Lo que a primera vista parece una historia más de zombis, huidas en masa y algo de casquería, al final resulta un thriller emocionante, más preocupado en contar una historia que en innovar en el género de terror, y con su eslogan “No son zombis, tampoco humanos” os podéis hacer una ligera idea, aunque cuidado, porque puede ser errónea. Aunque Carballo no consigue escapar de algunos convencionalismos, crea una atmósfera bastante propicia para encandilar a un público general, una atmósfera que va atrapando, empezando muy suave al principio y terminando en un estallido de emociones, todo ello sin atropellarse ni apabullar, sino de una manera sosegada, manteniendo un control moderado en el ritmo, algo bastante infrecuente en películas de este estilo, y eso es de agradecer, al igual que el suave reguero crítico social que va dejando a su paso.
La historia va de menos a más. Comienza con una introducción confusa, dispersa, pero poco a poco va hilando esos retazos de imágenes donde nos presenta a sus personajes, misteriosos al principio y cada vez más abiertos según avanza la trama, avance del que nos hace partícipes no sólo en sus imágenes, sino en la psique de sus personajes que desarrolla de una forma correcta, pero no magistral, ya que cae en algunas trampas (evitables a mi parecer), nada grave en el fondo, ya que consigue concluir todo (o no concluirlo, según se mire) de manera bastante satisfactoria. Si algo hay que destacar de su interesante reparto es la expresión y la tranquilidad de Kate, personaje interpretado por Emily Hampshire. Si bien Kate es un personaje común, sin florituras, sin escenas o actitudes imposibles que sí hemos podido ver en otros personajes como el Brad Pitt de ‘Guerra Mundial Z’, es precisamente esa sencillez del personaje la que le convierte en algo más real, un personaje que puedes creerte de una manera más verosímil o no, pero que en cierta medida consigue convencer, y le da fuerza dramática a la historia. En ese aspecto, su compañero en pantalla, Kris Holden-Ried no se queda atrás, aunque el mayor peso recae sobre el personaje de Kate.
En definitiva, ‘Retornados’ resulta ser ese tipo de películas de las que no esperas demasiado más allá de un mero entretenimiento y al final encuentras una buena historia más allá del terror, que puedes llegar a creerte, y con la que, sorprendentemente, terminas disfrutando.

Para aquellos que busquen sorpresas más allá de un género.
Lo mejor: Un ritmo pausado y trepidante, y que depara alguna sorpresa.
Lo peor: Una introducción demasiado larga que le costará enganchar a cierto público.

‘Una familia de Tokio’ pertenece a esa rama del cine que no está para sorprender ni para dejar alucinados a todos. Es de esas historias que va poco a poco, paso a paso presentándonos a una familia, un grupo de personajes con lazos sanguíneos que lo único que pretenden es mostrarnos sus vidas, sus quehaceres diarios, sus relaciones personales, sus miedos, sus esperanzas, sus anhelos y sus sueños. Yamada, cual pintor realista, se arma con pincel y paleta y comienza a dar las primeras pinceladas a un cuadro al que le dedica mucho tiempo. Lo pinta con calma, intentando no cometer errores, y dibuja perfectamente el contorno de lo que será una fotografía casi perfecta. En sus trazos Yamada huye de la sensiblería, de los giros extraños y de manchurrones que puedan estropear el lienzo, y nos presenta la historia y sus personajes tal cual son, con sus virtudes y defectos, pero lo mejor es que deja un pequeño espacio al “autorretrato”, un lugar donde el espectador puede verse reflejado, como si de una pintura viva se tratase.
Abandonando las metáforas pictóricas, podemos decir que en Yamada la familia es un tema recurrente, así como lo fue en Ozu. Para ello, el japonés se rodea de un reparto magnífico, un grupo de actores que consiguen hacernos creer que, efectivamente, existen fuertes lazos entre ellos, y que sus relaciones van más allá de la simple representación en una gran pantalla. Consiguen enamorarnos, ponernos furiosos, llegar a tener un sentimiento de odio hacia ellos o simplemente emocionarnos hasta el punto de la lágrima, y es que, como en toda familia, el drama siempre está servido. Uno de los mayores fuertes de ‘Una familia de Tokio’ es, por eso, su reparto, que consigue un trabajo, tanto interno (entre ellos) como externo (hacia el espectador) brillante. En realidad, su fuerte es el conjunto en sí, ya que el reparto sin su director y sin esta historia que cuenta, y viceversa, no llegaría a la grandeza que, esperemos, consigue. Efectivamente, Yôji Yamada realiza un trabajo espléndido, quizás un poco largo (motivo que lastrará el visionado de gran número de espectadores), pero grandioso. En su labor es capaz de pasar de una visión de conjunto a un trazo sobre la individualidad de cada uno de los miembros de esta familia sin darnos casi cuenta, y consigue un final redondo que (creo) no dejará a nadie sin reacción.

