En “Electric Boogaloo” nos encontramos un documental por momentos complaciente, por momentos desopilante y en todos los sentidos único, como el par de personajes que levantaron el imperio Cannon, productora referente mundial (muy a pesar de Hollywood) en los 80.

Menahem Golam y Yoram Globus, dos primos judíos que forman un tándem perfecto de caraduras, trasnochados y alocados trúhanes, se montan un chiringo con la muy defendible premisa básica de su amor por el cine. Y es cierto, además de productores insaciables, fueron directores y cinéfilos empedernidos, si bien tampoco deja de ser cierto que sus formas dejaron huella en el negocio y crearon escuela. En el film encontraremos cientos de anécdotas, opiniones hechas desde la inquina y chascarrillos varios sobre este par de personajes, que, para ponernos en situación, eran capaces de vender una película en alguno de los grandes festivales de cine solo por el cartel (sin tener preparado ni una versión preliminar del guion).

La marca de la casa en Cannon Films fue sin duda alguna, escenas de sexo, violencia (cuanto más, mejor), frases lapidarias, casposismo e incluso una visión caduca y rancia de la sociedad, con olor a naftalina.

Pero además recuperaron para la causa estrellas en franca decadencia, se aprovecharon de las rutilantes estrellas de acción del momento y crearon su propio arquetipo de héroe. Por aquí han pasado Charles Bronson, Chuck Norris, Sly Stallone, Van Damme, Michael Dudikoff, Richard Chamberlain…

Algunos de sus grandes éxitos y fracasos más sonados fueron: la saga “Yo soy la justicia” con un Charles Bronson aportando sus últimas gotas de mala leche a la gran pantalla, la saga “Desaparecido en Combate” con el gran Chuck haciendo las veces de un Rambo de marca blanca, el binomio de pelis de Tobe Hooper tan deliciosas como incomprendidas: “Life Force” & “La matanza de Texas 2”, “El guerrero americano” con su explotation de las pelis de karate importadas a escenarios occidentales, “Invasión USA” y “Delta Force” o un ejercicio único de fachismo y caspa sin control, “El tren del infierno” una excelente película de presos a la fuga con Jon Voight y Eric Roberts, la copia insulsa y ofensiva de Indiana Jones que fue “Las minas del Rey Salomon”, la muy taquillera “Cobra” y la desastrosa “Yo soy el Halcón” con el por entonces actor mejor pagado Stallone (25 millones de dólares de la época por echar pulsos, ahí es nada), las pelis que pusieron a Van Damme en el mapa “Contacto sangriento” y una de mis placeres culpables “Cyborg”… mucho y muy variado, ya en franca caída libre se marcaron 2 productos que terminaron de ponerle los clavos en su ataúd: “Masters del Universo”, o como cargarse una millonaria licencia de muñecos de acción y que avergüenza a día de hoy a Dolph Lundgren (y mira que tiene motivos por los que avergonzarse) y sobre todo “Superman 4”, cuyos efectos especiales estaban a la altura de cualquier producción de fin de carrera.

Documental imprescindible para todos aquellos que, como yo, somos carne de videoclub, adictos a la quincalla, hijos de la generación Cannon.

¿Cómo escribir una crítica sobre una película como “Star Crash”?

El primer impulso es incluso poner en duda el simple hecho de enfrentarse a su visionado, a priori y con todas las apuestas en su contra, supone en el mejor de los casos perder 93 minutos de vida y en el peor, un trauma de consecuencias irreparables.

Estamos hablando de un cutre-film de factura italiana puramente 70’s, enmarcado en la ola de explotaciones que llevaban a cabo con tanta alegría nuestros amigos transalpinos, en este caso podríamos situarla incluso pasando la serie B y más cercana de la casposidad de la serie Z.

¿Qué nos podemos encontrar en la película?

