Ejemplo prototípico de cine neorrealista, en plena resaca de la Segunda Guerra Mundial, nos situamos en una Roma que sobrevive a duras penas, plagada de vendedores ambulantes, trapicheos en las calles, timadores y limpiabotas que se apelotonan buscando los pocos dólares que dejan caer los soldados americanos.

La visión de De Sica es certera y con un análisis costumbrista que respira autenticidad, no en vano estamos hablando de uno de los grandes autores humanistas del cine, aunque en esta película llevara dirigiendo únicamente 6 años, por lo que deberíamos considerarla una obra de juventud, ya se vislumbra un director con un lenguaje y un mensaje diferenciadores.

Podríamos decir que desde “I bambini ci guardano” (1944) y pasando esta película que nos ocupa, abordó una trilogía insuperable que debería ser referencia para cualquier aficionado al cine europeo en general y al italiano en particular: “Ladrón de bicicletas”, “Milagro en Milán” y “Umberto D.”, posteriormente siguió regalándonos obras maestras, pero nada comparable con este periodo de creatividad desatada.

La película es tremendamente moderna tanto en los aspectos técnicos de la misma, como en la temática que aborda y cómo lo hace: esa extrema pobreza que se respira en las calles mezclada con la ilusión desenfrenada de unos chavales que malviven por unas pocas liras, una concatenación de malas decisiones y la presencia del correccional de menores como una cárcel donde los reclusos no tienen futuro y acaban por abrazar la vida delictiva sin más opciones.

Un drama carcelario de primer nivel que toca el corazón.

Como miembro de la Kiss Army que me considero desde hace muchos años, tenía esta tarea postergada entre mis quehaceres cinéfilos. Ya sea por un motivo o por otro, siempre se colaba otra opción preferente antes que esta película en el menú semanal.

Por fin me decidí a dar el paso, bien asesorado por opiniones de diversas fuentes (fidedignas y no tanto), mis expectativas no eran precisamente altas y lo cierto es que el film me ha dejado una huella, digamos que imborrable.

1978, Kiss son, probablemente más que nunca, “The hottest band in the wordl” y una de las pocas palancas que les faltan activar para su denominación mundial es tener un producto cinematográfico propio que les encumbre como iconos a lo largo y ancho del globo.

Gordon Hessler (un director de oficio, sin grandes alardes en su filmografía) pergeñó una criatura absolutamente demencial, el guion es inexistente y las actuaciones le van a la zaga, obviamente los Kiss nacieron para rockear no para actuar frente a las cámaras. Apartado destacable el de efectos especiales, creo que es la vez que más cerca he estado de apagar la TV.

En fin, no voy a profundizar en demasía sobre este subproducto, pero cuando los propios Kiss han impedido que se emita en las cadenas americanas y se sienten profundamente avergonzados de él, por algo será.

Es tan, tan, tan mala, que ni siquiera le encontré un encanto naif o cutre que pudiera hacerme pasar un buen rato.

Lo único salvable: las actuaciones en directo, y para eso hay cientos de videos con conciertos bastante mejores que las que aquí se pueden disfrutar.

No recomendable ni para fans irredentos del grupo, es una anécdota carente de gracia.

A estas alturas no vamos a descubrir a Chaplin, pero este mediometraje fue una de mis primeras incursiones en su filmografía, siendo yo bien canijo, y en aquel entonces ya me conmovió y me sacó una sonrisa permanente en sus 40 minutos de duración.

Chaplin era un auténtico prodigio en casi todos los sentidos, pero su dominio de la fisicidad y de la comicidad en las situaciones, del slapstick y del calado humanista en sus historias, siendo un prestidigitador de las emociones, es algo que perdurará eones en la historia del cine.

En esta ocasión su partenaire es una perrita con la cual comparte lo poco que tiene y se convierte desde el minuto uno en su socia de confianza, los desarrapados al final acaban conviviendo y formando una familia, es una maravilla ver la escena del bar, con el cánido metido en los pantalones de Chaplin, un clasicazo donde los haya y todavía hoy, desternillante a más no poder.

No es la obra más representativa del autor, y por supuesto no es la más famosa, pero sí una de las que mejor reflejan su alma de trampero cándido de gran corazón.

Atípico biopic que nos presenta la siempre interesante figura de Brian Wilson, uno de los mayores compositores e intérpretes del S.XX, un genio con mayúsculas cuyo nombre merece estar marcado en neones por los siglos venideros.