Para aquellos que quieran disfrutar de una historia de verdad y descubrir el verdadero significado de la palabra familia
Lo mejor: Un reparto de lujo, una historia preciosa y una dirección brillante
Lo peor: No todos los espectadores sabrán sacar todo lo bueno que hay en ella

Bill Condon podríamos decir que es uno de esos directores que todavía no ha conseguido encontrarse a sí mismo dentro de su carrera. Después de ahondar en la psique sexual del hombre con ‘Dioses y monstruos’ y ‘Kinsey’, de ofrecernos un musical con la mismísima Beyoncé en ‘Dreamgirls’ con la que incluso llegó a los Oscar, y de adentrarse en ese farrogoso mundo pseudo-literario de Crepúsculo con dos capítulos finales, ahora nos salta con la historia de estos héroes, para unos, o villanos, para otros, del siglo XXI. Julian Assange saltó a la fama en 2010 con su página WikiLeaks por desvelar en ella documentos relacionados con el Gobierno de los Estados Unidos de América y, más directamente, con la CIA, que contenían algunos secretos bien guardados acerca de las guerras de Afganistán e Irak. ‘El quinto poder’ nos narra este episodio de la vida de Assange, que en la actualidad se encuentra asilado en la Embajada de Ecuador en Londres. Con esta premisa, Condon comienza a construir la historia basándose en el libro escrito por el que fuera compañero de Assange, Daniel Berg (que en la película es interpretado por Daniel Brühl), y de ahí que la película sea más biográfica que didáctica, aunque tiene sus momentos. La figura de Assange, metida en el cuerpo de Benedict Cumberbatch, se presenta como un egomaniaco preocupado por su entorno. Sí, parece una incongruencia de alto nivel, pero esa dualidad la presenta el personaje, al menos en la película, aspecto que queda bien patente gracias a la interpretación de Cumberbatch, un papel complicado del que se puede exprimir mucho jugo, incluyendo las canas de pega.
El principal problema que tiene ‘El quinto poder’ se esconde detrás de sus cámaras. Condon consigue darle a su película un aire dinámico y efectista, pero se nota mucho que se le va la mano. Cuando no tiene nada que contar, sino simplemente explicar al espectador la interminable jerga informática y los juegos de palabras que ello conlleva, pierde el pulso y se le escapa la imagen: planos temblorosos, giros de hasta 720 grados, primeros planos cortados que resultan innecesarios,… todo ello para darle un toque más “moderno”, por llamarlo de alguna manera, a la película. Para mi, como espectador, esos detalles hacen perder fuerza a la historia que, por otro lado, se tercia bastante curiosa y animada, y es que descubrir escabrosos secretos del Pentágono o de cualquier empresa (incluidos los gobiernos nacionales) tiene miga suficiente para atrapar a cautos e incautos. ‘El quinto poder’ llega un momento que deja de ser una historia biográfica para convertirse en una especie de ‘Matrix Revolutions’ de la informática. Se pierde en pantallazos tricolores, datos infinitos y palabras indescifrables que su director nos relata de forma gráfica, para lo que pierde mucho tiempo, demasiado, el suficiente para sacarnos de la película e introducirnos en el mundo de los ceros y los unos cual robot. Nos da todo muy masticado, y no deja que el espectador disfrute de sus personajes. Pero no todo lo hace mal el bueno de Bill, ya que se rodea de un reparto muy nutrido e internacional, aunque eclipsado la mayoría del tiempo por Cumberbatch, y si algo hay que agradecerle son sus minutos iniciales, en los que entremezcla imágenes de la evolución de los medios de comunicación a lo largo de la historia reciente, terminando con una imagen que representa a la perfección la situación globalizada en la que se encuentra ese cuarto poder. Ahora sólo les queda adivinar cuál es ‘El quinto poder’.

