Y viendo esta película uno se da cuenta de la evolución que ha sufrido este país en las últimas décadas. Un progreso que llegó de la mano de la democracia y del que todos deberíamos sentirnos orgullosos. ‘El mundo sigue’ refleja a la perfección el retraso de la sociedad española durante la dictadura franquista. Especialmente complicada es la situación de la mujer, un tema recurrente en el cine de esa época y que denunciaron otras películas como la ‘La Tía Tula’ o ‘Calle Mayor’. En este caso el protagonismo se lo llevan dos hermanas que se profesan un odio basado en la envidia y el rencor. Una de ellas (Lina Canalejas) es honrada y trabajadora, pero lleva una vida mísera junto a un marido ludópata, irresponsable y maltratador (Fernando Fernán Gómez). La otra (Gemma Cuervo), ante un oscuro presente y un incierto futuro decide tomar el camino fácil vendiéndose al mejor postor.

Dos hermanas antagónicas, cuyo único objetivo es sobrevivir en una sociedad que situaba a la mujer en el último escalón. Por eso no se puede juzgar a ninguna, señalando que la una es mejor que la otra. En los primeros minutos se produce una brutal pelea entre ambas que ya adelanta lo que nos deparará la película. Mención especial para Lina Canalejas, que se convierte en una ‘Sofía Loren’ a la española repleta de carisma, fuerza y sensualidad. Cuando desaparece de la pantalla, la película se resiente y esa es la mejor muestra de la impresionante actuación de esta actriz. Gemma Cuervo, la inocente viejecilla de ‘Aquí no hay quién viva’ luce espectacular a los 27 años y da perfecta réplica a su hermana en sus múltiples enfrentamientos verbales y físicos.

Ver esta película es un privilegio, entre otras cosas porque en su momento tuvo un estreno restringido por obra y gracia de la censura, y desde entonces sus pases por televisión han sido escasos. Así se ha convertido en una película casi clandestina que muy pocos han visto. Su artífice, Fernando Fernán Gómez, casi se arruina con el objetivo de sacarla adelante. Finalmente lo consiguió, pero los problemas antes mencionados precipitaron su fracaso. En esa época rodar una obra tan atrevida como ‘El mundo sigue’ fue un acto de rebeldía y tenacidad de Fernán Gómez, seguramente uno de los españoles más brillantes del siglo XX. Ahí ha quedado su labor como actor, director, guionista, dramaturgo y escritor para corroborarlo. Una pena que muchos solo le recuerden por su famoso: “¡A la mierda!”.

Costa-Gavras, un director siempre comprometido y autor de películas como ‘Z’ (crítica a la dictadura militar griega), ‘Missing’ (crítica al golpe de estado de Pinochet en Chile) o ‘Amén’ (crítica al silencio del Vaticano durante el Holocausto) pone su incisiva cámara a disposición de una historia sobre el cuarto poder en la más que interesante ‘Mad City’. El director franco-griego nos muestra hasta dónde puede llegar la prensa más sensacionalista en el tratamiento de una noticia. Describe una prensa completamente ajena al concepto de objetividad, sin ningún tipo de implicación emocional con los protagonistas de la noticia y que piensa exclusivamente en su propio beneficio.

‘Mad City’ es una película tremendamente pesimista sobre el mundo del periodismo, ya que casi ningún personaje muestra ningún rasgo noble. Los periodistas son presentados como personas interesadas, insensibles y egoístas, aunque algunos como el protagonista Max Brackett (Dustin Hoffman) evolucionan hacia una especie de redención, mientras otros como la ‘novata’ Laurie (Mia Kirshner) van pervirtiéndose influenciados por el ambiente que les rodea. Solo el más veterano, Lou Potts (Robert Prosky), mantiene su integridad aunque es ignorado por un mundo muy distinto al que él conociera en su juventud. Toda la historia está presentada de manera exagerada y quizás en ese punto esté su mayor defecto, al volverse demasiado evidente y poco creíble en determinados momentos. Otra pega es que la historia no es nueva, ya que Billy Wilder nos contó algo parecido en ‘El Gran Carnaval’.

