El universo de Burton ha recreado el mítico cuento de Carroll. Pero la recreación no es muy positiva. Se juega libremente con los elementos y personajes de las dos famosas historias que el pastor Lutwidge Dodgson escribió para su pupila, pero, evidentemente, eso no tiene por qué ser un error. Uno es libre para retorcer la historia e imaginarse qué ocurriría si Alicia visitase de nuevo su mundo onírico diez años después. El único pero sería que el título, de entrada, es engañoso, porque no es una versión de Alicia, es, más bien, una secuela
Hecha esta aclaración, Tim Burton y su grupo están allí. Para lo bueno y para lo malo, está Helena Bonham Carter con su buen oficio, está Johnny Depp con todos sus tics y hasta está Christopher Lee. En este caso, Johnny Depp no nos regala una gran actuación, pero es verdad que el haberle puesto en este papel no requería otra cosa que lo que ha hecho.
Lo bueno de lo que allí vemos es el ambiente que Tim Burton le ha dado al clásico. En su cabeza ha visto el mundo de Alicia de una forma lo suficientemente original para que estemos más atentos al fondo y al paisaje que a los detalles principales. Dentro de ese gusto por lo secundario en este largo, me quedo también con la poderosa banda sonora de Elfman que ha sido lo mejor, para mi gusto, de todo el metraje.
Lo malo es que, al margen de esos aciertos, se nos presenta una Alicia que, una vez crecida, se nos ha convertido en un San Jorge matadragones que pelea en estética con la Juana de Arco de Luc Besson y echa por el suelo la magia que tenía el cuento original porque, de algún modo, la versión que Burton me presenta de mi Alicia es vulgar, trillada y falta de originalidad.
Tan vulgar y trillada que no la reconozco más que porque me la han puesto en unos decorados que sí que reconozco pero la niña, al haber crecido, al igual que todos los personajes que la envuelven en sus sueños, se han convertido en las réplicas más exageradas que lo que eran diez años atrás. En sus peores versiones.
Coincido, por tanto, con Burton en todo lo accesorio, discrepo en lo fundamental.

El sentido de la vida ha sido un tema que ha dado intensos guiones y soporíferos guiones, en este caso el tema pretende abordarse en tono de comedia, de hecho Galifianakis anda por el medio. El principal mérito de esta película es que consigue lo que se propone, realizar una reflexión de corte existencial con un aire de comedia. Cierto es que pesa mucho más el tono existencial que el de comedia y que hasta el propio actor de apellido griego está comedido, y eso a pesar de interpretar a un enfermo mental.
Colocar asuntos profundos en un contexto de poca seriedad o de poco rigor intelectual como puede ser el ala psiquiátrica de un hospìtal es una idea brillante y un buen arranque. Pero, personalmente, hecho en falta un punto más de comedia, creo que lo existencial ha ganado demasiada presencia en el resultado final.
En todo caso, esa preferencia personal no arruina en absoluto el producto porque estamos ante un guion inteligente con un puñado de enormes secundarios que arreglan un tanto el discreto trabajo de los principales. También es verdad que Gilchrist debe lidiar con un miura de importancia porque dar vida a un adolescente un tanto precoz y con problemas de depresión no es nada fácil.
Existen momentos de auténtico cine en una narración que a veces me parece desigual y que tiene un punto de poca orginalidad, existen diálogos y escenas que recuerdan a Woody Allen, otros que recuerdan a la estética de los últimos documentalistas, pero otros, es verdad que son verdaderamente originales. Esa desigualdad me estropeó un tanto el disfrute como espectador, pero no tanto para poder apreciar los buenos resultados de ciertas escenas.
Como digo, lo crucial son los instantes en los que los buenos secundarios se cruzan y la comedia y lo existencial ofrecen una gran simbiosis. Escenas que merecen la pena además de una frase del guion que no me permitirá olvidar esta película tan fácilmente, vivir como si tuviera sentido.

