Charlot llega a su habitación y su mujer empieza a darle la chapa porque está borracho como una cuba. Paralelamente entra Fatty en su habitación también fino y le pasa lo mismo con su mujer, que está de mucho mejor ver que la de Charlot. Fatty aguanta poco y empieza a empujar y a sacudir a la mujer, pero esta no se amilana y la emprende a golpes con Fatty. Charlot termina rescatando a Fatty y se van a un café donde la lían parda. Las mujeres se quedan discutiendo entre ellas hasta que se percatan que los dos satélites les han robado el dinero de su bolso y van tras ellos. Después de montar una buena en el café se marchan los dos tunantes y terminan dormidos en un bote de remos en un lago cercano que se va hundiendo en el agua.

Pocos han sabido representar tan magistralmente a un par de beodos como Chaplin y Fatty, y mantener la comicidad con un tema tan delicado como la bebida y tan usado antiguamente para multitud de gags. El corto no tiene desperdicio: borrachos que no se tienen en píe, maltrato a las mujeres, robo, alteración del orden público y sobre todo la irreverencia magnífica de la que hacen gala Chaplin y Fatty en una actuación genial donde nada les importa y nada se le pone por delante con tal de seguir la fiesta, siendo significativo que en ningún momento se le ve beber.

Al final la tranquilidad de los dos borrachos perturbada por el incordio de sus mujeres llega con el descanso eterno. El tema tiene miga, siendo la muerte la única forma de reposo de los dos incomprendidos. Si se llega a rodar veinte años después el restrictivo código de William H. Hays se habría vuelto loco con el film.

Me he reído como no lo hacía hace tiempo. Una obra magnífica y genial, altamente recomendable.

Onna kyûketsuki supone la primera película en llevar el tema del vampirismo al cine japonés, y más al ser en un entorno contemporáneo que se aleja de las producciones de la Hammer que había en la época acometidas por la cinematografía inglesa, aunque el guion se aleja de la tradicional visión occidental para centrarse e inspirarse en el folclore autóctono basado en hechos verídicos como la masacre del motín de Shimabarra.

De esta forma el vampiro se presenta como fruto de una maldición romántica al igual que posteriormente nos lo mostrará Coppola en su realización de 1992. Las variantes son numerosas e inversas, destacando el daño que al vampiro le hace la luz de la luna y su simple visión, moviéndose con la luz diurna como Pedro por su casa, eso sí, tras unas aparatosas gafas de sol.

Nakagawa realiza un extravagante y exótico film de vampiros con secuencias sublimes, delirantes y también absurdas. La película fluye con altibajos, a la vez que sorprende y aburre por momentos en esta producción de la Shintoho, operativa entre 1947 y 1961 con la que Mitsugi Okura intento aprovechar el tirón del cine exploit occidental en una reinvención del género adaptada al mundo nipón, recuperando la temática fantasmal nipona que se incorpora a films de terror, thrillers y de ciencia ficción, reinterpretando la serie b extranjera en un cine nacional influenciado por el clásico teatro kabuki.

El personaje del vampiro Nobutaka nos regala momentos magníficos a la par que patéticos (el final de la película en mi opinión degenera bastante convirtiéndose en una auténtica patochada infame ejemplificado en el irrisorio ataque de Nobutaka con una espada al impertinente y pusilánime periodista). La interpretación de Shigeru Amachi resulta por momentos grotesca y estrambótica a la par que brillante y acertada, alternado su papel de dandy seductor con el de bestia sedienta de sangre, siendo lo más reseñable a nivel interpretativo sin que el resto de actores resalten por la brillantez de su trabajo.

Lady vampire, como se conoce este film internacionalmente, se podría definir como un producto poco logrado pero a la vez atractivo de ver, que sin ser una muestra representativa del cine de la Shintoho, sí que resulta interesante de visionar como rareza fílmica y como trabajo de Nobuo Nakagawa.

Jail´s, este es el nombre que aparece en el letrero del garito de mala muerte en el que se meten los tres jóvenes protagonistas de ”La petite mort”. Sin saber ni cómo ni porque aparecen aquí, en una zona abandonada de lo que parece un antiguo polígono industrial con construcciones de ladrillo visto, un sitio de lo más desolador para que estén de paseo tres jóvenes turistas alemanes.

La verdad es que la trama de “La petite mort” deja mucho que desear y es más de lo mismo: jóvenes secuestrados y torturados hasta la muerte. El guión está muy poco trabajado, es más, diría que es penoso, pero necesario porque si no estaríamos ante un producto todavía más deleznable, sin ningún tipo de incentivo salvo ver un catálogo de torturas y ensañamiento malsano contra tres pobres chicos un poco despistados. Las actuaciones tampoco son para tirar cohetes.

Nada es destacable en el film, salvo los magníficos y desagradables efectos especiales de Olaf Itennbach, conocido artesano de estas lindezas en el gore alemán, en un trabajo soberbio donde el espectador tendrá la impresión de estar viendo una snuff movie en toda regla.

