El cine siempre ha tenido un filón que parece no agotarse en las adaptaciones de las novelas de Stephen King, una larga lista de grandes títulos como: Carrie, El resplandor, Cujo, Los chicos del Maíz... avalan la calidad de estas adaptaciones. En este caso en concreto, el guión no va a ser distinto, ya que nos encontramos frente a una solidísima película. Misery rodada en 1990 por el director Bob Reiner, consiguió un gran éxito comercial y obtuvo un Oscar a la mejor actriz protagonista.

Misery narra la historia acontecida a Paul Sheldon, un famoso novelista que sufre un accidente en medio de la nieve y es recogido y atendido por Annie Wilkes, una de las muchas fans de sus novelas... Esta historia aparentemente simple envuelve al espectador en un sórdido retrato de los dos protagonistas de la historia. Por un lado Annie, una persona enfermiza, solitaria, agresiva y fanática. Por el otro Paul un hombre que intenta desligar su vida de su trabajo, y que se envuelto en una pesadilla de la que difícilmente podrá escapar. Este retrato, se apoya en un ritmo sosegado que permite una gran profusión en el análisis y en el estudio de situaciones y personajes. Es cierto que la trama esconde ciertas escenas realmente brutales, un ejemplo la secuencia en la que Annie golpea violentamente a Sheldon, que se encuentra indefenso postrado en cama, o la sangrienta lucha final entre la pareja de protagonistas.

La estructura narrativa del film es inteligente y por momentos brillante, Rob Reiner consigue una filmación muy efectiva que se apoya principalmente en unos esplendidos primeros planos sobre Kathy Bates. La fotografía de Barry Sonnenfeld resulta aceptable en líneas generales. Buen trabajo de los actores, entre los que destacan la ya nombrada Kathy Bates y James Caan en el papel de Paul Sheldon, como detalle cabe mencionar la aparición de Lauren Bacall como Marcia Sindell. La música excelente, de la mano de Marc Shaiman, encargado de las bandas sonoras de películas de la talla de: El chico, Olvídate de París, Abajo el amor…

A definidas cuentas, diremos que Misery es una de las más sólidas y absorbentes producciones inspiradas en las novelas del conocido escritor estadounidense perteneciente al género de terror, Stephen King.

En los últimos años el cine de terror se ha visto afectado por un gran cúmulo de producciones que mermaban cada vez más la calidad este género; producciones comerciales que se olvidaban de lo más importante, de que eran cine no secuencias sueltas que únicamente buscaban el terror fácil. Frágiles brilla por no seguir ninguno de estos rasgos, a su favor cuenta con un guión sólido y absorbente, una dirección magnífica, unas interpretaciones muy meritorias..... todo ello impregnado de un ambiente terrorífico que hiela la sangre.

La historia de frágiles aparentemente sencilla (una enfermera acude a un hospital que se va a cerrar en breve, para trabajar en el turno de noche. Pero pronto se dará cuenta que algo inquietante se esconde entre esas paredes....) esconde una enorme complejidad, con un amplio estudio analítico de la protagonista, una joven con problemas emocionales que se ve envuelta en su peor pesadilla. Este guión que peca quizás de ser un poco tópico, se envuelve en un marco aterrador, que no permite un segundo de descanso al espectador.

Jaume Balagueró dirige con maestría: aportando encuadres portentosos y secuencias magníficas: la escena en la que Amy entra en el antiguo hospital es una buena muestra de como se combinan planos para recrear una sensación que eleva el máximo significado de la palabra terror. Las interpretaciones no se quedan atrás Calista Flockhart conocida por la serie Ally McBeal, logra una interpretación excepcional, Yasmin Murphy brilla al igual que la protagonista y el resto de secundarios cumplen con creces su papel. La banda sonora fantástica, resulta indispensable para crear la tensión entre el público como en cualquier otra película de terror.

En resumen esta película es uno de los mejores ejemplos del buen cine de terror de los últimos años con sabor español. ¡Absolutamente aterradora!

Una muchacha que vuelve de sus vacaciones en tren conoce durante el trayecto a una institutriz inglesa de mediana edad. En un momento determinado, la institutriz desaparece; aunque nadie se ha dado cuenta de ello. La joven trata de averiguar qué ha pasado; pero los pasajeros la acusan de sufrir alucinaciones y casi la convencen de que nunca ha existido esa mujer.

Adaptación de una novela de Ethel Lina Whi, para una de las películas más importantes de Hitchcock en su etapa británica. La historia introducida por un peculiar prologo, es un conjugado de misterio y suspense muy bien equilibrado; las constantes reseñas sociopolíticas y los inesperados giros en la trama consiguen atraer la atención de espectador, el cual se ve envuelto en un ambiente de sordidez y cinismo, indispensable para que el film funcione. El componente humorístico también tiene cabida en esta cinta, denotándose los típicos gangs del maestro Hitchcock que amenizan considerablemente la aproximada hora y media de metraje.

Visualmente este título es bastante aceptable. Los decorados, bien realizados, nos presentan localizaciones de alta montaña. Y la dirección de la mano de Hitchcock, hace uso de ágiles combinaciones de primeros planos que logran captar el tempo de la narración. Por otra parte, la fotografía de Jack Cox, habitual en otros títulos hitchcockianos, resulta ser sobria y trabajada lo que constituye en cualquier caso un importante valor estético dentro del film. El reparto se conforma en su gran mayoría, por actores con experiencia teatral. En el papel protagonista se haya Margaret Lockwood, la cual lleva a cabo un loable papel. Por lo demás, Michael Redgrave y Dame May Whitty, entre otros, realizan tambien buenas interpretaciones. La no muy abundante banda sonora, dirigida por el londinense Louis Levy (39 escalones, Adiós Mr. Chips…), combina partituras de la música alpina con otras de tono orquestal, de un carácter más alegre.

