Coproducción hispano-chilena, muy solvente. Bien ambientada, bien interpretada, con un atractivo casting y realizada por dos directores con muchos trienios en series de tv.

Sorprende para bien Elena Rivera, en su primer papel como protagonista absoluta, más allá de un cortometraje en 2016. La actriz se muestra tan valiente y capaz como el personaje que interpreta.

Si a esto sumamos que esta aventura de la historia, muy bien contada, es una de esas magnas olvidadas en nuestra raquítica memoria colectiva, como nación y como pueblo: la historia de una extremeña “empoderada” ya por derecho propio, por carácter y por arrojo, en la primera mitad del siglo XVI, digo yo que bien merece un aplauso y un atento visionado.

Sobresaliente película que trata de las intrigas de la iglesia pre-anglicana y de la corte de Enrique VIII, para que este, siguiendo sus intereses erótico festivos, pudiera hacer en su reino, y en su vida, todo lo que se le antojara, bajo pena de alta traición y hachazo en cuello en la Torre de Londres. Se contextualiza en el último divorcio entre Inglaterra y España, encarnado en Enrique Tudor y Catalina de Aragón. Cuenta la última etapa de Sir Thomas More, un hombre comprometido con sus creencias hasta el punto de renunciar a su propia vida por mantenerlas. Un héroe involuntario, insufrible para el poder, que predicó con su ejemplo, hasta el hachazo, y cabeza en pica para escarnio público.

No hay que asustarse demasiado. Los temas eternos, tras la Grecia clásica y algún lustro revisionista más o menos perdido en la historia, nunca han estado de moda. Por eso se denominan clásicos.

Ni soy quien, ni conozco suficientemente a Augusto M. Torres como para reprenderlo. No sé si su “frase” está o no fuera de contexto, aunque el aburrido tribuno de El País no parece haberse quejado de eso. Es una pena que, desde los más populosos púlpitos, no se haga más por difundir los más constructivos pensamientos. Tal vez en la sociedad de los videojuegos haya que advertir que puede costar entrar en un guión tan prodigioso como calmado, pero la primera vez que me quedé prendado de esta película, tenía catorce años y la cara llena de granos. Si mi padre me hubiese dicho que era una película teatral y aburrida, no creo que me hubiese sentado a verla. Me dijo “Vale la pena. No la olvidarás en tu vida. Relata hechos históricos tan notables que siguen de actualidad hoy en día.”

La película trata, y trata muy bien, temas como la objeción de conciencia, el soborno, la autoestima, la fidelidad a uno mismo, la traición, la mentira, la corrupción del poder totalitario, la defensa de la verdad, la intromisión de las leyes en la intimidad del ser humano, en su propia asertividad. Trata de la libertad, del reconocimiento social y de la renuncia libre. Trata del derecho al silencio y hasta de neurolingüística aplicada. Más que aburrida, diría que es apasionante, a poco que seas capaz de entender lo que se dice, y desde luego, en VOS, o doblada en castellano, se habla claro y bien.

El guión está lleno de frases para la eternidad. La lista sería larguísima. Creo que Zinneman hizo muy bien orquestándolo sin efectismos ni artificios. Con sobriedad espartana. Creo que lejos de ser criticable, es una de sus mayores virtudes. En la película de esta historia solo puede reinar la palabra.

Sorprendente, fresca, ingeniosa, descarada, bien interpretada y con ritmo… Una serie de ocho capítulos cortos, muy recomendable para mujeres que crean tener la brújula bien calibrada, para hombres a los que les atraigan las locas de atar, y para todos y todas las demás.

Indudablemente, Leicia Dolera va a mejor, proyecto a proyecto, sabiéndose rodear de un equipo técnico y artístico muy competente, y liderándolos con criterio y buen hacer.

Mención aparte a sus dos coprotagonistas, Celia Freijeiro y Aixa Villagrán que le aportan acertados e ingeniosos contrapuntos.