Película enfermiza e insana donde las haya, en la cual desde que penetramos en el palacio del dolor nos introducimos en un mundo donde sabemos que no nos gustaría estar. Las imágenes de las estancias y los pasillos transmiten un mal rollo agobiante, todo esto antes de meterse las tres cachondas que la habitan en faena, una supuesta madre y dos hijas, todas enajenadas y dispuestas las hijas a infringir dolor y la madre a lucrarse con ello. El espectador en todo momento se siente incómodo y a disgusto, salvo que sea tan enfermo como el tarado para el que preparan un show por todo lo alto.

Salvo que se sea un fanático del ultra gore más radical, y aún así, dudo que la película entusiasme a nadie. La sensación de asco que genera es tal que cuesta librarse del mismo. Realmente Marcel Walz ha hecho un producto desagradable del que en más de una ocasión he retirado la vista de la pantalla.

Y que el título sobre todo no engañe a nadie como referencia a un posible período refractario que ocurra después de un orgasmo sexual. Esto no va a ocurrir, salvo que el grado de enajenación del espectador sea considerablemente elevado.

Jigoku muestra el funesto destino de Shiro y su descenso al infierno budista, marcado por Tamura. Voy a definir a Jigoku como una película donde el triunfo del mal sobre el bien se hace evidente, en la forma en que Tamura marca el rumbo y el camino de Shiro en el momento en que atropella a un yakuza en un accidente de coche. Al negarse Tamura a prestar auxilio se mediatiza el destino de Shiro y entra en una espiral decadente que vendrá marcada por un sentimiento de culpa del que no podrá escapar. Esto representa una primera parte de una película en la que el espectador espera algo más de todo lo que pasa.

Nakagawa muestra un catálogo de personajes de lo más ruin y despreciable, con situaciones de vergüenza ajena, como la mujer moribunda y el marido de fiesta en la habitación de al lado con una querida, entre muchas otras.

El magnífico desenlace serán los Narakas de la religión budista, como resultado directo del mal karma de Shiro y el resto de personajes. El viaje de Shiro por los ocho Narakas helados y los ocho Narakas ardientes es espectacular. La representación del infierno es sencillamente perfecta, mostrando un estado de extremo terror, desamparo y angustia en los personajes difícil de superar.

El bajo presupuesto de la película hace que su factura técnica no sea excesivamente buena, comentándose incluso que los actores tuvieron que ayudar en la realización de los decorados, lo que no impide un excesivo cuidado en los escenarios del inframundo, junto al correcto tratamiento del elemento folklórico que explica correctamente el concepto que tienen en Japón sobre las condiciones específicas del infierno. El resultado es una segunda parte magistral, donde un festival visual y sonoro de horrores y tormentos introduce al espectador y le hacen partícipe del propio sufrimiento que experimenta Shiro.

En conjunto es un producto más que recomendable, eso sí, atípico y alejado del concepto occidental del infierno tan representado en numerosos films.

La primera secuencia de las 20 que compones Post Tenebras Lux me recuerda el inicio de Satantango, con ese eterno plano secuencia magnífico grabado a fuego en mi mente.
Y esto me anima a seguir viendo la película, compuesta por una sucesión inconexa de escenas sin ningún tipo de hilo narrativo, donde el guion y la historia son ininteligibles y brillan por su ausencia.

La perfección con la que Reigadas filma y mueve la cámara es soberbia. Técnicamente no le pongo ningún pero al realizador mexicano. La influencia rusa de Tarkowski y del realizador Húngaro Tarr es evidente, apreciándose sin ningún tipo de duda el crudo realismo y la mirada metafísica de la que hacen gala ambos directores y de las que Reigadas salpica su film. Pero todo esto no quita que sea duro y difícil conectar con la película.

La trama, después de leer e indagar en varios sitios, se resume en una confrontación continua entre la clase burguesa, la burbuja en la que vive Juan con su familia, contra el medio rural y salvaje en el que se han exiliado, con el que se enfrentan, en un retrato personal e íntimo del protagonista que deambula a lo largo del film.

Destaco la secuencia de la multitudinaria comida y la de la sauna; esta última me cuesta entenderla y ubicarla en la película. La aparición del diablo impacta y sorprende, otros dos grandes aciertos. Y así se puede continuar con todas las escenas, pero el problema es la relación que hay entre ellas. Son 20 excelentes secuencias pero ¿Qué conexión tienen entre si?

Que Reigadas no siga la estructura tradicional y se limite a narrar y punto me parece muy bien, al igual que no exista presentación de personajes. Todo esto pide al espectador una comprensión e interpretación propia de la película, que no todos estamos dispuestos o capacitados para hacer. En mi caso, el film me ha sorprendido e intrigado, pero también me ha aburrido y decepcionado. Para gustos los colores, pero a mí el color de Post Tenebras Lux no me ha gustado, y me ha dejado con la sensación de que me han tomado el pelo.