Notable producción hitchcockiana, recomendable para todo aquel que quiera disfrutar de una entretenida historia muy bien acompañada de formas, reparto y música.

A casa de dos estudiantes van llegando personajes a los que han invitado a una especie de fiesta fin de curso. Al invitado que más temen es su tutor y profesor de criminología, una astuto criminólogo que defiende la no existencia del crimen perfecto. Ellos, precisamente, están preocupados porque tienen un cadáver en el arcón que sirve como mesa para la cena. Se trata de un amigo mutuo y prometido de una antigua novia de uno de ellos. Con el asesinato intentan demostrar al profesor que sí existe el crimen perfecto.

La soga es quizás la obra más peculiar dentro de la amplia filmografía hitchcockiana, siendo una verdadera rareza cinematográfica desde el punto de vista técnico. La historia como si de una obra de teatro se tratase, se asienta sobre unas sólidas unidades teatrales (tiempo: una tarde noche, lugar: el apartamento de la pareja de asesinos y acción: el post-asesinato de un joven a manos de la pareja protagonista). Así a través de una sencilla trama, el film consigue sumergir de lleno al espectador en la investigación criminal llevada a cabo por el ex profesor Rupert. En este aspecto, la obra no destaca por presentar una intriga sin resolver, es decir, el público desde un principio es consciente de que la pareja homicida va a ser descubierta de una forma u otra, a pesar de que el cadáver no es puesto en pantalla en casi ningún momento, es sin embargo la meticulosidad del plan criminal y su posterior desenmascaramiento, las pistas, los rastros, lo que ciertamente refuerza el ya de por si sobrio argumento.

Pero es en el aspecto técnico en donde se haya la grandeza de esta película. La soga es el único largometraje rodado sin interrupciones entre sus planos, sin cortes, mientras que en una cinta normal existen unos seiscientos planos, el contenido integro de la soga se puede contener en un solo cargador de cámara, algo insólito dentro de la historia del cine. Por otro lado, cabe la pena decir que este es el primer título del director ingles rodado a todo color, y una de las primeras ocasiones en las que el propio cineasta participaba además de cómo director, como productor. El reparto se muestra eficiente, en especial John Dall y Farley Granger, con una buena interpretación en líneas generales. James Stewart, actuando como “actor reclamo” del film, también lleva a cabo una buena caracterización, en esta su primera participación con Hitchcock. La banda sonora de la mano de Leo F. Forbstein cumple a la perfección su papel de mero acompañamiento en marcados momentos del relato.

En conclusión, La soga es una peculiar cinta, técnicamente hablando, que además de deleitar por su cuidada puesta en escena, entretendrá a todo aquel que solo busque disfrutar de una notable obra de suspense.

Una modelo y un fotógrafo, Sam Hendrix, se conocen en un avión. Ella lleva consigo una muñeca llena de droga, que debe entregar en Nueva York. La joven le deja la muñeca a Sam y desaparece. Más tarde, en Greenwich Village, Mike Tarman (Richard Crenna) y Carlino, dos delincuentes que tratan de recuperar la droga, se dan cita en el apartamento del fotógrafo con Roat (Alan Arkin), un despiadado criminal al que no conocen, que les dice que ha asesinado a la modelo por haberle intentado traicionar. Sus suciosnegocios se ven interrumpidos con la llegada de Susy (Audrey Hepburn), esposa de Sam, de la que pronto descubren que es ciega. Éstos trazan un plan para hacerse con la muñeca y esperarán a que Susy esté sola para volver a entrar a la casa...

Película que guarda numerosas similitudes con “Crimen perfecto” (largometraje rodado en 1954 por el maestro Alfred Hitchcock); ambas producciones adaptan conocidas representaciones teatrales de Frederic Knott con tramas bastante parecidas y unas formas en cuanto a rodaje se refiere que no difieren prácticamente en nada. Pero volviendo a “Sola en la oscuridad” tendremos que decir que este film británico, encuadrado por muchos dentro del género de terror, se acerca mucho más al thriller que al cine bizarro. Únicamente son reseñables un par de secuencias al final de la cinta que pueden provocar algún sobresalto en el espectador. Por otra parte la tensión de este largo resulta cadenciosa, atrayendo la atención del público a través de una complicada trama y fijando mayor protagonismo en el personaje de Hepburn, facilitando de esta forma su lucimiento.

Atractiva puesta escena, con unos decorados teatrales y un desarrollo marcado casi en su totalidad en un único emplazamiento, la vivienda de la protagonista. Movimientos de cámara sencillos y efectivos, que se tornan a favor de la historia, desestimando ligeramente lo estético de la obra. El buen tratamiento de sombras y contraluces ensalzan el contenido de intriga que intenta plasmar Terence Young. La banda sonora no destaca especialmente, combina agudas composiciones con el fin de enfatizar lo exaltado de la película, pero sin alardes. Audrey Hepburn realiza uno de los mejores trabajos dentro de su filmografía, captando a la perfección el papel de ciega acechada e indefensa por una banda de narcotraficantes que circulan por su hogar con total impunidad. El resto del reparto cumple su labor.

Interesante film, para todo aquel que quiera degustar una producción tan asfixiante como bien elaborada.