El sueño de todo indie debe ser seguir siéndolo a pesar de aprovecharse de las líneas comerciales más potentes, como en este caso Absolut Vodka, que ejerce de productora. Parece inconciliable pensar en esa archiconocida marca alcohólica y luego encontrarse un relato tan sencillo, tan intimista, tan real. Y es que Spike Jonze encarna, como casi ningún director, esa esencia especial, autónoma, indie como decíamos, sean los medios que le catapulten los que sean. Y es que, en el fondo, la clave de la originalidad es coger lo más normal del mundo y pintarlo con una pátina nueva, hacer de lo cotidiano un pequeño milagro, hacer de la rareza un hito romántico.

En este mediometraje los elementos de la fórmula son los más comunes y manoseados del mundo: el amor, la soledad, la música, la generosidad y la intolerancia. Si unimos estos componentes y además le añadimos un guión sensible, pero nada sensiblero, una fotografía que reluce como un atardecer en el parque, unas canciones conmovedoras y una identificación inmediata con los personajes, que no son tan raros como parecen pues Jonze deposita en estos "robots-ordenadores" lo mejor del ser humano, mientras que a los humanos los convierte en acusadores, grotescos o malvados, el resultado de la ecuación debe ser necesariamente bueno.

Una pequeña gran historia de amor.

Danny Boyle es uno de esos directores a los que no se les podrá achacar la falta de personalidad. A todos aquellos a los que les hayan atraído sus anteriores trabajos, esta es su película, porque lleva el gran sello de la casa: ese poderío visual, esa vivacidad en los planos y composiciones, el nerviosismo en la manera de narrar y la orgía sensorial, heredada o emparentada con los videoclips y especialmente con el mundo del skate. Para lograr esa chispa inconfundible cuenta, en primer lugar, con un frenético montaje, que elimina cualquier sensación estática consecuencia de la lamentable situación del personaje que no puede moverse durante 127 horas al tener su brazo aprisionado bajo una pesada roca, en segundo lugar, con una animada explosión de colores en una remarcable fotografía de Anthony Dod Mantle y, en tercer lugar, con una banda sonora bastante ecléctica y llamativa de A.R. Rahman, y que, más que acompañar la trama, la moldea a su voluntad, convirtiéndose en protagonista en diversas ocasiones (magnífico el comienzo y el final a cargo de Sigur Ros, así como la colaboración de Dido).
De lo anterior se deduce que nos encontramos con el Danny Boyle elevado a la enésima potencia, es decir, ese que hacía de las suyas en la criticada “La playa”, con momentos de videojuego incluidos, o en “Sunshine” con una parte final algo confusa, o con las secuencias más delirantes de “28 días después” o “Slumdog Millionaire”. Por ende, los que han salido escaldados de los ensayos postmodernos del británico, terminarán bastante decepcionados o descolocados con esta obra si no se someten sin remisión a las premisas visuales efectistas y algo alocadas y se dejan agarrar de la solapa desde unos títulos de crédito que ponen las cartas sobre la mesa, hasta un desenlace en el que acabaremos exhaustos y sin aliento.
Destacar la actuación de James Franco, que lleva sobre sus hombros la casi totalidad de la trama, aunque no toda a diferencia de Ryan Reynolds en “Buried”, y al que hay que elogiar el temple hasta en las escenas más conmovedoras, sin pasar la línea de la exageración en ningún momento, sino que consigue una interpretación contenida que sólo traspasa la pantalla exactamente en el momento en el que debe de hacerlo y, en ese momento, esos ojos vidriosos, esa mirada perdida hacia la esperanza del que está punto de ser vencido en la batalla, remueven de sus asientos hasta al espectador más apático.
Finalmente, para aquellos que están esperando ver la película sólo para echar el ojo al momento “gore” de la aventura, que tanto ha dado que hablar con rumores sobre desmayos en las salas de cine presuntos o verdaderos, no negaré que la tendencia es a apartar la vista ante el sufrimiento del alpinista, pero aún dirigiendo la mirada hacia la escabechina, un espectador medio que haya visto películas de terror o violentas de las de ahora, no sentirá tanto rechazo como se publicita.
Para los que quieran emociones extremas y un fuerte hálito de vida.

Mark Romanek (“One hour photo”, 2002), conocido director estadounidense de videoclips musicales (“Perfect Drug” de Nine Inch Nails, “Can´t stop” de Red Hot Chili Peppers o “Scream” de Michael y Janet Jackson, por el que obtuvo un Grammy) abandonó su proyecto de “El hombre lobo” para ocuparse de llevar a la gran pantalla la exitosa novela de Kazuo Ishiguro, una historia que mezcla ciencia-ficción, drama y romanticismo, decantándose claramente por el halo dramático del destino de los tres personajes principales, Kathy, Tommy y Ruth. Sólidamente interpretados por Carey Mulligan (que realiza un actuación emocionante), Andrew Garfield (que nos sigue asombrando tras el mejor papel de su carrera en “La red social”) y Keira Knightley (que hace uso de sus manidas pero efectivas técnicas dramáticas), nos encontramos con tres personajes que han sido creados para servir a otros fines distintos de los de vivir una vida propia y plena, destino que se ven coercitados a asumir desde su más tierna infancia y, por ello, aceptan sin rebeldía ni cuestionamientos. Esto es quizás lo más complejo de explicar por parte del director y del guionista, Alex Garland, y que no han llegado a transmitir correctamente, pues el espectador que no haya leído la novela de Ishiguro, se pregunta constantemente por qué estos tres jóvenes cuya libertad es mutilada en aras de salvar a otros, no luchan por tomar las riendas de sus vidas, que al fin y al cabo, como seres humanos, sean modelos o copias, merecen.
Aún cuando la película plantea los dilemas éticos de los avances científicos, no se centra en este tema, que parece una mera premisa circunstancial para entender a unos personajes perdidos, tristes, pasivos y vencidos, acertadamente acompañados por una melancólica y apagada fotografía que prescinde de colores básicos para deleitarse en otros más grises o amarillentos, salvo en momentos puntuales de gran belleza, y una maravillosa y conmovedora banda sonora creada por Rachel Portman.
Aunque guionista y director profundizan bien en la tragedia personal de cada personaje, aisladamente considerados, naufragan a la hora de reflejar sus relaciones recíprocas, pues la película es un prodigio de la sugerencia, basándose en tibios gestos e inmensos silencios que han de ser sustentados por las concienzudas actuaciones, pero no será muy entendida ni asimilada por los que no gustan del cine pausado que invita al espectador a ser minucioso y observar el detalle, para no ahogarse en la macilenta narración.
Eso sí, si te atrapa desde el principio y te dejas imbuir por esa belleza discreta, la emoción a raudales está asegurada. Y lo mejor es que no es una película romántica ñoña, sino cruel, en la que el final te hace pensar y plantearte cuánto tiempo es suficiente para una vida y te incita a amar, a luchar y a aprovechar estos segundos en que lees estas líneas. ¡Vive!

