Si hay dos elementos sobre los que, fundamentalmente, pivota el éxito o el fracaso en el empeño de plasmar en una película la biografía de un personaje –sea éste del corte que sea-, éstos son el acierto en la elección de aquellos pasajes de su vida que se van a recoger en el desarrollo de la historia, así como el peso cuantitativo (metraje, minutaje) y cualitativo (intensidad y trascendencia dramáticas) que se va a dar a los mismos; y la capacidad del intérprete que asume el papel del personaje biografiado para diluir su identidad hasta el punto de convertirse en otra persona (ojo, no un personaje, sino otra persona: parece lo mismo, pero no lo es...).

Tanto desde un punto de vista, como desde el otro, Una mente maravillosa da en el clavo, y, en ese sentido, poco hay que reprocharle.

El recorrido temporal de la biografía es preciso y ajustado al perfil del personaje. Elude la infancia, cuyas claves son fácilmente asumibles desde el retrato que se dibuja en el punto de arranque –su llegada a la universidad-; fija el clímax dramático en la etapa de madurez personal del biografiado; y se remansa en una vejez a la que sólo la apuesta descarada por el “happy end” y una cierta precipitación, quizá fruto del afán por no extenderse demasiado en la culminación, le privan de una total redondez. Nada que objetar, pues, al respecto.

En cuanto al protagonista, Russell Crowe –cuya particular cosecha, abierta con el Globo de Oro, no ha hecho más que comenzar (y no tiene el Oscar garantizado por la mera circunstancia de que ya lo obtuvo el año pasado, y siempre es difícil repetir...)-, su interpretación no se desvía en lo más mínimo del tono general de la película: sobria, compacta y sin fisuras, con el toque justo de contención para evitar que el personaje se le vaya de las manos (algo nada complicado: los personajes de “loquitos”se prestan muy bien a tal accidente). Su falta de histrionismo hace el resto, y así cuaja un trabajo completísimo, aunque quizá no deslumbrante (lo que sí es realmente deslumbrante es el maquillaje del final: quizá habría que calificarlo, más bien, como orfebrería...).

Y eso es todo, o casi todo (me dejo en el tintero a Ed Harris o Jennifer Connelly, y quizá no sea justo, pero cada cuestión tiene su peso relativo...). ¿Mucho, poco? Ésta es una buena película, un buen producto industrial, tras cuyo visionado uno abandona la sala con el convencimiento de que la factoría hollywoodiense –de la que tan fiel exponente es su director, Ron Howard- no ha perdido ni los planos ni las técnicas para el buen funcionamiento de su maquinaria, pero, eso sí, flojea considerablemente en el departamento de patentes... De ahí que no pueda más que llevarme las manos a la cabeza oyendo ciertas proclamas acerca de la condición de obra maestra de esta película: ¿el que se volvió loco no era el personaje principal de la película...?

* Este texto data del 30 de enero de 2002, y le tengo un especial cariño, porque es el de mi primera crítica publicada en La Butaca, web de referencia de la crítica cinematográfica en Internet durante muchos años.

Precedida de un despliegue publicitario no muy habitual por estos lares, a cargo de sus dos superestrellonas, Victoria Abril y Penélopez Cruz, y tras la polémica levantada por su “amago” de aspirar a la candidatura española al Oscar a la mejor película extranjera (incluyendo una fantasmada de “estreno talaverano” que quedará para los anales de nuestro esperpento patrio...), se estrenó ya la esperadísima (muchos años pasaron desde la aclamada –y extraordinaria, todo hay que decirlo...- Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto) nueva película de Agustín Díaz Yanes, Sin noticias de Dios.

Y bueno, ni fú, ni fá, ni frío ni calor, ni tanto ni tan poco... La película no es mala, pero, realmente, y después de las expectativas despertadas, defrauda un poquito. Su punto de partida argumental es curiosote, aunque ni mucho menos resulta original o novedoso (la lucha entre el bien y el mal, representados por el cielo y el infierno encarnados en dos embajadoras de excepción, que libran su batalla acá, en la tierra, sobre una percha de palos, un boxeador corrupto y acabado...), y, además, peca, quizá huyendo de los peligros extremos (demasiado trascendentalismo por el lado dramático, o demasiada “coña”, por el lado cómico) de exceso de puerilidad –por lo estrambótico- en algunos planteamientos, tanto de situaciones como de personajes (el “etiquetaje” de llegados al infierno, en el primero de los casos; o el personaje del consejero delegado, a cargo de Gael García Bernal; por sólo citar dos ejemplos...). Eso sí, la puesta en escena es impecable y la película se desarrolla, en cuanto a ritmo y ambientaciones, con una solvencia demostrativa de un muy buen alto nivel (muy destacable, por ejemplo, el blanco y negro del cielo: hermoso y convincente).

