Original cuento que bebe de las mejores tradiciones del cine occidental para realizar un relectura muy al estilo del gusto oriental.
Si sumamos una fotografía excepcional con unas interpretaciones más que correctas en las que sobresale el Takeshi Kaneshiro de Chi-Bi y con un guion muy bien estructurado, el resultado tiene que ser mucho más que aceptable.
Y es que la historia nos pone sobre la pista de los mejores westerns que se han hecho de este y del otro lado, personajes con un aire Eastwood que destilan esa pesadumbre y esa falta de confianza que se trasluce, paradógicamente, en una seguridad excesiva a golpes de katana o de magnum, me da igual.
Y este cuento de los de western de toda la vida tiene interés a partes iguales por el buen uso de los clichés y el buen uso de las licencias que se permite, tiene interés porque existe ritmo y acción más caracterización psicológica de los personajes.
Tiene interés porque el cine oriental de las últimas década cuenta historias con poder y con alma, revitalizando los lenguajes cinematográficos eligiendo muy bien los caminos por donde explorar y los mitos a los que rendir tributo, como en el caso de Wu xia.

Un buen drama, por momentos muy bueno en el que llaman la atención algunas cosas.
La primera, por supuesto, la gran actuación de Joanne Woodward, mujer del director, que lleva todo el peso de la producción. Gran parte del mérito de la misma reside sobre la espalda de esta gran actriz.
En segundo lugar, una buena dirección de un actor cuyo trabajo sobresale en esta faceta más que en la primera, pero aquí es notorio de lo que era capaz. A pesar de algunos problemilla de dirección como un exceso de flash backs, sin embargo resulta muy estimulante su dirección.
A continuación hay que fijarse en la modernidad de esta película, imposible en muchos países a aquellas alturas, hablar o sugerir temas como los que aquí se traen. Porque además de lo que es evidente, el desafío ante el miedo a vivir por parte de una mujer que está entrando casi en el conjunto de las solteronas y que debe limpiar no sólo sus miedos sino el estigma de su propia madre, egoísta y posesiva. Hay momentos muy interesantes en esa relación madre hija. Lo mejor del guion para mi gusto. Existe una lenta y tensa transición en la que ambos personajes se dan la vuelta en sus relaciones de poder. Muy interesante, insisto.
Pero es que, además, la homosexualidad y el sexo extramatrimonial están aquí claramente presentes, sin ambages, sin ñoñerías y con buen gusto. Incluso el placer se convierte en otro tema colateral al principal, muy bien engarzados.
Con todos esos elementos, esta película es, a todas luces, una buena oportunidad para ver de cine de altura en un momento en el que el cine de Hollywood no había degenerado hacia otros menesteres.
Cinta sencilla, con buenas maneras, interesante y bien manejada.

He tenido la oportunidad de escuchar a Roman Gubern explicando los entresijos de este documental y es una oportunidad de oro para poder entender y comprender los porqués del mismo. De esa manera podemos desentrañar hasta las partes más oscuras de este atípico documental.
El director, miembro de la Escuela de Barcelona, se había planteado un proyecto que consistía en un documental sobre la figura del premio Nobel portugués Antonio Egas Moniz, intentó conseguir financiación del ministerio portugués, pero debido a la voraz crítica con la que planteaba la figura, no consiguió el apoyo. Egas Moniz ha pasado a la historia por ser uno de los pioneros e impulsores del uso del proceso de lobotomización en pacientes aquejados de enfermedades psiquiátricas. Jordá se proponía criticar ese uso indiscriminado que acababa convirtiendo a los pacientes así estigmatizados en zombies vivientes carentes de procesos inherentes al ser humano.
Después de este primer intento, Joaquim Jordá sufre una enfermedad muy atípica, agnosia, derivada de un ictus que padece y, tras su recuperación, debe comenzar un proceso de reaprendizaje. Es en ese momento en el que se replantea el proyecto Moniz.
Jordá, en este documental, pretende llevar a cabo dos tareas; por un lado denunciar de un modo muy parecido a cómo lo hacían los intelectuales de izquierda franceses de los setenta, como Foucault, que en el origen y en la construcción social de los valores y consideraciones acerca de los pacientes psiquiátricos existen injerencias de prejuicios de clase y una falta absoluta de consideración con los mismos.
El segundo aspecto, más novedoso para el profesor Gubern, es que el propio director se analiza a sí mismo como paciente psiquiátrico en una suerte de autoanálisis y comprensión de sus circunstancias.
Es evidente que los resultados del documental se consiguen, especialmente el primero porque a base de una fuerte carga irónica se pone sobre la mesa que en la práctica clínica del médico portugués, el paciente ocupa un lugar secundario y que lo que se pretendía es rebajar la carga que el mismo suponía para la sociedad. Estos son los mejores momentos del documental.
Bajo el segundo aspecto, es evidente que se pretende plasmar que los enfermos aquejados de este tipo de síndromes poseen capacidades para poder pensar y disfrutar como seres humanos, dichas capacidades parecen extinguirse se se les aplican las técnicas de la lobotomización.
El documental, como intento de denuncia, funciona porque los objetivos se cumplen claramente. Desde un punto de vista formal hay un cierto desaliño y un recurso a lenguajes cinematográficos caducos que empobrece la narración en algunos momentos. Da la sensación de no haber sido muy exigentes en la mesa de edición, pero, insisto, los objetivos se cumplen porque eso es lo que persigue el documental, denunciar y mostrar.

