Despobladas carreteras azotadas por el sol, amplios y secos espacios que se extienden a lo largo del horizonte, interiores sucios, desordenados y sombríos, son el marco en que se desarrolla esta co-producción australiana-estadounidense, estrenada mundialmente en el Festival de Cannes 2014. Ambientada en una Australia cuya sociedad soportara hace una década diversos colapsos y en la que más que personas, la mayoría de los sobrevivientes parecen muertos en vida, taciturnos, tristes y a menudo peligrosos, se centra en Eric, un hombre a quien una pandilla le roba el auto, pero en vez de resignarse decide perseguirlos, uniéndose posteriormente en el camino al joven Rey, quien fue abandonado por el grupo cuando fue herido.

Las visiones negativas y oscuras del futuro tienen reconocidos y variados precedentes a lo largo de la historia del cine, y se han multiplicado aún más en las últimas décadas, sintonizando indudablemente con las complejas realidades sociales del mundo contemporáneo. En ese sentido, a primera vista "El cazador" no ofrecería tanta novedad a los espectadores. Sin embargo, la puesta en escena del director australiano David Michôd maneja bien el suspenso y tiene momentos muy logrados en su exploración de la violencia y la alienación, lo que permite que el film destaque por sobre el promedio, aunque su ritmo es irregular, se hace algo reiterativo y puede impacientar a más de un espectador al no ser un vehículo de acción convencional, ya que alterna los estallidos sangrientos con tiempos lentos y contemplativos.

Michôd -elogiado y premiado en festivales como Sundance con su debut, "Animal Kingdom"- no esconde sus referentes, que van desde códigos del western clásico y el cine policial hasta personajes y situaciones que evocan a los libros de Cormac McCarthy y sus adaptaciones fílmicas ("Sin lugar para los débiles" o "La carretera"), o incluso a otra recordada producción australiana, "Mad Max". Y también desfilan perturbadores roles secundarios excéntricos y lacónicos que ineludiblemente recuerdan al cine de David Lynch.

Pero el realizador no se queda sólo en los homenajes, ya que muestra un sello propio y saca notable partido al implacable paisaje y las locaciones, muy bien capturadas por la fotografía de Natasha Braier, así como por el inquietante tono que aporta la interesante banda sonora de Antony Partos. Y además, por sobre varios personajes sin demasiados rasgos o relieve que corren el riesgo de ser meros arquetipos, destaca por la intensidad interpretativa de sus dos actores protagónicos: Guy Pearce y un Robert Pattinson que sigue demostrando que puede ser un buen actor y superar los clichés adolescentes en los que casi lo sumerge su participación en la popular saga "Crepúsculo".

Desde su debut en 2007 con la subvalorada "La vida me mata" y en especial con la elogiada y premiada "La nana" y "Gatos viejos", el realizador Sebastián Silva no sólo se ha confirmado como uno de los talentos más valiosos y creativos del cine chileno actual, sino además como uno de los que mayor éxito y repercusión ha tenido a nivel internacional, al menos en el circuito más independiente. Su particular mirada a las relaciones humanas, el humor absurdo, los diálogos certeros y los juguetones giros y observaciones de sus historias, así como su habilidad para potenciar sólidas actuaciones, han dotado de universalidad a historias que a la vez logran reflejar diversas verdades sobre el Chile contemporáneo.

Sin abandonar esas características, Silva desarrolló nuevas perspectivas en sus dos siguientes películas, "Crystal Fairy y el cactus mágico" y su primer thriller, "Magic Magic", y como rara vez ocurre con un cineasta latinoamericano, ambas tuvieron su estreno mundial con pocos días de diferencia en el Festival de Sundance 2013; en esa ocasión la primera, filmada en un breve período de tiempo cuando se retrasó el presupuesto para la segunda, le permitió ser premiado como mejor director en la competencia World Cinema del certamen estadounidense, la misma donde en 2009 fuera ya distinguida "La nana".

Inspirada en vivencias que el propio Silva experimentó hace más de una década, "Crystal Fairy..." tiene una trama muy simple y directa: el viaje al Parque Nacional Pan de Azúcar que un joven estadounidense y tres hermanos santiaguinos emprenden para disfrutar ahí de los reconocidos efectos alucinógenos del cactus San Pedro, se ve alterado cuando se les une una extrovertida, mística y desinhibida hippie, también estadounidense, que se hace llamar Crystal Fairy.

La aparente trivialidad de una anécdota que podría haberse conformado con ser una comedia adolescente del montón, permite a Silva un nuevo avance en la libertad formal que suele estar presente en su cine, desarrollando una película divertida y encantadora, que hace reír y entretiene, pero también provoca y estimula otras sensaciones. Espontánea y fluida, mantiene y cautiva la atención del espectador gracias a la naturalidad de la puesta en escena y la habilidad con que capta y refleja la forma en que dos estadounidenses muy distintos entre sí observan y se relacionan con Chile y su gente. Pero también acierta como sutil y delicado estudio de personalidades, a través de diversos detalles y gracias a las miradas, silencios, risas y desencuentros que comparten los cinco viajeros en este trayecto que como suele ocurrir en las road movies, tiene tanto de recorrido geográfico como de exploración interna de los personajes.