Amazonas en bikini, robots badass, traficantes intergalácticos sin mucho carisma, un imperio confeccionado con figuras de Lego, efectos especiales de baratillo, diálogos insufribles paridos directamente de la enfermiza mente de un mandril beodo y un buen puñado de interpretaciones que derivan entre la risa estruendosa y el horror cósmico.

En el ámbito interpretativo nos encontramos a la reina de la serie B de finales de los 70, Caroline Munro, sólo por eso ya vale la pena su visionado. Pero es que además el plantel protagónico se completa con otros ilustres nombres como los de Christopher Plummer, que apostaría todo mi dinero a que siente vergüenza con la simple idea de verse asociado con este engendro cinematográfico; el gran David Hasselhoff justo antes de convertirse en el icónico Michael Knight y a años luz de su otro tótem televisivo Mitch Buchannon; o Joe Spinell al que el traje de primo tonto del emperador-Vader le sienta como un tiro y cuyas escenas son una experiencia lisérgica dura incluso para el paladar más exigente.

A los mandos el gran Luigi Cozzi, aquí reconvertido para la causa en Lewis Coates, casi nada. Y en la banda sonora nos encontramos a otro ilustre despistado, John Barry, a quien podríamos señalar de lejos como lo mejor del film.

¿Qué me ha parecido la película?

Una maravilla, diversión pura para amantes de este tipo de cine. Lo curioso es que con el paso de los años no es que haya envejecido mal porque no creo que en ningún momento tuviera un valor intrínseco más allá de ser la copia europea cutre de “Star Wars”, pero sin embargo, se ha convertido en una obra de culto que merece mucho la pena para cualquier aficionado a la serie B o a la ciencia ficción más psicotrópica.

Los “Stooges” son una poderosa dinamo que aunó rock, free-jazz, blues y que dio comienzo a lo que posteriormente se conocería como Punk, con una actitud peligrosa, excesiva y totalmente nihilista. No se habla lo suficiente de la importancia que tiene para la historia del rock el seminal grupo de Detroit.

Estoy plenamente convencido que sin ellos el mundo del rock no sería tal y como lo conocemos, fueron pioneros, ángeles de cuero, sangre y sudor; unos verdaderos avanzados a su tiempo, tanto fue así que se les ha reconocido como quintaesénciales tras décadas de estar separados y este documental los sitúa en el lugar que se merecen.

Acercarse a uno de sus conciertos en los 70 era una experiencia peligrosa, enérgica, llena de electricidad y chispazos de violencia, con una actitud kamikaze por parte de uno de los más grandes frontman de la historia, Jim Osterberg o lo que es lo mismo, el único e incomparable Iggy Pop. Su actitud a medio camino entre un yonki arrastrado y una glamurosa estrella de rock y sus movimientos reptilianos, explosivos, totalmente arrolladores, hacían que la experiencia fuera única. Aún recuerdo una de mis más preciadas adquisiciones, un disco pirata llamado “Metallic K.O.” en la que, si bien el aspecto musical del grupo no se consigue apreciar debido a una grabación paupérrima, sí que consigue transportarte a un directo de los Stooges, en mis oídos aún resuenan las botellas explotando en el escenario y la actitud de Iggy, insultando y provocando al público, animándoles a seguir arrojándoles objetos. Punk puro antes del Punk.

El director, colega íntimo de la Iguana, y genio absoluto de esta maravilla llamada cine, consigue lo impensable, dejar su personalidad a un lado y dar todo el protagonismo a los músicos, consiguiendo una película honesta y con gran peso y valor documental.

Imprescindible para fans y para neófitos, un grupo capaz de alumbrar obras tan extremas como “Funhouse” y de pergeñar hitos musicales como 1969, I wanna be your dog, No fun, TV Eye, Search and Destroy, Gimme Danger… tendría que ser (re)conocido universalmente.

PD: y la carrera de Iggy en solitario da para otro documental, ahí te lo dejo Jarmusch.

