La historia, ambientada en el Mar Caribe en el siglo XVIII, muestra los intentos de Jack Sparrow por recuperar la Perla Negra, el barco que había capitaneado hasta el amotinamiento de sus tripulantes, mientras el herrero Will Turner hará todo lo posible para rescatar a Elizabeth Swan, secuestrada por la tripulación maldita de la Perla Negra, lo que llevará a ambos a unir fuerzas. En realidad todo es mucho más complicado, pues la película está estructurada en torno a continuos cambios de lealtades, amistades y bandos, impredecibles giros de guion y constantes sorpresas y trucos.

Y aunque todo esto disminuye la profundidad, coherencia y lógica en la trama, permite una gran agilidad y un ritmo frenéticos que la convierten en una cinta entretenida como pocas. Gracias a la combinación de humor, acción, aventuras y romance en torno a una historia fantástica de piratas y fantasmas, con un reparto de lujo y un presupuesto de 140 millones de dólares, logró un éxito casi irrepetible que superó con creces cualquier expectativa. Con el respaldo de Disney, el público se enamoró de la vida pirata como nunca antes.

Pero más allá del blockbuster, hay que reconocer el buen hacer de los equipos de maquillaje, vestuario o efectos especiales, que alcanzan un realismo y una espectacularidad muy llamativos. Y también hay que destacar el trabajo de los actores, sobre todo, por supuesto, el de un Johnny Depp que confirmó su condición de estrella en uno de sus papeles más emblemáticos. El excéntrico y carismático capitán Jack Sparrow permitió a Depp un derroche interpretativo exagerado y trabajado, que se une además a la larga lista de personajes peculiares a los que ha dado vida el magnífico y polémico actor estadounidense.

Lo mejor: Jack Sparrow, posiblemente el mejor pirata que hayáis conocido
Lo peor: la falta de coherencia o de profundidad en algunos aspectos de la historia

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La propuesta de Iñárritu es tan arriesgada como la aventura en la que se embarca su protagonista, un actor que alcanzó la fama dando vida a un superhéroe en el cine y que ahora desea recuperar el prestigio de su profesión con una obra de teatro en Broadway. Y es arriesgada no solo por el desafío técnico que plantea el rodaje de dos horas de película en un solo plano secuencia, sino por la capacidad que tiene de introducirnos en la mente del actor venido a menos.

Un actor venido a menos en los últimos años era, precisamente, Michael Keaton, que regresa con una fuerza insuperable, logrando la más poderosa interpretación de su dilatada carrera. La elección del que diera vida al Batman de Tim Burton parece el mejor acierto de toda la cinta. Sin desmerecer el trabajo del resto del elenco, destacando a una Emma Stone más profunda y oscura de lo que esa cara de ángel nos da a entender.

No cabe duda de que el peso de la película recae en sus magníficas actuaciones, que destacan aun más dado el minimalismo de la película: un único plano secuencia guiado por el magistral trabajo de Emmanuel Lubezki con la cámara, el backstage de un teatro neoyorquino casi como único decorado, sin más vestuario y efectos especiales que los estrictamente necesarios, y una banda sonora que se reduce al efectismo de una batería y un sonido sobrio pero inmejorable. Oposición total a las películas de superhéroes que tan poco parecen gustar a Iñárritu.

Y si el blockbuster está hecho para vender entradas y que los espectadores acudan en masa, de nuevo, Birdman se opone a esta concepción. Explora los límites de la narración, de la interpretación y del guión, pero no es una obra fácil de ver y la conexión con el público no es total. Pero, al fin y al cabo, de eso trata Birdman, de producir obras prodigiosas que consiguen llenar una sala de 800 intelectuales, pero que no logran conectar con los millones de seguidores de un superhéroe con alas de pájaro.

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Brendan Gleeson da vida a un paradigmático sacerdote irlandés, párroco de un pueblo no menos prototípico. Pero no son los idílicos clichés de El hombre tranquilo, sino la agridulce realidad de un país en el que solo ahora que ya es demasiado tarde se comienzan a descubrir los extendidos e impunes casos de pederastia en el seno de la Iglesia católica.

Son precisamente la culpa y el dolor que uno de estos casos ha provocado los que desencadenan Calvary. Sin rodeos, en la primera escena escuchamos a un hombre invisible confesar al padre Lavelle que de niño fue violado repetida y salvajemente por un sacerdote. Por eso, dada la sinrazón del crimen y la imposibilidad de castigo del verdadero culpable, el feligrés informa a Lavelle de que en una semana piensa asesinarlo. No por sus errores, sino precisamente por tratarse de un cura bueno.

