La space opera es probablemente el sub género de la ciencia ficción más explotado en el cine “gracias” -por decirlo de algún modo- al boom cultural que supuso “La guerra de las galaxias” (George Lucas, 1977) cuanto se estrenó. De algún modo, asentó en el imaginario colectivo que la ciencia ficción equivalía a la presencia de seres raros, naves espaciales o mundos imposibles como si fueran inherentes al género. En esta ocasión J.J. Abrams se encarga de adaptar a la sensibilidad del blockbuster actual una franquicia sesentera con rasgos parecidos a la obra de Lucas como es la de Star Trek, concebida por Gene Roddenberry.

En resumen, este reboot de “Star Trek” se podría considerar como una producción con tantos aciertos como problemas, y el resultado final no deja de ser un blockbuster decente que encuentra un meritorio punto intermedio entre las exigencias industriales del cine actual con la nostalgia de una franquicia de estas características. Tiene un ritmo frenético en el que siempre están pasando cosas, y en general se puede considerar una película palomitera un tanto convencional pero finalmente solida.

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Colin Trevorrow concibe “Jurassic World” con gran cariño y un sentimiento nostálgico muy arraigado a la misma conceptualización de la película. Jurassic World es un parque temático dedicado a los dinosaurios con millones de visitas diarias y con unos sistemas de seguridad tan medidos que parece imposible cualquier contratiempo que pueda poner en peligro el funcionamiento de las instalaciones o a sus visitantes. Pero el público, cansado ya de haber visto cientos de veces los mismos “bichos”, quiere más. Algo más grande. Algo más terrorífico, algo más…. En fin, más de todo. Aquí entra en escena la nueva creación de los científicos: el apodado Indominus Rex.

A veces los efectos especiales cantan demasiado, en su búsqueda de lo nostálgico peca de fan service y el guión es un tanto facilón en general. “Jurassic Park” supuso un hito en el cine por ser la primera vez que se representaban los dinosaurios de un modo tan realista. En los 22 años transcurridos hasta ahora, ese factor primerizo ha desaparecido completamente y tanto industria como público piden siempre algo más. Algo más grande. Más extremo. Más… De nuevo, de todo. Obviando todo esto, Trevorrow apuesta igual y sabiamente por el factor majestuoso de la premisa en lugar del extremista, crea el Indominus Rex a modo de meta crítica y dirige “Jurassic World” con suficiente energía como para hacerla un entretenimiento en mayúsculas que además cimienta la franquicia como imbatible en el terreno cretáceo.

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En “El castillo ambulante” el director japonés Hayao Miyazaki adapta una novela de Diana Wynne Jones a la que añade detalles y toda una iconografía que la hacen fácilmente reconocible como una obra propia del director. No faltan sus tesis habituales: una postura antibelicista, una línea divisoria difusa entre buenos y malos, una visión de la naturaleza como sinónimo de descanso, la paz como fin último de la humanidad, o un esfuerzo por resaltar la fortaleza interior de uno mismo. Éste más que cualquier otro es el sentimiento más arraigado en la película, y por partida doble.

“El castillo ambulante” se podría considerar un canto a la vida, a la superación personal. Es también una película para todos los críos, quienes caerán fascinados con los carismáticos personajes que pueblan la película y el mundo fantástico fruto de la novela de Jones y las aportaciones añadidas de Miyazaki. Como artista y artesano, el director japonés crea una obra magistral, prueba que para algunos el paso del tiempo solo sirve para ganar experiencia y mejorar, no para estancarse sin ideas. Animación o no, indispensable para todos los amantes del cine.

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Sergio Leone crea con “Por un puñado de dólares” un remake de “Yojimbo” (Akira Kurosawa, 1961), cambiando toda la iconografía y misticismo samurái por la del lejano oeste. Cuando el cowboy, cuyo nombre imaginamos que es Joe porque así le llama un personaje en un único momento de la película, llega al pequeño pueblo de San Miguel, lo que busca es un poco de dinero para su bolsillo. A medida que avanza la película sin embargo verá cómo cambian sus motivaciones hasta convertirse en una especie de héroe liberador aun poniendo su misma vida en peligro. No solo consigue crear un remake con entidad propia, si no que asienta base con un estilo visual muy propio de su director que evolucionaría hasta culminar con “Hasta que llegó su hora” (Sergio Leone, 1968) y da fama mundial a lo que se conoce como spaghetti western, que no deja de ser westerns europeos rodados durante las decadas de los 60 y 70.

“Por un puñado de dólares” es una de esas películas que el tiempo ha puesto en su lugar. Vilipendiada por la crítica, fue objeto de burla por el hecho de ser una película italiana tratando un género americano. Se confundió su obvia falta de presupuesto por un producto menor dentro de un género tan saturado como lo es el de los superhéroes hoy en día. Tal fue su éxito que Leone dirigió dos películas más con el mismo personaje: “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo (1966)”. Con estas se va perdiendo la crudeza de “Por un puñado de dólares” pero gana en cuanto a perfección formal. Con esto, nos encontramos con una pieza singular, una rareza en su increíble aspecto visual creado a partir de pocos recursos. Se le puede criticar algunas decisiones de guión, unos diálogos a veces improcedentes y algún detalle de trabajo de cámara no muy acertado, pero de lo que no cabe duda es que ésta es una película de una gran importancia histórica que nadie debería perderse.

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La historia narra la conversión de Bruce Wayne a Batman, con especial atención a su período de formación física en la Liga de las Sombras y las experiencias previas vividas, exploradas a modo de flashbacks, que le convertirán en la persona que se encapuchará como justiciero. Esta primera parte esta montada paralelamente para el propio bien de la historia, y en cuanto Wayne vuelve a Gotham el argumento adquiere una narración lineal. La historia apuesta por un enfoque inicial puramente psicológico e introspectivo para darnos a conocer la personalidad de Wayne antes de centrarnos en la parte más tradicional una vez Batman entra en escena.

La película no esta carente de problemas: falla en planificación y montaje en las secuencias de acción, el guión peca de exceso de exposición y frases grandilocuentes. A parte, todo el tramo final hubiera funcionado mejor si lo hubieran planteado de un modo más contenido, sin peleas en trenes de alta velocidad e ideas parecidas. Aun así estamos hablando de un trabajo con más virtudes que defectos, y tras 10 años de su estreno se puede asegurar que ha sentado cátedra a la hora de plantear la ejecución de franquicias cinematográficas, no siempre basadas en personajes de cómic.

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