El director William Dieterle era de origen alemán y fue actor antes que director. En 1.930 da el salto a Hollywood con un contrato de la Warner y dirigió muchas y grandes películas. En estea ocasión cuenta con Paul Muni, uno de los grandes de la década de los treinta. La colaboración entre ambos se extendió a tres películas; además de la que comentamos, The Life of Emile Zola (1.937) y Juárez (1.939). En las tres Paul Muni fue nominado al Óscar.
En esta cinta biográfica se nos cuenta la vida de Louis Pasteur a partir del año 1.860, cuando ya era un químico conocido pero que todavía no había alcanzado la fama mundial que ganaría ya en vida.
Pasteur ya había inventado el fámoso método de la pasteurización para salvar los problemas que los viticultores estaban teniendo con la producción, pero la película se centra en su descubrimiento más famoso, el hecho de que las enfermedades son originadas por microorganismos externos al paciente que llamó gérmenes. Esto contradecía la idea común de que las enfermedades estaban producidas por organismos producidos en el paciente por generación espontánea. Una idea que casaba con la visión crisitana de la naturaleza.
Este hallazgo le llevó a descubrir la vacuna (nombre que el propio Pasteur popularizó) del ántrax y la de la hidrocefalia.
Durante el desarrollo de la película es muy interesante observar cómo Pasteur tuvo que luchar contra la ignorancia y la ceguera de los médicos de su tiempo y cómo todavía la superstición y la religión eran dos factores importantes dentro del mundo científico.
Además de ello, se pone de manifiesto el hecho de que los métodos científicos actuales basados en la inducción y en el experimento no eran practicados más que por algunos adelantados, como Pasteur, que fueron objeto de chanzas por la comunidad médica y científica. Como él, además, era químico de formación, sufrió el desprecio de la academia de medicina francesa durante años.
El largo nos muestra los dos grandes triunfos y golpes de efecto que llevarían a derrotar de un plumazo buena parte de la teología, ignorancia y deduccionismo instalado en la medicina de la época.
Por un lado, su famoso experimento con el que demostró la eficacia de su vacuna contra el ántrax en el que separó unos animales enfermos no vacunados y otros vacunados a los que se les inoculó la enfermedad. Mientras el primer rebaño pereció por completo en cuarenta y ocho horas, el otro no sufrió ni una baja. Los notables y elegidos que asistieron al evento tuvieron que admitir la realidad. Lo mismo pasó, por el otro, con la vacuna de la hidrocefalia en un experimento que le pudo costar la cárcel a Pasteur pero que resultó igualmente exitoso.
Paul Muni realiza un excepcional trabajo en una cinta en la que, si pasamos por alto los dejes típicos de los actores de ese momento, podremos disfrutar de una historia bien narrada, dirigida e interpretada, con un ritmo anormalmente actual.

No hay más leña que la que arde y nadie vendrá a solucionar las cosas ni a enderezar ese gen egoísta que hace tiempo se torció. De todas maneras en el hecho de que Clint Eastwood sea capaz de alternar cosas tan sumamente grandiosas de un lado de la cámara con otras como ésta del otro lado, sólo debe explicarse con algo de corte metafísico.
Es cierto que Harry Callahan ya había sido exprimido hasta la saciedad, que ya había denunciado las condiciones laborales de los policías de San Francisco, la estupidez de los responsables políticos y de la prensa. Es cierto que ya había poco más que sacarle al pobre Callahan, un par de disparos por aquí y un par de bofetadas por allá. Pero lo que han hecho los responsables de esta producción no tiene mayor justificación que perpetuar en el tiempo una fórmula en otra hora exitosa. Más no hay.
Quizás la gracia de ver actores hoy de éxito en los casi inicios de su carrera como Jim Carrey, todavía sujeto a su histrionismo menos sugerente. Por lo menos muere pronto, no desfallezcan.
Harry Callahan consigue ser un superhéroe sin capa, las mujeres, a pesar de sus insultos, caen rendidas, los malos parecen imbéciles ante su porte. La realidad se prediseña con sus elevaciones de cejas y, mientras, Harry Callahan consigue insuflar a un cierto modelo masculino en vías de extinción sus últimos estertores para alcanzar el vaso de whisky.
Lo más grave es que parece que algunos ni se han enterado. RIP.

Conmovedora historia de búsqueda personal que refleja, ante todo, los deseos de una mujer por encontrar su lugar.
El guion de Icíar Bollaín, cuyas películas siguen teniendo una detrás de otra una voz personal, opta por apartarse de lo más fácil, o de no regodearse, para contarnos una historia en la que lo importante es el personaje principal y la búsqueda, quizás de sí misma que debe llevar a cabo.
Ese personalismo de la historia nos lleva a que la carga de la misma sea interesante o no en función de lo que el personaje principal siente y padece. Y a veces resulta exagerada porque existe un exceso de simpatía por parte del personaje. Si bien es cierto que por ejemplo para Hume el sentir con otro es el origen de la moral, sin embargo, ese sentimiento del otro y con el otro no se puede llevar al paroxismo, de lo contrario se confunde con la compasión.
Siempre nos quedará la duda de si quien ayuda no se está ayudando realmente a sí mismo a encontrarse, eso que se llama retorno tiene muchas caras.
No obstante, ninguno de estos peros puede arruinar una película bien construida en la que la elección del guion pasa por convertir en heroína a quien ha decidido privarse de muchas cosas para poder sentir con la gente.
¿Hubiera sido más fácil haber optado por una postura menos de primer plano y fijarse en el trabajo y en lo que rodea a la protagonista en aquel país?, quizás más atractivo porque el personaje definido aparece como ya visto y bastante previsto, a pesar de que pueda ser verdad, pero también es cierto que la riqueza de los matices que la rodean en el film nos dan un gran sabor de boca.
En todo caso las historias son de quienes las cuentan y de las palabras que eligen al contarlas e Icíar Bollaín ha elegido estas y no otras, quizás para dejar muy claro que lo importante que hay que contar es acerca de la búsqueda más que de los resultados.
En ese camino tiene una importancia especial, debido al peso del personaje, la actriz Verónica Echegui que es capaz de dotar al personaje de credibilidad y que con ese aire Natali Portman ofrece la fragilidad necesaria para conmover, aunque también es cierto que en los momentos más sentimentales ofrece sus peores registros.
La banda sonora de Pascal Gaigne ofrece, como siempre calidad, la fotografía y el gusto de la cámara suman mucho al total general.
En definitiva, una película interesante, con voz propia y que merece la pena para seguir caminando en busca de nosotros mismos.
Es fundamental verla, como siempre en versión original, la versión doblada destroza la película