Acabando de ver otra de las películas que más ansiaba por ver, no podía estar más satisfecho. Esta última película del gran Roman Polanski, es una adaptación de la obra de teatro de la francesa Yasmina Reza. Es una película que brilla con luz propia, una fascinante sátira, una comedia negra con un guión magnífico, con unos actores brillantes, que mantienen unos diálogos impactantes.
En realidad es una película muy sencilla, ya que toda la acción trascurre en un solo espacio: La casa de la familia Longstreet. Es impresionante la habilidad de Polanski en desarrollar una película tan interesante y tan meticulosamente en ese espacio, y en ningún momento llega a molestar al espectador, al contrario quedé con ganas de ver mucho más, jeje. El tiempo se pasó volando, y absolutamente toda la película la disfruté. Me parecen bastante interesantes y pertinentes las comparaciones de la película con El Ángel Exterminador de Buñuel. Las únicas dos partes que no se desarrollan dentro de la casa de los Longstreet, son el inicio y el final del filme, en donde Polanksi nos traslada fuera de la casa y nos muestra al inicio, el parque con el suceso que genera el desarrollo del filme, y al final, en el mismo parque con otra toma definitiva. Ambas escenas cortas son cortas y efectivas.

Bueno la película se desarrolla en Nueva York (aunque fue filmada en Europa), en donde dos familias: Los Longstreet y los Cowan, se reúnen para hablar sobre el reciente incidente que involucra a los hijos de las dos parejas. El hijo de los Cowan ha agredido con un “palo” al hijo de los Longstreet en el parque. Todos se reúnen en casa de los Longstreet para resolver el problema de forma “civilizada”, y así lo hacen efectivamente al inicio, pero el encuentro se prolongará haciendo que la discusión se complique e intensifique en alto grado.

Ese es el argumento en forma general, la presentación y la formalidad de las dos familias es el abreboca, y duro unos pocos minutos, luego inician los destapes, las mascaras caen, y lo que sigue a continuación es un festín, que va subiendo de nivel cada vez más. Los actores, todos extraordinarios, representan distintas personalidades (algunas son estereotipos típicos), pero que van mostrando su verdadera naturaleza poco a poco.

Continua en spoiler por espacio

Documental testimonio de la fallecida directora belga, Chantal Akerman. Un documental dedicado a su madre, capturando a través de una cámara casera y conversaciones por medio de web cam, distintos momentos en la vida de su madre. Desde conversaciones personales hasta la terrible pasividad y monotonía de su vida, que precisamente registraría los últimos días de la vida de su madre, teniendo como único telón de fondo, el apartamento donde vivió en Bruselas… el lugar donde vivió toda su vida, luego de huir de Polonia en el año de 1938, por consecuencia de la guerra, y el lugar que precisamente elige su hija, la directora, para retratar el silencio, la rutina, la inercia, la vejez, las rondas de la muerte y el aislamiento personal del ser humano.

El documental participó en la Competencia del pasado Festival de Toronto en 2015, y nominada al Leopardo de Oro en el Festival de Locarno, donde fue abucheado por el público. Curiosamente luego de dos meses de su estreno en el festival en Suiza, en agosto de 2015, Chantal Akerman murió. Si en Locarno fue abucheado, en la proyección del FICCI más de medio teatro fue abandonando la sala poco a poco, algunos no resistieron el primer plano fijo de casi un minuto… algo realmente preocupante que habla de nuestra costumbre de ver imágenes rápidas, con movimiento, superficiales y fácilmente olvidables. Por lo que recomiendo, antes de verlo, saber un poco de la directora y su trayectoria, ya que Chantal Akerman no fue cualquier directora (como escuché a alguien posterior a la proyección que se refería a ella, alegando que lo que hizo esa “señora” no fue nada nuevo, y que ya se había hecho antes)… Akerman fue de las directoras europeas más importantes e influyentes de su generación, inspirando a varios de los mejores directores contemporáneos, ya que experimentó y rompió con el discurso cinematográfico, así como lo hiciese Godard. Por otra parte, es importante conocer algo sobre la historia detrás del documental, que no se explica, como es el lento desvanecimiento de la vida de la madre de Akerman, y las grabaciones que ella dejaba en su casa en Bruselas, o desde la cámara de internet, tratando de no dejar escapar ningún momento, como si presintiera que cada instante podía ser el último. Y por supuesto, la muerte de la madre de Akerman, y el posterior suicidio de la directora, pocos meses después de estrenar el documental.

