Nos reunimos para ver cine una vez a la semana un grupo de amigos, esta semana nos tocaba El Elemento del Crimen, después que la semana pasado viéramos El extraño amor de Martha Ivers.
Normalmente buscamos el fundamento del crimen sin preguntarnos siquiera si no estará en la naturaleza misma del hombre. Esto es justamente lo que nos propone Osborne, autor del libro que da título a la película.
Advertíamos en la convocatoria que se abstuvieran de verla los enamorados de los productos NEFLIX. La vi por primera vez en el Alphaville en el año 85, y luego en proyecciones con Diego en casa de mi hijo Alex. Diego, que ya estaba estudiando para director de cine, me sugirió que viera dos cuadros: “El sol naciente” de Giuseppe Peliza, y “Tras el silencio” de George Frederick, y que luego analizara los encuadres pictóricos de Tom Elling. No me he arrepentido de esa experiencia, como tampoco ellos se habrán arrepentido que les pusiera “la genoux de claire"
No se puede dudar de la creatividad visual de la peli, pero es cierto que la historia no se da masticada, y está contada con una sordidez de ambientes por laberintos sombríos. Sería para nota identificar a Von Trier como el recepcionista del hotel, pero el agua, el fuego, el aire y la tierra, nos tiene que llevar necesariamente a Tarkovski.
El aire estancado de la película es el aire estancado de Europa. Siempre está oscuro.Siempre es de noche. Parece que aquí ya no hay estaciones. Queda abolido el paisaje y queda abolido el tiempo.
Aquí viene la vela/ y en la cama te iluminará/ Aquí viene el hacha/ y la cabeza te cortará. / Chip Chop/ Chip Chop. / La última muerta estará/

Nos cuenta Bergman en su libro “Imágenes”, que “El rostro” refleja la experiencia de los años en que hizo teatro en Malmö. Años de bohemia y mucho trabajo, vivía sumergido permanentemente en su actividad y la comunidad laboral creaba una convivencia privada que recordará en “La linterna mágica”. Hay pues una conexión entre “El rostro” y aquella forma de vida. Los actores son atractivos mientras llevan puesta una máscara. Nos cuenta que el jefe de policía representaría a los críticos y que quería vengarse de uno en concreto, que escribía en una revista especializada de cine, llamado Harry Schein al que dio forma con el nombre de Vergérus, Consejero de Sanidad en la película.
Vogler, mago y hechicero, cuyas prácticas provocan la intromisión de las autoridades, es interpretado por el gran Max Von Sydov y representa el misterio. La película provoca una oposición entre razón y magia, jugando con los seres humanos, frio y manipulador como Bergman con todo su cine. El cónsul l Egerman es interpretado por Erlan Josephson, recientemente fallecido y protagonista de su última obra “Saraband”

Si la película amor de Haneke era una reflexión sobre la vejez, la primera de la trilogía de Seild lo es sobre la soledad, sobre la búsqueda desesperada de un Georges a cualquier precio, para ir apagando la mirada al mundo en compañía, aunque haya que hacer un viaje a las playas de Kenia.
El paraíso de plástico de Ulrich Seild es un documental hiperrealista de austriacas y alemanas, en edad madura,en busca del sexo, con planos geométricos y sobrios. Historia paralela a la que nos cuenta Corine Hofman en su novela: “La masai blanca”, donde una jóven suiza, después de un viaje por África, tiene la imperiosa necesidad de ir a la búsqueda de Lemalian, un masai que vive la dureza rural. Si en el caso de Teresa es recibida por el “hakuna matata”, Carola viaja hacia el sexo dejando atrás su vida burguesa, pero la pregunta que nos hacemos es: ¿hay libertad en la pobreza?

No se si fue una casualidad, pero la película la vi el mismo día que se murió Santiago Carrillo, y las noticias que impregnan su comienzo y que se podrían completar con algunas más como por ejemplo que Hernández Mancha era elegido presidente de la derecha, las hostias que se dieron en Reinosa a los trabajadores de Aceros y Forjas, el cese del líder der SPD Willy Brand por espionaje, el atentado de Hipercor,... el lunes negro, nos llevan a un tiempo lejano, pero al mismo tiempo cercano.
Si hoy te vas por la mañana al Comercial a leer el periódico y haces un plano panorámico por las mesas encontrarás a "mariasvalverdes" conversando con escritores maduritos, no se si dispuestas a coger las llaves de la chaqueta para ir al pisito de un amigo, pero lo no me cabe ninguna duda es que los camareros ya no son comunistas.
Con un guion excelente, del que podemos disfrutar gracias a Anaya, la película transmite la tensión justa para que podamos seguirla con un gran interés. ¿Se volverán a ver?

¿Amor frustrado en Deseando amar frente amor imposible en Camila? ¿planos subjetivos frente a la estética fotográfica de Hamilton? Quizás ambas cosas. En Camila subyace una cuestión política de fondo, y aunque en ningún momento se cita a Juan Manuel de la Rosa, caudillo que gobernó para la élite, con estilo autoritario y apoyando a los grupos de terratenientes, su presencia queda patente en la película.

Camila que, fue rodada en tiempos de Alfonsín, quiere poner al espectador frente el espejo de la dictadura, sobre todo con las imágenes del final trágico, en una estética que nos quiere hacer recordar los crímenes de la época Videla. La restauración de la ley y el orden, frente a la democracia sería uno de los trasfondos. Rosas no puede permitir un escándalo y lo resuelve a la manera de los dictadores, frente el acoso de los opositores internos.

Jugar al juego de la gallinita ciega con un jesuita guapo como Ladislao (le doblan la voz a Imanol para parecer más creíble) era jugar con fuego. Y en una de las mejores secuencias Camila se le queda mirando fijamente. Demuestra ser una mujer libre, que es capaz de enfrentarse a las teorías casposas de su padre, y pone el deseo por encima de las consideraciones tradicionales de la época, y el curita, ya en el confesionario queda obnubilado, capaz de perdonar todos los pecados. LADISLAO ESTAS AHÍ, A TU LADO CAMILA.