Además de los grandes clásicos de los Beach Boys que cualquiera ha tarareado en algún momento u otro de su vida, Wilson era una inagotable factoría de himnos de consumo fácil para todos los públicos, odas al mar, a la diversión, a las chicas guapas, a la playa… pero no solo eso, su amplitud de miras y su talento inabarcable le movieron a buscar nuevos sonidos, a acercarse a la melodía perfecta, incluso si en ese trayecto perdiese su cordura. Bien conocida es la mutua admiración que se profesan Brian y Paul McCartney, el americano siempre afirmó que los Beatles eran el sumun de la creatividad, sin embargo y paradójicamente, los ingleses reconocieron que Pet Sounds es el disco harmónico perfecto, una gema poliédrica con tantos vórtices y matices que cada vez que se escucha es como escucharla por primera vez.

La historia del film refleja a la perfección la personalidad de nuestro protagonista, es no lineal, mezclando fragmentos del pasado con el futuro, siempre poniendo de manifiesto las inseguridades del genio creativo, sus dudas y temores, dependiente extremo de terceras personas, primero el abusador de su padre, después su banda de amigos y familiares que no dudan en exprimir hasta la última gota de su talento, después por el doctor Eugene Landy, un aprovechado que exterminó sin piedad cualquier atisbo de creatividad e independencia que le pudiera quedar. Hasta la llegada de la que es actualmente su esposa y salvadora, Melinda Ledbetter.

Los actores son una verdadera delicia con un Paul Dano mimetizándose en gestos, dejes vocales y actitud con un joven Brian, una actuación portentosa; John Cusack reflejando la depresión y la inseguridad en cada movimiento en el Brian de los 90; Elizabeth Banks guapísima y luminosa como su futura esposa y Paul Giamatti muy lejos de sus registros habituales, que nos regala una interpretación oscura y desgarradora interpretando al doctor Landy.

La dirección corre a cargo de Bill Pohland que se aleja de los cánones preestablecidos para este tipo de productos y nos regala una película diferente, fresca y con muchos matices, solo hay que ver como refleja en varios puntos el proceso creativo de composición, una verdadera maravilla y realmente fiel.

Un film que refleja a la perfección la personalidad de su protagonista: íntimo, mágico, envolvente, cálido, inspirador, magnético y cautivador, no está mal para un chico de la playa que nunca supo surfear, ¿verdad?

Permítanme encabezar el título de esta crítica con una de las bromas privadas más visitadas respecto al origen del grupo, y es que una vez más, los prejuicios raciales entran en juego, en este caso, suponiendo que su acrónimo (NWA) hacia referencia a un desprecio por los blancos, lo cual nunca fue así sino más bien orgullo de pertenencia, ese nada políticamente correcto Niggers With Actitude, que deja las cosas meridianamente claras respecto qué es el grupo, y de dónde proceden.

El rap como fenómeno musical, aunque su origen data de fechas pretéritas, tuvo su máximo apogeo en el final de los años 80 y el comienzo de los 90 y gracias, en mayor o menor medida, al talento de estos 6 tipos que revolucionaron la escena y rompieron todos los esquemas preconcebidos hasta el momento en la industria musical, como que un grupo de chavales procedentes de barrios bajos tuviera el talento y la actitud de crear un mensaje que trascendería la proclama revolucionaria y se estacionaría en el movimiento social de clase en una sociedad tan clasista como la americana.

La película sigue los cánones de cualquier biopic musical que se preste, a saber: origen de los integrantes, conexiones, éxito, choque de egos, confrontación, punto dramático y separación. Pese a todo está rodada por F. Gary Gray de manera muy ligera, hábil con la cámara y con un estilo casi hermanado con el género documental. Los actores están absolutamente perfectos y es que son copias casi gemelas de los raperos originales, pero con unos años menos, es muy fácil sentir que estás viviendo una especie de regresión al pasado y no un biopic, consiguen que el espectador se lo crea en todo momento y que, en ocasiones, tome partido por unos u otros según transcurren los acontecimientos.

Tengamos en cuenta que el grupo contó con Eazy-E, máximo exponente del gansta-rap y un tío con una pose chulesca pero con fraseos por balas; Ice Cube, un tipo con tanto talento que de hecho coqueteó abiertamente con géneros tan dispares como el trash o el rock y creó su propio grupo, Bodycount, además de convertirse por méritos propios en una estrella de Hollywood; y por supuesto, Dr. Dre, probablemente el componente con más talento y uno de los productores más increíbles de la industria, además de una carrera en solitario inmaculada, suyas fueron producciones con, entre otros, 2-Pac, Notorious Big y el apadrinamiento de estrellas ahora mundialmente consagradas como Eminem o Snoop Dog.

Inesperado film que colmará las expectativas de fans del género y de todos aquellos curiosos, como es mi caso, que se acercaron para ver qué tal trataron a estas leyendas de la rima.