Este pasado 29 de Julio del 2012 falleció a los 91 años de edad el cineasta, escritor y fotógrafo Chris Marker, cuyo nombre real era Christian François Bouche-Villeneuve, nacido en Neuilly-sur-Seine, Francia, el 29 de Julio de 1921. Comenzó su trabajo como parte del grupo de la Rive Gauche francesa, un movimiento que prácticamente nació en paralelo con la Nouvelle Vague, aunque con algunas distinciones y formado por varios cineastas como Alain Resnais, Agnès Varda o el propio Chris Marker, considerados teóricamente más vanguardistas con unas formas más cuidadas y retóricas de realizar sus obras.

Chris Marker inició su trabajo en cine a comienzos de los años 50 con Olympia 52, su primer trabajo conservado, un documental del que escribió el guión, dirigió y rodó en 16mm sobre los Juegos Olímpicos de Oslo en 1952. Un año más tarde realizó su obra más influyente, un cortometraje codirigido con Alain Resnais titulado Les status meurent aussi, años después continuó colaborando con Resnais, también escribió guiones para otros cineastas y siguió desarrollando su carrera, Chris Markerse se dedicó principalmente al ensayo fílmico y al documental.

Cuando se dio a conocer a escala internacional fue con el cortometraje de ciencia ficción La jetée de 1962, también conocido por ser la inspiración de Terry Gilliam para la película 12 monos de 1995. David Bowie fue otro influenciado en 1993 para el videoclip de la canción Jump, They Say. El cortometraje de menos de media hora de duración se podría definir como un poema visual, el propio Chris Marker lo definió como una fotonovela. Por encima de todo demuestra que con muy poco se puede lograr hacer una película que cuente mucho, siendo la gran particularidad que la película está compuesta por imágenes fijas.

La Jetée es algo extraordinario, cualquiera que disfrute del cine y la ciencia ficción tendría que embaucarse en la experiencia que proporciona esta obra. La cuidadosa elección de las fotografías, la composición de los encuadres y su iluminación están en perfecto orden de sucesión, encadenados por un montaje en conjunto a una narración en off para explicar una historia de ciencia ficción intimista; adentrándose en el terreno del tiempo y la memoria, la búsqueda de la felicidad y el amor. Así mismo Marker lanza su mirada crítica sobre la sociedad llegando al punto de ser un visionario. La banda sonora compuesta por Trevor Duncan intensifica, dentro del contexto de la narración, la sensación y las emociones de La Jetée.

Opera prima del director Eduard Cortés que obtuvo gran éxito y reconocimiento. Película basada en un caso real del francés Jean-Claude Romand quien engañó durante años a toda su familia hasta que no pudo seguir con la mentira y terminó matándolos. No he destripado el desenlace de la película pues se evitó este final, en palabras del propio director, por ser excesivamente dramático para la película.

Eduard Cortés comenzó su carrera con algunos cortos y trabajando en series televisivas hasta su debut en cine con el largometraje La vida de nadie en el 2002. En la actualidad se estrenó su nueva película The Pelayos y tiene anunciada otra titulada ¡Atraco!, ambas también basadas en personajes y hechos reales. La vida de nadie ya tenía a sus espaldas y de forma muy reciente otras películas que abordan el mismo caso, la francesa El empleo del tiempo dirigida por Laurent Cantet en el 2001 y el mismo año de su estreno la co-producción entre Francia, España y Suiza L'adversaire, dirigida por Nicole Garcia. La cuestión es que Eduard Cortés adaptó el caso a nuestro país reflejando la sociedad Madrileña.

La vida de nadie está contada sin caer en lo excéntrico, se aleja de provocar carcajada involuntaria para mantener de forma dosificada una tensión casi constante. Creó alguna que otra división de opiniones por su final, hay quien lo tacha de cobarde y hay quien lo realza como el más apropiado. La cuestión es que resulta algo previsible, pero funciona en la película. También hay que decir que la fotografía de José Luis Alcaine funciona mucho mejor que el final durante toda la película, sin resultar una fotografía destacable mantiene una coherencia y en algunos momentos realza la escena. Este director de fotografía a sido nominado a los Goya en muchas ocasiones habiendo sido premiado con el Goya a la mejor fotografía en cuatro certámenes por las películas: El sueño del mono loco, Belle Époque, El pájaro de la felicidad y El caballero Don Quijote.

Donde la película tiene su mayor potencial es en los actores, un buen casting de Carlos Manzanares bien dirigidos por Eduard Cortés. Como protagonista tenemos a José Coronado, que en los últimos años está demostrando que cada vez es mejor actor. Adriana Ozores borda su papel como ingenua esposa que confía ciegamente en su marido, lo mismo ocurre hasta cierto punto con Marta Etura en el personaje que interpreta, ambas actrices lo hacen muy bien. Como secundario destacado tenemos a Roberto Álvarez, reconocido actor con una amplia trayectoria profesional. La vida de nadie es un gran debut, sin ser una película brillante consigue mantener la atención, crea expectativas que en mayor o menos grado consigue satisfacer y algún momento de tensión dramática muy logrado

Desde Argentina nos llega un cortometraje que el año pasado se proyectó en el Festival Internacional de Sitges 2010, consiguió una favorable reacción del público que recibió lo que buscaba. El cortometraje va recopilando diferentes premios y menciones en festivales de cine, está enfocado de forma directa al género fantástico y de terror, con pinceladas del género de aventuras. Con un destacado nivel de efectos especiales y maquillaje por parte del equipo Rabbid EFX; la historia nos introduce en una ambientación inquietante, una pequeña localización donde el mal está latente en todo momento. El apartado sonoro juega mucho a su favor, el montaje es dinámico y progresivo hasta un clímax escandaloso. Hay algunos aspectos que se podrían pulir, no termina de explotar ciertos puntos, aunque es un buen ejemplo de que con poco se puede hacer mucho. Bien podría dar lugar a un largometraje en el que se diera rienda suelta a las aventuras de los Deus Irae.