Pequeñísimo film, adaptación de una obra teatral con cierto renombre en la época, que consiguió entre otros logros la friolera de 11 nominaciones a los Oscar, ganando 3 de ellos: actriz para Katherine Hepburn (ex aequeo compartido con Barbara Streisand), mejor guion adaptado y banda sonora original (para el gran John Barry, su segundo de cinco premios).

La película narra los acontecimientos históricos que tuvieron lugar la Navidad de 1183 en el castillo de Chinon donde el todopoderoso rey de Inglaterra Enrique II decide celebrar un consejo para designar su sucesor en el trono. A tal acontecimiento se suman su esposa Leonor de Aquitania (que vive encerrada en una torre pagando sus intentos de derrocar a su esposo en años anteriores), sus 3 hijos (Ricardo Corazón de León, Godofredo y Juan), la amante del rey (y prometida de Juan) y el hermanastro de esta, el rey de Francia Felipe II.

Con todos los elementos dispuestos en el tablero comienza un juego de poder, hostilidad latente, traiciones y puñaladas por la espalda que refleja la condición humana de una forma para nada benevolente.

Todos los actores están magníficos, de hecho “El León en Invierno” cuenta con un reparto de campanillas con Peter O’Toole mimetizando sus gestos con los del veterano rey y desprendiendo carisma, sabiduría y arrojo, la Hepburn se desmarca con una interpretación taimada, sugerente, conspiradora y llena de matices imperceptibles, una delicia; de los 3 hermanos destaca un jovencísimo Anthony Hopkins dando vida al violento Ricardo, John Castle como el ladino Godofredo (instigador de múltiples encontronazos entre sus familiares) y Nigel Terry como el tímido y corto de miras Juan (a la postre conocido como “Juan Sin Tierras”) cumplen solventemente; Jane Marrow como la bellísima Alais y Timothy Dalton como Felipe II no desmerecen el nivel.

Un capitulo muy vivo de la historia de Inglaterra que además fue tenido en consideración por George R. Martin para configurar su reino mágico en la saga de novelas “Canción de Hielo y Fuego”, los paralelismos de esta historia con los personajes que pueblan las paginas de las diferentes novelas es más que evidente, lo cual le da un disfrute friki muy a tener en cuenta.

Hace un buen puñado de años, siendo yo un chavalín, me encontraba en mi habitación escuchando la radio y de repente apareció una melodía cálida, melancólica, sugerente… seguida de una voz que sin ser la mejor te hablaba directamente, frágil y delicada, cercana y con un punto misterioso. Inmediatamente paré mis quehaceres (a saber cuáles serían) y me quedé absolutamente embobado y prendado de lo que mis sentidos auditivos estaban recepcionando… la canción era “El sitio de mi recreo” y el artista por supuesto, no era otro que el gran Antonio Vega.

Todos los fans de Vega tenemos anécdotas así, era un tipo que se convirtió en un icono y un referente para más de una generación, comenzando con su imagen de poeta maldito de la Movida y sus éxitos comerciales con Nacha Pop siguiendo su conversión en un artista a contracorriente y fabulador cuasi místico de canciones. Era un poeta maldito sí, pero desde luego era un inmenso creador de canciones y de letras que arraigan en el alma.

El documental es una mirada certera y para nada posicionada desde el punto de vista del fan irredento, su directora Paloma Concejero realizada un trabajo minucioso, respetuoso (en especial las entrevistas en audio, magistrales), apoyado en el material documental facilitado por la familia y amigos y sustentado en anécdotas y opiniones de la práctica totalidad del núcleo de confianza de Antonio.

Creo que no ahonda en los aspectos más oscuros y duros de su biografía, si bien es cierto que en ningún momento los elude, el documental para mí se sitúa en el punto exacto para convencer al fan de toda la vida y para acercar su figura a desconocidos que estén interesados en ella.

Excelente trabajo, una maravilla.