Comienza así una cuenta atrás de domingo a domingo, un thriller calmado, en el que vamos descubriendo los distintos personajes del pueblo, candidatos a convertirse en asesino. Todos, en mayor o menor medida, son pecadores, infelices y atormentados por su pasado. Es difícil descubrir qué se esconde tras sus silencios, tras sus comportamientos estridentes, pero tampoco nos preocupa, porque la introspectiva que de verdad nos interesa es la del padre Lavelle, al que vemos dudar y debatir internamente.

A él se acerca la cámara con frecuencia, con abundantes planos cortos, que nos permiten apreciar la magistral actuación de un Brendan Gleeson contenido, dubitativo y casi inescrutable, pero capaz de inundar la pantalla con su presencia. Esa presencia es a veces marejada, como la mar que se precisa para practicar surf, pero el resto de tiempo transmite comprensión y calma.

Porque solo en esa calma podemos reflexionar sobre los temas que plantea el filme: el pecado en cualquiera de sus formas, el arrepentimiento, la confesión... Todos ellos, parte del proceso de expiación que impone la Iglesia a sus fieles, pero que no se aplica a sí misma al no estar dispuesta a reconocer sus errores y pagar por ellos. Esos errores -más que errores, crímenes- de la Iglesia son lo que Calvary denuncia. Pero el espectador solo puede pensar en ellos brevemente, porque la amenaza de muerte y el discurrir de personajes le quitan protagonismo. A lo que contribuye la constante presencia de la muerte. Y junto a ella, ese humor negro tan irlandés, que aligera temas tan complejos y dramáticos.

Lo mejor: Brendan Gleeson y los prototipos irlandeses
Lo peor: que la denuncia no sea más intensa

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La obra es épica, poderosa, única. Tom Hooper enía en sus manos un musical casi irrepetible, pero el buen hacer de los actores, el vestuario, la banda sonora, las canciones, la historia y la dirección, hacen que la película sea digna merecedora de sus ocho nominaciones a los Oscar.
Es cierto que en algún momento la película decae, pero es normal no poder mantener el ritmo durante las dos horas y media -que, incluso cantadas, no se hacen pesadas- de película. En los momentos de clímax se alcanzan unas cotas de emoción muy difíciles de superar. Casi todos los componentes son insuperables:
El reparto es magnífico, y los actores no defraudan: Russell Crowe, Hugh Jackman y Anne Hathaway, sencillamente extraordinarios; Amanda Seyfried y Eddie Redmayne derrochando voz; Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen poniendo la dosis de humor y amabilidad a la película...
El vestuario, del español Paco Delgado, y el maquillaje son, del mismo modo, elementos muy a tener en cuenta. El guión y la historia (gracias, Victor Hugo), incomparables.
Quizá la fotografía podría ser mejorada, y es que el material era inmejorable, y podría haber sido sensacional de haber sido mejor aprovechado.

Un punto desagradable, y que para nada es culpa de la película, son los subtítulos; no se corresponden fielmente a lo que los actores cantan, parece más un intento de cuadrar un karaoke que los verdaderos subtítulos del filme. Y el escaso doblaje de la película podría haber sido perfectamente eliminado y mantenida la versión original -siempre mejor, en mi opinión-. Las frases que se traducen son escasas, intercaladas entre la música, y casi metidas "con calzador". Era algo totalmente prescindible.
Gran película, a la que me enfrentaba con altísimas expectativas, que fueron superadas con creces. Las canciones no salen de mi cabeza, y aún tengo la piel de gallina...

Animatrix es una serie japonesa de cortos, basada en la trilogía de "Matrix", que con técnicas propias del anime narra originales, aunque paranoicas, historias.
En el "Segundo Renacimiento" podemos mencionar que no es la primera vez que vemos esta historia en el cine, sirva como ejemplo más claro "Blade Runner". En cualquier caso, cuesta imaginar un final así para la humanidad, aunque hemos de reconocer que, de darse el caso, la actuación tomada por los gobiernos sería la misma.
En la segunda parte, ya más próxima a "Independence Day" el aspecto más interesante es ver la unión de la raza humana en contra del nuevo enemigo, los seres robotizados.