Nadie va a descubrir a estas alturas a Samuel L Jackson o a Tommy Lee Jones como actores. A pesar de que ambos están dentro del star system y de que en su carrera hay lunares, su oficio está más que contrastado. Los dos, con la edad, han ido cogiendo profundidad en sus actuaciones y han ofrecido algunas actuaciones memorables. Samuel L Jackson alcanza esa excelencia como actor en Unthinkable (Gregor Jordan, 2.010), la misma que alcanza Tommy Lee Jones con In the Valley of Ellah, Paul Haggis, 2.007.
En The sunset Limited, ambos dan muestras de lo que son capaces, ofrecen unas actuaciones memorables que limpian sus carreras de esos lunares de los que hablábamos antes.
Es cierto que el mérito es compartido con uno de los guiones más sólidos que haya visto en los últimos años. Las cadenas de argumentación de uno y otro personaje parecen engranajes de relojería que se van desplegando en el tiempo ofreciendo una clase magistral de lo que debe ser una conversación, placer perdido de otros tiempos.
Memorable un texto que habla de lo esencial, de lo más esencial y aunque suene a poco original, la manera en que se entretejen las conversaciones, esa manera tan dualista de comprender el universo y la sociedad es un clímax continuo hasta el sobresaliente plano final.
Y digo que suena a poco original porque basta con leer alguno de los libros de Cioran para encontrar argumentos como los que vemos en el texto de McCarthy, no se puede decir que el nihilismo sea algo original, aunque es cierto que no se prodiga en cultura popular, no nos olvidemos de que ésta es una producción realizada para HBO.
Eivdentemente, en la lectura de Silogismos de la amargura o en La Gaya Ciencia, en su famoso aforismo 125, encontramos ya argumentos que McCarthy utiliza en su texto, pero no es fácil repetirlos tantos años después de una manera tan dramática haciendo que esas preguntas no hayan perdido la más mínima vigencia, más bien al contrario.
La originalidad del texto proviene más de la forma que del fondo, proviene de saber contar cosas tan esenciales cómo lo está contando.
Lo sobresaliente del texto es ofrecer a la cultura popular densidad y calidad suficientes para poder pensar, al menos durante hora y media, acerca de la preguntas esenciales.
Los grandes temas son los que triunfan y se vienen repitiendo desde los orígenes de nuestra civilización. El texto de McCarthy con esa postura tan claramente dualista de blanco y negro, de polos opuestos ofrece una visión acerca de la religión marcada por una heraclitiana lucha de contrarios, por una irreconciliable dualidad de posturas.

Inquietante guion que parte de una buena premisa pero que, en su afán por complicarla, se ha llevado buena parte de las intenciones del film.
Y existen buenas intenciones porque, por un lado, se intenta realizar una película diferente y de buenas maneras, además de que la forma que se ha elegido para contarla se sale también de lo corriente.
Intentar plasmar en forma cinematográfica que el amor es el motor y el sentido del universo es algo que se antoja especialmente complicado.
Si, además, vemos que el desarrollo de ese amor es a través de los vínculos que se establecen entre los seres humanos a lo largo del tiempo y del espacio, la cosa se complica todavía más.
Y si, para rizar el rizo, los que entienden estas cosas son unas fuerzas cósmicas que habitan una nave que cae a la tierra en el siglo XIX y esperan a un holocausto nuclear para darse a conocer, entonces ya sí que ya estamos rozando el imposible.
No es muy difícil comprender que hagamos lo que hagamos con esas premisas, la dificultad está garantizada y lo que ha hecho William Eubank no deja de tener su mérito.
Hay hallazgos y cosas interesantes, no es mala la forma en la que está resuelta la primera parte, aunque la cámara lenta es un elemento recurrente últimamente, la cámara de Eubank tiene fuerza y la voz en off, otra cosa difícil de manejar, acaba siendo algo interesante.
El problema lo veo por la conexión entre las historias, por un tono general de hilación entre las partes que no acaba de verse ni entenderse a costa de una teatralización a veces rayana en la pedantería.
Parece acabarse la gasolina a mitad de metraje y, pese a la condensación de varios años de soledad, aburre la recurrencia de las mismas acciones. La verdad es que no es difícil comparar esta película con la excelente Moon (2.009) de Duncan Jones. Pese a que las intencione son muy diferentes el tratamiento de la soledad es común a ambas y la de Duncan Jones sale ganadora indiscutible, sólo hay que verlas.