El documental me dejó totalmente devastado… recuerdo haber salido de la proyección triste y sin fuerzas para seguir viendo ninguna otra película. Akerman le deja una puerta abierta a su intimidad y su misma alma al espectador, que bien puede ser valiente en adentrarse en el cuerpo de la cineasta mientras se analiza a sí mismo, o perderse en los planos fijos que al parecer no muestran nada… lo que insita a pensar y a verse a sí mismos… o a ponerse en esa situación… algo que a algunos asusta. Por supuesto, yo me dejé llevar por la propuesta y el experimento de Akerman, y aunque no fue fácil, ya que me parece en fondo muy triste y nos enfrenta a una no muy lejana realidad propia o cercana, ese acercamiento abrupto, salvaje y doloroso a la psicología humana, a la extinción del cuerpo/mente, a la enfermedad y la muerte, también representa una alta forma del arte. Y Akerman demostró que en su último trabajo, no sólo expuso su intimidad y su alma, sino incluso su misma vida. Muy recomendado, pero tener paciencia, y saber de antemano a que se va a enfrentar.

http://asbvirtualinfo.blogspot.com.co/2016/05/critica-documental-no-home-movie-chantal-akerman.html
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Ópera prima del joven director español Diego Quemada-Díez, luego de algunos cortometrajes. “La Jaula de Oro” filme mexicano, fue una de las películas lationamericanas que estuvieron en el FICCI en la sección de “Gemas”, y que llegó al festival siendo una de las producciones más premiadas y alabadas en el 2013, en su paso por distintos festivales alrededor del mundo, entre ellos Cannes, donde volvió con el premio a Mejor Reparto en la sección “Una Cierta Mirada”.

El filme tuve la oportunidad de verlo en presencia de su director Diego Quemadas-Díez, como proyección del programa “Cine bajo las estrellas”, en el Patio de Banderas del Centro de Convenciones. En donde a pesar de que cerca del centro amurallado había un sonido muy alto que en ocasiones interfería, el poder visual del filme se imponía con el pasar del metraje. Yo sentado en mi lugar en un buen puesto en la parte delantera, cerca del director, me disponía a ver este filme con expectativas medias. Pronto empezaron a aparecer las primeras imágenes y empecé a meterme en esa maravillosa historia de dolor, sobre un tema tan tratado como es el de la inmigración, pero que Quemada-Díez presenta de forma tan artística, original, retratando sin censura y contención la belleza y el dolor, en donde incluso tiene el humor cabida dentro de ese intenso drama.

“La Jaula de Oro”, dirigida por Diego Quemada-Díez y escrita por él mismo en compañía de Lucía Carreras y Gibrán Portela, nos relata la historia de dos adolescentes Guatemaltecos Juan y Sara (quien se ve obligada a vestirse de hombre), quienes pronto se cruzan en la travesía con un joven indígena, que emprenden un viaje con el objetivo de migrar a los Estados Unidos y cumplir el sueño americano, a través de una ruta donde les esperan muchas aventuras y experimentarán el terrible drama que muchas personas sufren en ese viaje de incertidumbre y peligros donde no vuelta atrás. Pero en todo ese trayecto, nuestros protagonistas un poco alejados del terror y miedo que los envuelve en cada paso que dan, pueden sortear la aventura fortaleciendo los lazos de amistad, comprensión, tolerancia, diversión y amor… aunque esto no sea garantía de la absoluta felicidad.

Todo este trabajo que realiza el director con su equipo, que además hay que mencionar el excelente trabajo de dirección y de fotografía, entre otros aspectos técnicos, y la dificultad que debió suponer filmar en esos escenarios reales, es totalmente solventado por un mangífico trabajo de los jóvenes actores, quienes actúan de forma muy natural, el mismo director mencionó que todo el reparto estaba conformado por novatos, pero aún así mantienen una buena química y trasmiten con veracidad todas las emociones por la que pasan en toda su travesía.