Película clave para el género de terror de Serie B, el director francés Jacques Tourneur que hizo carrera en Estados Unidos, encabezó la dirección de una producción de bajo presupuesto con el productor Val Lewton en la RKO. Cat People (La mujer pantera) resultó ser un gran éxito, debido a ello también se le propuso a Jacques Tourneur el rodaje de The Leopard Man en 1943, después de dirigir I Walked with a Zombie. Más tarde, el productor de la RKO Val Lewton quiso seguir estirando la sombra de la pantera y produjo una secuela co-dirigida por Günther von Fritsch y Robert Wise titulada The Curse of the Cat People, en castellano se tradujo como El regreso de la mujer pantera. A principios de los años ochenta se realizó el remake de la película original Cat People, conocida como El beso de la pantera, con sus aciertos y sus fallos típicos de la década de los ochenta. Al contrario de la original, fue totalmente explicita, aunque con menos corazón y perdiendo el espíritu de la verdadera Cat People.
En la RKO querían una película de terror con transformación monstruosa, pero sin gastarse el dinero que ello conlleva. Tras distintas pruebas no conseguían un resultado aceptable, incluso se intentó mostrar a la actriz Simone Simon disfrazada de pantera. La cuestión es que todas las pruebas resultaban ridículas, de ahí que la propuesta de Tourneur fuera la de sugerir en lugar de mostrar, en conjunto con el talento del director de fotografía Nicholas Musuraca, consiguieron recrear el autentico miedo. Con un gran trabajo de luces y sombras se realzó la tensión y la incertidumbre del espectador, el verdadero terror proviene de aquello que se desconoce, de lo que no podemos ver. Así pues, combinando una impresionante fotografía con acertados efectos sonoros, gestaron un producto considerado de Serie B por su bajo presupuesto, pero que cosechó una enorme recaudación.
Es cierto que en la actualidad la película ya no tiene el mismo golpe de efecto que en 1942, pero es algo obvio, pues con el paso del tiempo somos menos impresionables con estos tipos de recursos cinematográficos. Perdemos una parte de inocencia como espectadores y se la transferimos a la película. Lo cual no ha de restar ningún valor a la película, pues fue un precedente para multitud de recursos en cine de terror que ahora se dan como algo normal, pero en su momento fue una novedad que impactó en el público. La película no es solo una historia de una mujer que supuestamente se transforma en pantera, gracias al juego de la ambiguedad, se realiza un gran tratado de las relaciones humanas a través de los miedos y las inseguridades. Las actuaciones no fueron lo más remarcado de la película, pero estuvieron a la altura de las circunstancias. Lo mismo ocurre con la banda sonora, sutil en los momentos precisos y tensa cuando es necesario crear un golpe de efecto. Cat People crea una atmósfera inquietante con una sutileza felina, con golpes de efecto inesperados como un zarpazo en medio de la oscuridad.

Todas las películas de David Cronenberg mantienen unos elementos que el cineasta desarrolla en mayor o en menor medida. Scanners arrastra una idea que Cronenberg comenzó a desarrollar durante sus inicios en 1966 con su primer cortometraje títulado Transfer, dándole más desarrollo en el mediometraje Stereo de 1969. Incluso utilizó la estética de Stereo en Scanners con una grabación en blanco y negro que muestra al personaje que interpreta Michael Ironside.
Tras el buen resultado que otorgó Cromosoma 3 (The Brood), tubo la oportunidad que le produjeran una idea en la que llevaba años trabajando bajo el nombre de The Sensitives, para terminar siendo su quinto largometraje con el título Scanners. En aquel momento Cronenberg se lanzó a la dirección sin tener el guión terminado, algo que le pasó factura y de lo que se arrepintió profundamente, resultó ser una producción que proporcionó problemas. Palabras del propio Cronenberg calificaron de milagro el montaje final, la verdad es que la jugada le salió bien, se arriesgó y Scanners resultó ser en su momento su película más taquillera.
Está película fue uno de los rodajes más difíciles de David Cronenberg dada la precipitación con la que comenzó su elaboración tras la pre-producción, el resultado queda reflejado en momentos donde se nota algo más la improvisación. Hay secuencias que no aportan nada, errores de racord, incongruencias y cambios de ritmo narrativo que entorpecen el producto final. De todos modos, el tratamiento del que dispone la película ya es superior a muchas producciones similares, como las secuelas posteriores en las que Cronenberg no tuvo nada que ver. Todos los problemas de rodaje, a pesar de los defectos de la película, sirvió para que Cronenberg pudiera embarcase en lo que fue su siguiente obra, la pintoresca Videodrome, actualmente considerada de culto en la subcultura del género fantástico y de terror.
Es cierto que está película presenta altibajos, pero también proporciona imágenes impactantes, como es habitual en la filmografía de David Cronenberg. También hay que resaltar el intenso final, muy bien resuelto; así como los efectos especiales realizados de forma artesanal, en su momento causaron un gran impacto. Otra particularidad importante para remarcar es que está producción es la segunda en la que trabaja Howard Shore para componer la banda sonora, hasta la fecha un inseparable del cineasta, con sus maravillosas composiciones consigue realzar y aunar los elementos que confeccionan la atmósfera que se respira en el universo de David Cronenberg.