto de injusticia y corrupción ejercido con el más absoluto descaro. Lo que Alejandro Fernández Almendras plantea, evitando la tentación de caer en la obviedad de mostrar el drama del delito y el sufrimiento de las víctimas, es sumirnos en la desconcertante apatía que solo se pueden costear unos pocos privilegiados.

Las creíbles interpretaciones de los actores nos hacen ponernos en el lugar del protagonista, acusado de atropellar a un caminante mientras manejaba ebrio. Su mirada perdida parece nunca lograr comprender la gravedad del asunto, apenas parece un juego que salió mal, una piedra en el zapato que le impide seguir disfrutando sus días de playa.

El director sigue al personaje de cerca, planos cerrados y desenfoques, así como acertados usos del fuera de campo en algunos momentos cruciales, crean una atmósfera de realismo seco y de turbia tranquilidad, en que los arrebatos dramáticos están absolutamente ausentes. La banda sonora poblada de música nacional actual es usada con justeza y ameniza la sobriedad del relato.

Se puede criticar cierta falta de énfasis, pero el conjunto funciona y entrega más de algún momento notable, como la escena en la playa con Gnecco.

Con un más que llamativo argumento y una prometedora pareja protagonista, se presenta Looper como una entrega de ciencia-ficción atractiva, llena de acción, viajes en el tiempo, y las consecuencias que estos conllevan. Y la verdad es que cumple lo que promete.

Rian Johnson logra, sin maravillar, una sólida cinta con muchos elementos destacables: una eficiente banda sonora; una fotografía lograda, aunque algo excesiva por momentos (esos destellos de luz innecesarios); actores firmes en sus papeles; Emily Blunt; muy buenas decisiones de locación (los paisajes se vuelven grandes protagonistas, notándose cierto homenaje al western); Emily Blunt; efectos especiales utilizados con mesura para dar algunas escenas impresionantes; Emily Blunt; etc.
Todos estos ingredientes se conjugan en dos horas de una entretenida historia que no decae en ningún momento y que culmina en un apasionante tramo final.

Aún así, Looper esta lejos de transformarse en un referente del género o algo por el estilo, ya que a pesar de su propuesta redonda, desaprovecha el argumento utilizándolo de forma superficial para desarrollar la acción, sin profundizar en este ni llevarlo más allá. No hay grandes reflexiones posibles (como suele ocurrir en los grandes films de ciencia-ficción), ni menos algún tipo de interés por el mundo interno de la cinta, el que se reduce a unos cuantos diálogos explicativos. Por otro lado toca varios tópicos más que vistos, y sin darles una vuelta de tuerca, se limita a exponerlos agregando algunos detalles novedosos. Además, después de verla me queda la sensación de que la película no tiene mucho más que aportar en futuros visionados, lo que nunca es bueno, menos para guiones tan rebuscados.

Mención especial para lo que a mi parecer es un inapropiado maquillaje de Gordon-Levitt, que termina distrayendo durante toda la película.
En fin, ni clásico instantáneo, ni obra maestra, ni ideas rompedoras, aunque sí una obra firme y con más de alguna emoción por entregar que sin duda vale la pena ver y disfrutar.

A Reese Witherspoon le creo todo en esta película, le creo el dolor (físico y mental), le creo la sonrisa, le creo el pasado.

Jean-Marc Vallée, después de la multipremiada Dallas Buyers Club, nos entrega una película, a mi gusto, mucho más redonda.
Aquí el director no se limita a contar una historia ni a hacer desfilar el talento de sus actores, todo lo que ocurre en Wild está conectado, está en función de las emociones y de la compenetración con el personaje protagónico. La película, aunque jamás despega definitivamente, se mantiene a flote sin problemas durante todo el metraje y no tiene bajones significativos, las emociones son constantes y sentirse caminando junto a la rubia y su mochila gigante no es nada raro.

El resultado es, como dije anteriormente, redondo, ni más ni menos. La música es muy acertada (aunque no del todo la forma en que entra en el montaje), y el resto de los aspectos técnicos cumplen.
Se entrega así, una historia sin fisuras, que gana con el paso de los minutos y que sin brillar demasiado, logra exponer un profundo drama y el camino tanto físico como metafórico hacia su cura.
La mochila de Whiterspoon persiste incluso cuando se quita las correas y la deja a un lado, el peso del pasado se siente, y eso es un logro.

Traté de ver la serie pero fue imposible terminarla. Me gusta el mundo de la cocina y en general cualquier documental que se meta en la mente de personas creativas y trate de extraer algo de su genio. Pero en Chef's Table de proceso creativo hay cero. No hay un intento ni en lo más mínimo de dar una perspectiva interesante del trabajo de los chefs, sino más bien parece un larguísimo spot publicitario para sus respectivos restaurantes, hecho por ellos mismos. No hay dobles lecturas, los personajes en cuestión son llevados a una simplificación absoluta y es casi una hora de alabanzas y maravillas hacia su trabajo, del que paradójicamente se profundiza muy poco.

Quizás con capítulos de menor duración y que vayan más al grano como en el caso de Tales By Light, documental de corte similar pero con fotógrafos, se haría más llevadero y lo poco que aporta la serie, al estar más comprimido, se aprovecharía mejor.

Se podría decir que Chef's Table es la antítesis de lo que haría Werner Herzog, por ejemplo, al abordar este tema. Una lástima.