El director también mencionó antes de la proyección, que todas las escenas y las historias que se muestran en el filme son relatos reales de personas que lo han vivido, y esa veracidad la podemos experimentar en las misma locaciones, por lo que en muchas oportunidades podemos tener la sensación de estar viendo un documental.

La película me gustó mucho, sus 110 minutos de metraje se pasan volando, y el ritmo que maneja el director es muy bien medido, creciente con buenos intervalos, muchas escenas me divirtieron, me pusieron nervioso al punto de entrecerrar los ojos, me conmovieron enormemente, me dejaron impresionado con los ojos abiertos de par en par y todo en todo ese drama cuasi documental, encontré planos y encuadres muy buen realizados, que sorprenden a todo cinéfilo que admire la belleza y la poesía en imágenes. Por todo esto, la primera reacción que tuve al ver el filme fue que estaba viendo sin dudas una Obra Maestra, pero mencioné que tenía que meditarlo un poco más. Ya lo he meditado lo suficiente y puedo afirmar con seguridad que “La Jaula de Oro” es una Obra Maestra. Una de las mejores películas proyectadas en el FICCI, y la mejor latinoaméricana que he visto en los últimos años.

http://asbvirtualinfo.blogspot.com/2014/04/comentario-pelicula-la-jaula-de-oro.html

Una de las cineastas insignes del siempre interesante Cine Indie Americano, Kelly Reichardt (Old Joy, Wendy y Lucy), vuelve con esta adaptación de los relatos de Maile Meloy, autora que aunque aún no he leído, parece tener una similitud con el estilo de Richard Ford. Y este mismo estilo se amolda al de Reichardt, historias sencillas, con dramas sutiles o en potencia que no llegan a explotar, como suele suceder con la mayoría de las personas. Vidas monótonas, inertes y aparentemente carentes de sentido... más llenas de la esperanza diaria, anhelante y solitaria, con el deseo de que todo mejorará, que por los extremos dramáticos y emocionales que estamos acostumbrados a ver. Las mujeres son protagonistas de estas historias, 4 mujeres con historias independientes pero con características similares, buscan sin éxito salir adelante. Historias que también están enlazadas entre sí con un lazo muy sutil. Sin dudas, Reichardt se sigue confirmando como una poeta de lo cotidiano, de la sensibilidad y de la humanidad del ser humano. Las historias, unas más fuertes que otras, llegan a causar más impacto por el trabajo de sus actrices: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y Lily Glandstone. Junto con una cuidada dirección y fotografía, que recrean unos escenarios apropiados para la historia y el universo emocional de sus protagonistas. Una joya para contemplar y disfrutar, sutilmente dolorosa y humana.

Frase y diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2016/12/frases-pelicula-certain-women-kelly-reichardt.html

Película más reciente del director, productor, guionista, editor y cinematógrafo, Sean Baker (Starlet, Tangerine). Baker sigue puliéndose como maestro de lo cotidiano y poeta de la américa profunda. Con “The Florida Project”, nos cuenta otra historia que rebasa humanidad, naturalismo, la oscuridad y dureza de la realidad; y al tiempo, la luminosidad de la mirada infantil, y de los momentos de la vida. Un grupo de familias pasan el verano en un pequeño motel muy cercano a Disneyworld, en precarias condiciones, pero los niños disfrutan de los encantos del paisaje y la amistad. La mirada de Baker es humanista, y en esta película especialmente, al abordarla netamente desde la mirada y perspectivas de los niños. Baker narra y filma la infancia con maestría, la composición de los planos, la fotografía y el diseño de producción lleno de colores bonitos, y artificiales al tiempo, sirven de reflejo a la cruel realidad que se asoma de fondo. Los niños actores brillan, especialmente Brooklynn Prince, y por supuesto, el nominado al oscar (injusta única nominación de la película) Willem Dafoe, compone uno de sus personajes más sensibles y humanos. Delicada, detallista, hermosa, triste y muy conmovedora. Sin dudas, de las mejores películas que se vieron en el 2017. Y Baker, otro hit. Y esa escena final, que Baker grabó con celular dentro de Disneyworld, porque no se le permitió grabar adentro del parque, también tiene un gran mensaje que acompaña la película… esas imágenes borrosas y difuminadas.

Frases y Diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2018/02/frases-pelicula-the-florida-project-sean-baker.html