Tragedia humana desasosegante, cruda, estremecedora, doliente... de un amargor duradero en boca, con tufillo a sociedad reprimida de hipócritas aborregados, y un fondo de sincera amistad ahogada por el silencio. Es aquello de que ni el sincero perdón pega los pedazos rotos. Cuando algo se rompe, roto se queda. Y si la rotura se produce de improviso, normalmente no lo hace en buen momento y desencadena los infiernos más hondos y delicados del ser humano. Y entonces solo toca reponerse, levantarse, vivir con ello. Ser esclavo del pasado, aprendiendo a andar de nuevo. Ahora sin que se noten las cadenas que pesan en muñecas y tobillos. A sonreir sin la mueca que un día hicieron tus labios. A volver a amar, no como antes. Sin comparaciones. A volver a amar.

Weaver, Moore y Strathairn forman un triángulo interpretativo de antología. El guión es soberbio. El ritmo, el preciso. El montaje, muy inteligente. ¿Quién ha sabido dirigir tan bien todo esto?

Scott Elliot ¿dónde estás? Después de mostrar lo que sabes hacer, está muy feo desaparecer.

El magistral guión lo firma Jules Furthman sobre una historia del propio Hawks . Solo los ángeles tienen alas, está basada en historias reales que Hawks vivió en primera persona. No sólo él fue piloto en la primera guerra mundial, su hermano murió pilotando un avión en similares circunstancias a las que el film relata. Sobre el por qué Hawks impuso un título tan curioso se ha escrito mucho pero se sabe poco o nada.

A la pelicula solo le pongo un pero: Jean Arthur venía descolocada tras ser eliminada del casting de Scarlett O’Hara, y con su background de popularidad como chica Capra angelical. Que nadie me malinterprete. Capra me fascina, pero su tono no es el de Hawks. Y esa mujer Capra tenía que haber hecho un esfuerzo mayor para ser la mujer Hawks. Pasar de su esfera femenina de confort en la que Capra se movía con placer, a la esfera masculina de Hawks, en la que este aún no había encontrado a la Lauren Bacall de sus obras maestras del cine negro, a la Angie Dickinson de “Rio Bravo”, o a la Elsa Martinelli de “Hatari!”.

Solo en una escena, ambos consiguen lo que el guión precisa. Cuando tras haber asumido lo rápido que deben ser los duelos en “Barranca”, Jean Arthur se sienta al piano y demuestra que hay algo más en ella que una adorable cara en una enamoradiza corista dispuesta a subir a la habitación del misógino piloto tras la última copa. Porque Artrur no va a subir a su habitación retadora, se dispone a hacerlo entregada… Y por eso chirría que Grant se arrepienta, se moje la cabeza y decida volar.

Arthur perdió la oportunidad de haber forjado un registro inédito en este papel, pero o no se quiso enterar de lo que Hawks quería, o este no se lo supo explicar, o se cansó de pedirlo… El papel exige a gritos una interpretación más sexi, más cortante, más chulesca, en la que debía ocultar más sus inseguridades ante Grant y solo mostrarlas ante Mitchell, como el perfecto guión tenía previsto. Dicen que se enteró años después, cuando vio a Bacall, con dieciocho añitos, dando réplica a Bogart en “Tener y no Tener”. ¡Qué fácil hubiera sido! Si esa chiquita lo bordaba, ella podría haberlo grabado a fuego… Pero en “El Sueño Eterno”, Hawks repitió con Bacall, y Arthur no volvió a tener una oportunidad al lado del maestro. La gran Jean Arthur de tantas otras películas, en “Solo los ángeles tienen alas”, no puede ser una corista que viaja sola por Sudamérica… da, como mucho, para ser la profesora de piano que nunca llega a conocer al dueño de la plantación que la ha contratado para dar clases a sus aburridos hijos.

Y aún con este lastre de casting o de dirección de actores, la película es, sin lugar a dudas, sobresaliente. Porque como definía el propio Hawks “las buenas películas deben tener tres o cuatro escenas buenas y ninguna mala…”


“Sólo los ángeles tienen alas” tiene diez o doce escenas de matrícula de honor. De ver en reclinatorio. No las enumero. Descúbrelas. Para mí ha sido una gozada volverla a ver, una vez más.