La historia narra la conversión de Bruce Wayne a Batman, con especial atención a su período de formación física en la Liga de las Sombras y las experiencias previas vividas, exploradas a modo de flashbacks, que le convertirán en la persona que se encapuchará como justiciero. Esta primera parte esta montada paralelamente para el propio bien de la historia, y en cuanto Wayne vuelve a Gotham el argumento adquiere una narración lineal. La historia apuesta por un enfoque inicial puramente psicológico e introspectivo para darnos a conocer la personalidad de Wayne antes de centrarnos en la parte más tradicional una vez Batman entra en escena.

La película no esta carente de problemas: falla en planificación y montaje en las secuencias de acción, el guión peca de exceso de exposición y frases grandilocuentes. A parte, todo el tramo final hubiera funcionado mejor si lo hubieran planteado de un modo más contenido, sin peleas en trenes de alta velocidad e ideas parecidas. Aun así estamos hablando de un trabajo con más virtudes que defectos, y tras 10 años de su estreno se puede asegurar que ha sentado cátedra a la hora de plantear la ejecución de franquicias cinematográficas, no siempre basadas en personajes de cómic.

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A medio camino entre “La tumba de las luciérnagas” (Isao Takahata, 1988) y “Porco Rosso” (Hayao Miyazaki, 1992), “El viento se levanta” narra la historia de un niño cuyo sueño es pilotar aviones. Sin embargo, al no poder hacerlo debido a su miopía decide seguir los pasos de su ídolo, el ingeniero italiano Gianni Caproni, y diseñar el mejor avión posible. Para ello Hayao Miyazaki opta por un estilo cercano al documental, en la que el amor hacia los aviones y el simple sueño de poder volar se cruza con las devastadoras consecuencias de desastres naturales, crisis económicas y un telón de fondo basado en las guerras de la primera mitad del siglo XX. Aun así, ante tal panorama desolador la imaginación y la ambición levantan vuelo.

Es importante comentar que con esta película Hayao Miyazaki se despide del mundo del cine. Y lo hace a lo grande. Es una película excelente, bella en cuanto a dirección, narración y, más importante, emoción. Aunque plana en su guión, no impide que esté perfectamente equilibrada en cada una de las cosas que hace. Hay un diálogo en la película en la que Caproni le dice a Jiro que los artistas solo están en activo durante 10 años, y que los ingenieros son iguales. Tras más de 50 años en el mundo de la animación, puede que Miyazaki haya sido la excepción.

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Cine meta en estado puro. Michael Keaton está acertadísimo en un papel que bien podría estar basado en él mismo. Riggan es un actor venido a menos que en su día fue popular gracias a su interpretación del superhéroe Birdman, pero que cayó en el olvido tras dejarlo y no saber superar sus propias limitaciones como actor. Keaton fue Batman en las dos entregas dirigidas por Tim Burton, y tras dejar el papel fue desapareciendo poco a poco del mundo del cine. Con esto se crea una crítica al cine actual, al estatus de estrella del cine en contraposición del de actor, e incluso se critica a la misma figura del crítico.

Es normal que cuando un director le coge el gusto a su propio estilo decida utilizarlo en todas sus películas independientemente de la historia, dando más importancia a la forma que al contenido. Los planos secuencia son vistosos por la laboriosos que resultan, pero ahora nos encontramos con un caso en el que la forma esta justificada por un contenido brillante que aunque da para muchas lecturas es directa en su crítica social y artística a un mundo del espectáculo en el que es preferible tener millones de seguidores en el Twitter (¿será por cierto otro simbolismo de la película?) que ser bueno en su oficio.

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John Michael McDonagh nos presenta en “Calvary” una comedia negra que tiene lugar en un pequeño pueblo irlandés, Sligo, en el que el cinismo y el pasotismo se ha apoderado de cada uno de sus habitantes. Es una película a la que no le faltan simbolismos religiosos, pero que a medida que conoces a cada uno de sus personajes entiendes que en esta historia la religión y la iglesia no son más que el remate al final de cada chiste. En este marco conceptual vive el Padre James, poseedor de un don moral tan incuestionable que a veces roza lo repelente, quien al inicio de la película le confiesa uno de sus feligreses en el confesionario que de pequeño fue abusado sexualmente por curas, y que ahora ha decidido desquitarse avisándole que le asesinará al cabo de una semana por el simple hecho de ser el único párroco realmente bueno que conoce.

La película no tiene un calvario real: el Padre James no vive ninguna agonía física, y los sucesos de la historia no le frenan a pesar de la creciente hostilidad de sus vecinos. Hay en todo caso una sensación general de desapego, de resignación hacia la inevitabilidad de la vida y de nuestra falta de poder (o voluntad) de cambiar lo que no nos gusta de nosotros mismos. El pueblo es un reflejo satírico de la falta de fe, fracturado en su centro, y resulta insalvable al terminar la película. Así, el calvario que da nombre a la película se trata más bien de un proceso metafórico que vive el protagonista durante esta semana fatídica, en el que la buena voluntad no es suficiente en una sociedad que, básicamente, vive con la cabeza sumergida en su trasero.

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Clásico indiscutible del cine y una de las películas que creó el concepto de blockbuster veraniego tal como lo conocemos hoy. Con ésta película, Steven Spielberg quiso crear una aventura para toda la familia, centrándose en el entretenimiento puro y duro a partir de ideas que beben de seriales de aventuras pulp de los años 30. De este modo, encontraremos una historia en la que no faltan factores exóticos como civilizaciones perdidas, objetos místicos, villanos Nazis muy malos, y un héroe aparentemente invencible que combina su trabajo de profesor de universidad con su alter ego aventurero. La película empieza con una ya mítica secuencia en la que se presenta el protagonista, el antagonista y marca un tono muy concreto que se explotará durante el resto del metraje. Tras éste prólogo se nos mostrará la otra cara del protagonista como profesor y el desencadenante que le llevará a sumergirse en la búsqueda de la Arca de la Alianza.

Con “En busca del arca perdida”, Steven Spielberg crea una película de aventuras simplemente perfecta. Se la puede criticar por eso, por decirlo de algún modo, de ser hija de una etapa del cine y un modo de hacer muy propio de su época, con unas actuaciones y diálogos que ahora podrían parecer fuera de lugar. Sin embargo, a parte de ser minucias, todo ello entra dentro del juego al que Spielberg te invita a participar. Te atrapa desde el inicio y el suspense se mantiene hasta el final. En su día la encumbraron como la mejor del género, y seguramente sigue siéndolo.

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