"Carretera encontrada", una película de David Lynch con su colaborador habitual Angelo Badalamenti. Ah no, espera, que se llama "Drive", no tiene quebraderos de cabeza, sí tiene toques de cine negro, de Tarantino y del cine de acción de los 70 y 80. ¡Pero sí cuenta con Angelo Badalamenti! Y, además, aparecen canciones de la bso de "La red social" (Trent Reznor) y de "Traffic".

Me he hecho un lío. Rebobinemos.

Una película muy reconmedable, que exuda cine por los cuatro costados. Empieza con una gran secuencia. Luego baja muchísimo hasta plantearme si me iba a aburrir, pero en cierto punto todo ha empezado a fluir, a dejarme embobada, a no saber si era una cinta de acción, de terror, de amor con beso a lo "Casablanca" o a lo "Lo que el viento se llevó", sangre a borbotones pero con elegancia al más puro estilo mafioso, y todo ello aderezazo con buenas actuaciones.

Agito mi cocktail (por cierto, los títulos de crédito rosa chicle parecen sacados del bodrio de Tom Cruise del mismo nombre), me enciendo un cigarro (ah no, que no fumo y odio el tabaco) y me pregunto, ¿y cómo se llamaba este director que ganó merecidamente su premio en Cannes?, un tal Refn. Joder, pues lo añado a mi lista de directores fetiche para no quitarle el ojo.

¿Le nomirarán al Oscar o en EEUU no sabrán apreciar su estilo? Mira, me da igual. Esta sensación de pelos de punta no la sentía desde hace mucho.

Me monto en mi Impala plateado y doy gracias a los directores que han mamado del cine, de todos los géneros y no tienen reparos en mostrarlo ante la cámara. ¿Mi destino? Me voy a chivárselo a David Lynch, para que se ponga las pilas ya y se deje de líos y meditaciones.

Más que una película, La diosa del asfalto es una experiencia en la que la directora Clara Law, de origen chino, pero que estudió en Londres, juega al despiste, pues en sus propias palabras esta película pretende ser una obra “misteriosa y ambigua”.

El prólogo podría ser desalentador y demasiado extraño para un público conservador, pero cumple dos funciones esenciales; primero, preparar al espectador para el aluvión que le espera, que después de un inicio tan impactante resultará menos incómodo e improbable; segundo, presentar a uno de los dos escasos personajes que van a deambular por el largometraje, describiendo sus características fundamentales.

Esta película podría describirse como ecléctica y postmoderna. Es un pastiche extraño que, sin embargo, no resulta hermética y se percibe de manera bastante natural e hipnótica. Aúna diversos géneros, como el drama, el terror en algunos tramos y planos, el humor, el surrealismo, hasta con mensajes y citas publicitarias o estadísticas que aparecen de improviso y todo ello fusionado como una “road movie”.

Sus principales defectos son los relativos al guión, elaborado conjuntamente entre la directora y su marido, Eddie Ling-Ching Fong, que no llega a revelar todos los misterios ni a atar todos los cabos, pues la historia está claramente puesta al servicio de los sentidos y especialmente de la apabullante parte visual. La fotografía es bella, rara, colorida, impactante y, no en vano, este apartado se encomienda a un fotógrafo australiano, Dion Beebe, ganador del Oscar por “Memorias de una Geisha”. Las mayores virtudes, además del plano artístico citado, son la originalidad de la propuesta, con ideas brillantes, y la coherencia que alcanza a pesar de la rareza que representa. Como muestras de esto último, basta intentar indagar en los diversos paralelismos simbólicos que, a modo de pistas, se van intercalando en el filme (las ratas, el plano desde el árbol, el baile) que aparecen repetidos pero con significados radicalmente diversos en cada sección del filme.

No cabe duda de que el personaje mejor descrito es el de la ciega, interpretada de forma sobresaliente por Rose Byrne, cómo no también australiana, y que nos tiene acostumbrados a su facilidad para amoldarse a todo tipo de papeles y géneros (“Troya”, “Sunshine”, “28 semanas después”o “Adam”). Para preparar su papel en La diosa del asfalto, aprendió y practicó durante cuatro semanas mímica para poder expresar con el cuerpo los sentimientos de este personaje. En el festival de Venecia de 2000 consiguió la Copa Volpi a la mejor actriz. Y no es un papel fácil, pues su dolorosa existencia, narrada en forma de flashbacks, explica su inestabilidad, su fragilidad y su desconfianza.