Es curioso cómo funciona la memoria y esto es lo que nos viene a demostrar Carlos Saura en esta película. Cada persona recuerda una misma situación del pasado de manera distinta. En esta película es el personaje de José Luis López Vázquez (sobresaliente), el que rememora su infancia al volver al pueblo dónde convivió con una familia, que en el fondo no era la suya, tras el traumático estallido de la guerra civil española. La separación de sus padres republicanos, el amor por su prima Angélica, el miedo que infunde la religión, todo eso vuelve a él tras su regreso.

¿Debería cambiar Robert De Niro de representante? Después de ver su última película la única respuesta posible es… Sí. ¿Cómo puede el mítico intérprete de títulos como El Padrino II, Novecento, Taxi Driver, El Cazador, Toro Salvaje, Erase una vez en América, La Misión, Los Intocables de Elliot Ness, Despertares, Uno de los Nuestros, Casino, Una Historia del Bronx o Heat meterse en proyectos como este? ¿Dinero, aburrimiento, desinterés,...? Asesinos de Élite es una mala película, pero es que también lo eran otras anteriores como Sin Límites, Stone o Asesinato Justo. De Niro interpreta con el piloto automático, poniendo su carismático rostro al servicio de la nada.

Lo mismo podríamos decir de Clive Owen, cuyos últimos estrenos no han estado a la altura de su talento. Aquí interpreta a un personaje plano, del que no sabemos nada y, en consecuencia, nos preguntamos continuamente qué motivaciones le empujan a hacer lo que hace. Al menos, Jason Statham cumple repartiendo puñetazos, patadas y balas compulsivamente, pero es que a este no podemos exigirle más. La única sorpresa agradable es el televisivo Dominic Purcell (Prison Break), que parece disfrutar interpretando su papel.

La película empieza con peleas, tiros y explosiones, continúa con más peleas, tiros y explosiones y acaba con más peleas, tiros y explosiones. Entre medias, diálogos en los que la palabra más utilizada es “mierda”, flashbacks metidos con calzador y una historia de amor intrascendente. Gary McKendry (nominado al Oscar en 2004 por su corto Everything in This Country Must) se pasa al largo con pobres resultados. Cuando la gente acude al cine a ver Asesinos de Élite espera encontrarse con escenas de acción espectaculares, pero es que ni siquiera eso ofrece la película. Es cierto que la saga Bourne ha dejado el listón muy alto, mezclando acción y cerebro a partes iguales, pero nadie le pedía al novel director algo de ese nivel. Hubiera bastado con algo parecido a La Sombra del Reino de Peter Berg.

El pasado 13 de noviembre fallecía en su domicilio de Madrid, Luis García Berlanga. Tras las muertes de Juan Antonio Bardem (2002), Agustín González (2005), Fernando Fernán Gómez (2007), Rafael Azcona (2008), José Luis López Vázquez (2009), Manuel Alexandre (2010), el director valenciano cierra con su muerte a los 89 años una década triste para el cine español, en el que han ido desapareciendo todas sus grandes figuras. Casi nueve décadas de vida que dieron para mucho, entre otras cosas para filmar varias de las mejores películas del cine español. Dos días antes de su adiós había visto “Los Jueves, Milagro”, cuando acabó la película fui directamente al ordenador y es que algo no me cuadraba. La primera mitad de la película era Berlanga, ironía, mala leche, humor negro; pero la segunda (desde que aparece en escena Richard Basehart) parecía obra de otro director. Todo el mensaje inicial desaparecía y la crítica social tan propia del cine de Berlanga, se convertía en una especie de parábola religiosa, que poco tenía que ver con lo visto anteriormente.

Informándome por la red, descubrí la intrahistoria de esta película. A Berlanga le contrató el productor Ángel Martínez para el rodaje de la obra, pero en pleno proceso de escritura del guión, Martínez decidió vender la productora a una empresa ligada al Opus Dei. ¡Con la iglesia hemos topado! Los nuevos ‘mecenas’ y la censura acabaron metiendo mano en la película. El Padre Garau escribió los cambios que debían ser introducidos en la historia, de ahí que Berlanga propusiera que el religioso apareciera en los títulos de crédito como guionista. Incluso se llegaron a rodar escenas adicionales sin la participación de Berlanga, de las que se encargó el director Jorge Grau. Finalmente la película se convirtió en el mayor fracaso de taquilla de Berlanga. Ahora entendía mejor que había pasado y solo me quedaba resignarme a puntuar con un 7 una película que seguramente hubiera merecido más, si la censura no hubiera hecho de las suyas. (en spoiler por falta de espacio).