Acá son fundamentales la buena química que se percibe entre el protagonista, Jamie, encarnado por el reconocido actor Michael Cera y los tres hermanos que interpretan los propios hermanos de Sebastián Silva, pero muy especialmente la película se hace inolvidable gracias a la excéntrica Crystal Fairy de Gaby Hoffmann, un rol que en un principio puede ser insoportable y casi caricaturesco, pero por el camino se siente cada vez más humano y entrañable; mérito enorme de la actriz, pero también del director, quien siempre se ha lucido con sus retratos femeninos, particularmente con Claudia Celedón y Amparo Noguera en "La vida me mata", Catalina Saavedra en "La nana" y Bélgica Castro en "Gatos viejos".

Por supuesto que se trata de una película que no es para todos los gustos, y se puede entender que haya gente que no conecte con ella, como se puede ver acá mismo en algunos de los otros comentarios. Además, hay que reconocer que donde Silva no siempre logra convencer a todo el mundo por igual es con los desenlaces de sus películas, y en este caso queda la impresión de que faltó un poco más de desarrollo y profundidad; pero eso no disminuye los méritos de este film en tono menor, refrescante y por momentos lisérgico, que incluye además una certera banda sonora que alterna las composiciones de Pedropiedra con canciones que acentúan la atmósfera de algunas escenas, como la evocadora placidez que transmite la bella y muy clásica "Two for the Road", de Henry Mancini, de la película homónima de Stanley Donen.

Al margen de si el espectador es o no creyente en la fe cristiana, las múltiples adaptaciones fílmicas de la vida de Jesús suelen tener un reducido impacto en lo estrictamente cinematográfico, más allá de los ocasionales aciertos visuales de la reconstrucción de época; salvo quizás contadas excepciones como los alcances sociales y hasta políticos que desarrollaron Nicholas Ray en "Rey de reyes" y Pier Paolo Pasolini en "El evangelio según San Mateo" o la polémica de Scorsese en "La última tentación de Cristo", la mayoría de estas producciones se conforma con el recargado espectáculo místico y el fervor casi litúrgico.

Este film estadounidense, dirigido por Christopher Spencer y adaptado de la miniserie televisiva "La Biblia" del History Channel (incluyendo escenas ya emitidas en la pantalla chica), no difiere mucho de lo que habitualmente hemos visto en este tipo de producciones para contar la historia de Jesucristo. Convencional en lo narrativo (a pesar de puntuales licencias argumentales), plano en su planteamiento visual y con actuaciones predecibles, es menos sangriento y sensacionalista que lo que Mel Gibson hizo una década antes en "La pasión de Cristo", pero a la vez aún menos interesante como producto fílmico. Se alarga bastante y se puede sentir monótono, pero indudablemente puede gustar a quienes consumen este tipo de producciones, especialmente en Semana Santa.

Pese al contagioso, alegre y vivaz número musical del inicio, y aunque tiene toques de ternura y simpatía, por sobre todo se trata de un drama centrado en las sucesivas desventuras de una familia, reflejando una dura realidad social que lamentablemente no ha cambiado mucho a lo largo de más de seis décadas. Premiada en el Festival de Cannes y realizada pocos años después de la independencia de la India, algunas de sus escenas callejeras son un buen registro histórico de la Calcuta de los años 50. Es evidente en su temática, personajes y situaciones la influencia del neorrealismo italiano, aunque el tono es más recargado y con menos sutilezas, en especial en su último tercio, cuando las cosas parecen ir de mal en peor, aunque afortunadamente la salvan las buenas actuaciones, y es imposible que el espectador no esté del lado de esta atribulada familia.

Este documental es el primer largometraje de Nicolás Guzmán, joven director de menos de 30 años, y transcurre en la capital de Chile, Santiago. Se centra en cuatro adolescentes que están a punto de terminar la enseñanza básica (primaria) y deben tomar importantes decisiones sobre su futuro, cuando aún tienen muchas dudas internas sobre lo que realmente quieren para sus vidas. El documental sigue a sus protagonistas en su cotidianidad escolar durante un año, pero además en los otros ámbitos de su rutina diaria, así como escruta los lazos de amistad y con sus familias. A pesar de su breve duración -sólo se extiende por una hora-, tiene muchos méritos, y no es exagerado considerarlo como uno de los mejores retratos juveniles en la cinematografía chilena de las últimas décadas; con sensibilidad y buen manejo del tiempo, es una mirada entrañable y que consigue capturar la naturalidad y espontaneidad de sus personajes, así como el entorno urbano en el que se desenvuelven.

En estos tiempos en los que en Chile la educación se evalúa y debate en la sociedad a nivel nacional, la reflexión de "Si escuchas atentamente" podría ser más confrontacional u optar por la denuncia directa, pero por el contrario se valora su opción por concentrarse en un enfoque más íntimo al entrecruzar las imágenes con las voces de sus protagonistas, no sólo dejando al descubierto los vacíos en lo escolar y vocacional, sino además el sentir de los jóvenes, sus dudas, temores y sueños, así como las carencias y ausencias familiares. La ternura, la nostalgia y hasta el humor hacen que esta apuesta se sienta tan reveladora y fresca, como real y vigente.