Después de “El Concursante” en 2007 y la excepcional “Buried” en 2010, esta tercera entrega empieza a mostrar en la filmografía de Rodrigo Cortés una especie de hilo conductor, una lógica. Cortés suele crear un guión orientado a la manipulación, al engaño y a sorprender al espectador con un “golpe final”. Sus films, además, combinan lo “superficialmente” impresionante con la profundidad de cuestiones morales y/o trascendentales.

“La razón por la que la gente cree en fantasmas es la misma por la que cree en casas encantadas o túneles de luz. Porque significaría que hay algo después de la muerte (…) Si creyera por un segundo que hay algo más, apagaría estos aparatos y dejaría ir a mi hijo.” Este es uno de los diálogos que mantiene la Dra. Matheson (Sigourney Weaver) con el Dr. Buckley (Cillian Murphy), y donde se lee uno de los temas centrales de la película: el escepticismo científico versus la fuerza de las creencias subjetivas (religiosas, sobrenaturales, paranormales, etc.). Lo interesante es la “sinceridad” con la que Cortés trata este tema (al margen de ciertos elementos efectistas) porque apunta, por un lado, a la falta de moral de estos “gurúes” que se aprovechan de las miserias ajenas, pero por otro, a la propia necesidad del hombre a aferrarse a cuestiones que no tienen (y nunca tendrán) explicación científica. Es esta contradicción del personaje más escéptico de todos, la Dra. Matheson, la que resume de alguna manera la propia condición humana.

“Luces Rojas” tiene una atmósfera permanentemente tensa y un guión hábil para dar golpes de efecto, tanto dramáticos como de intriga. Además, cuenta con un reparto de lujo y una temática interesante. Creo que falla en el final, cuando intenta repetir la lógica del desenlace en “Buried”. A diferencia de aquél film (sensacional, de lo mejor del 2010 a mi entender), en este caso deja un sabor amargo, resulta en un cierto inverosímil, con la sensación de que algo no cerró bien (el hecho de tener que hacer una recopilación de escenas anteriores para explicar el desenlace deja en evidencia sus carencias como final).

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Si tuviese que encontrar un adjetivo que sintetice “Un amor” sería nostálgica. No sólo por la historia, profunda, alegre, dolorosa y sentimental, sino también por su tono, sus colores, sus ambientes y sus sonidos. Un film que, detrás de la amistad y el romance, deja a entrever una de las tantas historias que han sido atravesadas por el proceso militar de nuestro país. Www.criticasdecine2010.blogspot.com

Alternando pasado y presente, en 90 minutos recorremos dos etapas de tres amigos (y algo más) inseparables que se unieron y se separaron en Victoria (Entre Ríos). Dos adolescentes, en pleno despertar sexual, se ven enamorados de una chica demasiado particular para la tranquilidad pueblerina. Amor platónico, inocencia, sexo, celos, envidia y amistad.

Pese a que no parece haber sido el mejor parecido físico entre los tres personajes del pasado y el presente, sí se mantienen los elementos caracteriológicos que hacen tan interesante la comparativa que propone el film. Por analogías y contrastes, mantiene una triple tensión: por un lado, la tensión de una amistad corrompida por una tercera en discordia, por otro, la de de un amor no correspondido y, finalmente, la de un amor prematuramente destrozado por el abandono. Esto se mira, se siente y lo respiran los personajes de una película que, si bien no lo plantea, siempre da lugar al “que pudo haber sido si…”.

A la vez que propone una oposición entre la vida cosmopolita de Buenos Aires y el exterior y aquella que se mantiene invariable en la tranquilidad del interior, la destruye mediante un tema que se podría describir como “la eternidad de los amantes”. En parte, “Un amor” me cuenta en imágenes lo que “Mi caramelo” (Bersuit Vergarabat) me cuenta con su letra y música. Diego Peretti, Elena Roger y Luis Ziembrowski deslumbran como siempre, en este caso bajo la dirección de Paula Hernández, quien había dirigido las muy bien consideradas (y premiadas) “Herencia” en 2001, el documental “Familia Lugones” en 2007 y “Lluvia” en 2008. La recomiendo.

Excelente debut en la dirección de Miguel Cohan, quien fuera asistente de dirección en "El método" (2005), "Kamchatka" (2002) y "Plata quemada" (2002). Un film inteligente, sensorial y, sobre todo, al que no le falta un gramo de suspenso. Sobre la base de una historia potente y, aunque es moneda corriente en los noticieros, es a la vez muy particular. Tal vez sea la interpretación de uno de miles de casos donde la verdad nunca se conocerá. Ante el asedio del poder de los medios, los responsables de la justicia tratan de calmar el estallido de bronca de una sociedad tan cansada de metiras e inseguridad, a cualquier precio. Si hay una gran característica para destacar del film, es el suspenso ya mencionado, pero un suspenso distinto, uno al que no le hace falta ocultarle nada al espectador, el que conoce los hechos desde el inicio pero aún así permanece impaciente a la espera de la resolución de las consecuencias, impaciente a la respuesta de la pregunta oportunamente escrita en la cartelera del film: ¿cuál es el precio de ocultar una verdad?

Buen film mexicano, con mucho suspenso, buenos efectos especiales y una historia que tranquilamente pudiera estar basada en hechos reales. Surgido como adaptación de una novela, “Bajo la Sal” tiene como mejor virtud la paciencia a la hora de construir la historia, dotándola de misterio hasta casi el final del film. La construcción de los personajes y las analogías realizadas durante el montaje son precisas y bien pensadas a la hora de confundir al espectador sobre cual será el desenlace. Los encuadres son estéticamente muy buenos y admirables, como obras de arte que juegan con paisajes, iluminación y personas. La música es muy interesante. El punto bajo es la interpretación, si bien es aceptable, un reparto de mayor jerarquía le hubiese dado un salto de calidad importante.

Esta combinación de actores mediocres termina siendo un film que se inicia interesante, pero que se va volviendo cada vez más previsible y obvio hasta terminar en un sinsentido total.
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Una trama a la que evidentemente hubo que llenarla de parches porque no cuadraba por ningún lado, esa es la impresión que deja “Columbus Cricle”, una película medianamente ayudada por sus actores, pero destruida por un guión mal planteado y unos personajes aburridos y repetidos de los films yankees.
Todo queda a mitad de camino. El drama que se basa en el pasado de abuso del personaje principal femenino nunca llega a explotarse lo suficiente para que el espectador pueda identificarse o sentir algo. Este drama queda en un segundo plano cuando el film empieza a dar rienda suelta a la investigación policial, la cual tiene un personaje fuerte e interesante, pero que tampoco llega a captar del todo la atención porque el enfoque vuelve a volantear. Aparece en la trama una estafa y una seguidilla de acontecimientos que intentan poner en juego una especie de situación descontrolada, y lo logra, la película se les sale de control a sus creadores, quienes terminaron de cerrarla como pudieron. Una parte final que saltea toda coherencia posible y nos deja preguntándonos para qué elegimos verla…