Para curiosos y ansiosos de historias de héroes sin capas ni poderes especiales, y también para los ávidos de la libertad de información
Lo mejor: Benedict Cumberbatch en todo su esplendor y unos minutos iniciales dignos del mejor montador
Lo peor: Los temblores de cámara, las canas de pega de Cumberbatch y que no resulta del todo la película que se esperaría de un personaje como Assange

Puenzo no sólo nos muestra este estudio “libre” de anatomía humana, sino que desnuda a sus personajes, y les hace entablar unas relaciones que quedan muy bien reflejadas en pantalla. Brendemühl y Florencia Bado (la niña que interpreta a Lilith) consiguen una simbiosis perfecta, y verlos en cada una de sus escenas es un júbilo para la vista. Ella, tan sólo con su mirada, consigue transmitir más que con cualquier palabra: su admiración se hace palpable, y su deseo hacia ese nuevo forastero que se ha colado en la vida de su familia se escapa a través de su sonrisa abierta y sincera. Por su parte, el interés de él hacia esa niña que crece a un ritmo más lento que sus compañeros de escuela, no sólo es visible, sino que puede captarse con todos los sentidos, como si estuviéramos viviendo en primera persona ese desliz de curiosidad, sexual por parte de ella y anatómico por parte de él. En resumidas cuentas, hacen un duo interpretativo muy delicioso que consigue satisfacer al espectador. Brendemühl lleva a cabo tan bien su papel que da miedo.
La directora además crea el ambiente perfecto: un hospicio en la región de Bariloche que en ningún momento demuestra ser el lugar acogedor, agradable y cálido que debería, sino todo lo contrario. Nos enseña un sitio lúgubre, frío, muy poco familiar, entorno que se recrudece con la llegada de las primeras lluvias y de las grandes nevadas. Un lugar que además no cuenta con un buen entorno, si olvidamos que su localización no puede ser más idílica: a orillas de un precioso lago que brilla intensamente con la primera luz del día, pero que desaparece absolutamente con esa amalgama de personajes oscuros y desconfiados. Puenzo podría haber caído en la trampa del morbo, pero resulta ser muy sutil en su planteamiento, y eso le sumo puntos, aunque a la hora de desarrollarlo cae en una ligera monotonía que puede mermar el espíritu de algún espectador, pero nada que no solucione con una trama sólida e interesante.

Para aquellos que disfrutan de lecciones de historia en pantalla grande con un buen argumento
Lo mejor: El rostro de Brendemühl encontrando la sonrisa de la joven Lilith
Lo peor: Sus minutos aletargados y una fotografía vacía de matices

Largometraje debut de su director (que ya había hecho su incursión con sendos cortos de Madagascar) en el que realiza un derroche de medios pero escasea en imaginación. La historia de ‘Turbo’ la hemos visto algunas veces: un sueño imposible que se alcanza con tesón, lucha y una pizca de buena suerte, con secundarios divertidos y otros haciendo de la voz de la conciencia, pero Soren se vale para contarlo de un auténtico espectáculo visual lleno de colorido y luminosidad que harán disfrutar, en mayor medida, a los más pequeños. Y es que no olvidemos que estamos ante un producto principalmente infantil, de esos que llevan mensaje explícito y que conseguirá que más de un niño empiece a mirar a los caracoles con otros ojos.
‘Turbo’ nos ofrece 96 minutos de metraje que arrancan un poco lento, pero que va cogiendo velocidad a medida que avanza. Podría sonar irónico dada la historia que cuenta, pero es cierto que esos momentos coinciden con la ruptura entre el caracol lento y el caracol veloz, otra ironía que el bueno de Soren se permite introducir en su periplo animado. Pero no sólo eso. Si algo se puede sacar de su primera media hora es cierta crítica al sistema que impera entre nosotros, un sistema que, a través de pequeños caracoles de jardín, parece entrever una vida atada a la rutina y sin más alicientes que buscar el alimento de cada jornada. Aparte de ello, lo que realmente no tiene precio son sus minutos iniciales, la cobertura de una de las carreras televisadas, que más que un trabajo de animación parece un movimiento maestro de cámara, ya que consigue un enfoque y un ángulo de asombro, tareas que se repiten varias veces a lo largo de la cinta. Todo ello, al final, crea un producto entretenido, divertido y, en cierta medida, apasionante, y es que la velocidad suele incitar a descargar adrenalina de forma involuntaria, y con ‘Turbo’ eso se consigue también.

Para familias en busca de pasar un rato divertido y para aquellos que quieran sacar a su niño interior a reír un buen rato
Lo mejor: El arranque en pista, su espectacularidad visual y que incluya dos temas como ‘Eye of the tiger’ y ‘We are the champions’ en su acompañamiento musical
Lo peor: No resulta una película original