En cuanto a las interpretaciones y personajes, está claro que no es ésta una película coral, y es una lástima, porque la nómina de secundarios es de auténtico lujo: ver, entre otros, a Juan Echanove, Emilio Gutiérrez Caba, Fanny Ardant, Luis Tosar y Cristina Marcos (muy especialmente, estos dos últimos, tremendamente buenos y con dos papelitos pobres, pobres...) al servicio de las dos “supernenas”, se hace duro en algunos momentos, pero el planteamiento de la película es el que es, y eso ya no tiene vuelta de hoja. Y las dos superstars, pues en lo suyo: a muy buen nivel, desde luego, poco cabe objetar al respecto; si la cuestión se plantea en términos de duelo interpretativo, asumiendo –por supuesto- que cada cual lo verá a su manera, yo lo tengo muy claro: Victoria vence, si no por goleada, sí al menos con cierto desahogo. Sus numeritos de lucimiento (los musicales) los solventa con un nivel espectacular, y el desarrollo general de su interpretación es muy ajustado y creíble. En cuanto a Penélope, por supuesto que ha evolucionado muchísimo desde aquella Lolita dinamitera de Jamón, jamón, o la niñita pizpireta de Belle Epoque, pero, sinceramente, pienso que su fotogenia (se come a la cámara con independencia de la longitud del plano: qué belleza...) aún sigue estando por encima de sus capacidades dramáticas. Además, le lastra mucho lo poco creíble de cierto matiz de su papel (que no revelaré, para que, quien no lo haya visto, no pierda ese punto de sorpresa), que, en algunos momentos, me hacía pensar qué hubiera sucedido si Billy Wilder, ante una indisposición de Tony Curtis o Jack Lemmon, hubiera tenido que recurrir, en Some like it hot (Con faldas y a lo loco), a, pongamos por caso, John Wayne... Un poco fuerte, no? Ah, y muy bueno Demián Bichir, en su papel de boxeador perdulario: como basura humana no lo hace mal, pero como peleador medio sonado, realmente lo borda; esas flexiones de cuello parecen sacadas de un documental...

En fin, compis, si alguien la vio, ¿qué le pareció...? A ver si se anima esto, que parece que con la “amenaza” de fiestas andamos dormidos...

Un abrazo, y... muchas pelis ¡!!

* Este texto data del 13 de diciembre de 2001, y fue publicado originariamente en la lista de correo (algun@s os podréis preguntar qué será eso, qué rápido cambia todo en esto del Internet...) de La Butaca.

Historia que entremezcla pasiones amorosas, poderes paranormales e intrigas politicas en una trama enseñoreada por venganzas, despechos y ambiciones (tan humano todo ello), y que se sustenta, fundamentalmente, en un trabajo de ambientación portentoso (decorados y vestuarios, en especial) y la poderosa presencia, profusamente explotada, del protagonista, un Orson Welles en su apoteósico tono habitual; elementos ambos al servicio de una historia que no termina de encajar con la debida solvencia los elementos mágicos (que tanta y tan importante presencia cobran en su desarrollo) con los más estrictamente dramáticos. Pasable.

Un ejercicio metacinematográfico de interés para acercarse a una figura destacable, como la de Robert Frank. Un acercamiento que, más allá de referencias temporales y episodios vitales, se ancla en las películas del autor y en los personajes más relevantes en su trayectoria vital. Notable.

Si hay algo que el cine de Buñuel, en general, rehuye de manera rotunda y persistente, es la complacencia: en el ánimo del director aragonés siempre hay un impulso provocador, perturbador y que busca desazonar, desde múltiples 'puntos de ataque' (lo onírico, lo escatológico, lo estrambótico...) a su espectador. Pero hay cintas en las que ese ánimo alcanza cotas tremendas, y una de ellas es, sin duda alguna, 'Los olvidados': cine formalmente turbio, oscuro y desaliñado al servicio de una historia cuyas dosis de vitriolo y acidez son difícilmente igualables. Mezclar infancia y miseria, en una historia de la que nadie sale moralmente bien librado —en la medida en que las víctimas terminan demostrando que su catadura no es nada mejor que la de sus verdugos—, consigue que la propuesta de Buñuel cause tanta tristeza como espanto. La tristeza de comprobar que las estructuras sociales en las que nos movemos son generadoras 'naturales' de desigualdades en las que se incuban pobreza, maldad, podredumbre y, en último extremo, muerte. El espanto de constatar, también, que la naturaleza del hombre, quizá, no facilita el ponerle arreglo a tales desmanes. ¿Lucidez suprema o pesimismo desperanzado? Vean y juzguen por ustedes mismos/as...